e:THE:REAL ZONE :: cinema in cibernetik space

Inflorescence (1971) John Gruenberger

El departamento audiovisual del CAC, el centro de arte contemporáneo de Vilnius (Lituania), organiza un programa fílmico doble de música visual y animación abstracta comisariado por Stuart Heaney. "e:THE:REAL ZONE :: cinema in cibernetik space" es el título escogido para un "viaje hacia lo laberíntico, túneles telescópicos que conectan el nacimiento de la cultura psicodélica con el trabajo actual de artistas británicos y norteamericanos". El viernes 24 de abril se proyectarán estas dos sesiones que proponen un diálogo entre los pioneros del cine expandido, multimedia y visionario de los años sesenta –Jordan Belson, John Stehura– y los creadores actuales que revisan sus estéticas alucinógenas sugiriendo estados alterados implicando tecnologías digitales –Ian Helliwell, Spatial–. El ciclo concluye con una actuación fílmica en directo, enfermiza y perturbadora, realizada por la artista Sally Golding.

Part 1 – Rending The Portal
Jordan Belson. ALLURES, 1961, 8 min.
Harry Smith. NO.11: MIRROR ANIMATIONS, 1960-79, 11 min.
Storm de Hirsch. PEYOTE QUEEN, 1965, 9 min.
John Gruenberger. INFLORESCENCE, 1971, 7 min.
John Stehura. CIBERNETIK 5.3, 1960-65, 8 min.

Part 2 – In Cibernetik Space
Jodie Mack. UNDERTONE OVERTURE, 2013, 10 min.
Stom Sogo. GUIDED BY VOICES, 2000, 10 min.
Ian Helliwell. MOLECULAR FEEDBACK, 2014, 3 min.
Simon Payne. IRIS OUT, 2008, 10 min.
Spatial. PRIMITIVES (PHASOR COUNT), 2015, 5 min.
Sally Goldings' live cinema performance THE LIGHT AT THE END OF THE TUNNEL, 2014

Cibernetik 5.3 (1960-65) John Stehura

Punto y Raya – Academy 2015

Chasing Waves (2010) Paul O'Donoghue

El festival Punto y Raya organiza un simposio internacional dedicado al arte de las imágenes abstractas en movimiento. Entre los días 7 y 10 de mayo La Casa Encendida de Madrid acoge un programa de actividades exclusivamente centrados en las práctica y la teoría de la Visual Music –y sus aplicaciones en formatos como la instalación o los New Media.. Decenas de presentaciones y masterclass, impartidas por especialistas del cine y el vídeo más abstracto y minimalista, son el principal reclamo del Punto y Raya Academy. Un conjunto de proyecciones mesas redondas, monográficas y perfomances en directo, a cargo de realizadores consolidados y jóvenes creadores, completan esta celebración cinemática de los puntos y las rayas. Entre los quince artistas internacionales participantes cabe destacar uno de los cineastas y artistas plásticos más relevantes de Polonia (Józef Robakowski), uno de los pioneros canadienses del cine sin cámara (Steve Woloshen) y dos creadores audiovisuales ligados a la imagen digital, los algoritmos y el carácter orgánico de la abstracción como son el inglés Brett Battey y el alemán Robert Seidel.

Józef Robakowski

Robert Seidel

Sabrina Schmid

Triptych Unfolding, 2nd Movement (2014) Bret Battey

Contraband Cinema – Broken Beauty: A Show On Glitch!

 Jorge Sad (2012) The Great Nordic Swords

El domingo 22 de marzo Contraband Cinema organiza una sesión de vídeos centrados en las opciones del error audiovisual. Broken Beauty: A Show On Glitch! es el enunciado que este colectivo de Georgia, Atlanta, ha organizado para el espacio artístico Beep Beep Gallery. La selección de piezas muestra una visión representativa de los acercamientos estéticos de unos artistas punks que cuestionan la imagen digital actual mediante presupuestos tecnológicos plenamente lo-fi. Tal y como anuncian en la página web, "utilizando el código binario de los VCR, tableros de circuitos, videojuegos y mezcladores de video, los realizadores se esfuerzan por encontrar el alma de las máquinas mientras demuestran a los espectadores que lo estropeado es bello". Vídeos musicales de Dat Politics creados por Logan Owlbeemoth, se incluyen junto a experimentos digitales como los de The Great Nordic Swords u otros videográficos como los de Anna Spence.

Corpsicle (2013) Tachyons +

Cover Of Night (2012) Tachyons +

Untitled, Anna Spence

Exploring Visual Music – A special one day Symposium

Mercurius (2007) Bret Battey

El sábado 16 de noviembre se organiza un seminario dedicado a debatir el pasado, el presente y el futuro de la Música Visual. La Universidad de California es el lugar escogido por el Center for Visual Music, la UCSB Media Arts and Tehnology y el departamento de música Corwin Chair para presentar una serie de conferencias y proyecciones que ponen sobre la mesa cuestiones estéticas, históricas y tecnológicas situadas alrededor de este prolífico campo de creación artística a menudo designado como animación abstracta. Clarence Barlow, Cindy Keefer, Jack Ox, Casey Mongoven y Barbara Fischinger –la hija del cineasta Oskar Fischinger– son algunos de los ponentes programados de unas sesiones en las que se podrán visionar trabajos de realizadores clásicos como Mary Ellen Bute o Jordan Belson, y de artistas contemporáneos como Robert Seidel y Brett Battey.

Programa:

– Welcome remarks by Clarence Barlow, UCSB; Introduction to program by Cindy Keefer, Center for Visual Music. Plus 2 short opening videos.
– Jack Ox, University of New Mexico/CVM: Cruising through 35 years of visualizing music
– Clarence Barlow, Corwin Chair, UCSB Dept. of Music: On the visualization of sound and the sonification of the visual in my work
– Short Film program, Visual Music Classics 1 - Early Experiments
– Short Film program, Visual Music Classics 2 – Color and Form. Oskar Fischinger, Mary Ellen Bute, Harry Smith, Norman McLaren
– Casey Mongoven, Lecturer, UCSB, Aesthetic Effect of Providing Synchronized Visualizations with Sonifications
– Cindy Keefer, Director, Center for Visual Music: Light Scores, Color Organs and Expanded Cinema: An introduction to the Archives of Center for Visual Music
– Barbara Fischinger, Fischinger Trust/CVM: Oskar Fischinger - Synchronizing Music and Films 
– Short Film program, Visual Music Classics 3 – Eastern Influences. Jordan Belson & more Short Film program, Contemporary Visual Music - work by Kurt Laurenz Theinert, Bret Battey, Robert Seidel, Scott Draves, Steve Woloshen and more.

Mercurius (2007) Bret Battey

A.T.A. Abstracts in Motion – Huckleberry Lain

Intervals and Transformations

El 15 de noviembre se proyectan los trabajos del realizador Huckleberry Lain en el A.T.A. de San Francisco. Abstracts in Motion es el título bajo el que se presentan una creaciones videográficas de cariz abstracto, cercanas a los juegos formales de pioneros de la música visual como Mary Ellen Bute, los hermanos Whitney, Jules Engel o Larry Cuba. Entre sus piezas destacamos la serie Implosion of Light and Sound –por su precisa sincronización entre figuras coloreadas procesados por ordenador y tonos musicales sintéticos– e Intervals and Transformations –por ser un certero homenaje a los postulados teórico-cromáticos de Joseph Albers, mediante un juego de formas rectangulares de tonalidades incesantemente parpadeantes. La sesión finaliza un video de Mike Kuchar protagonizado por Huckleberry Lain. Se trata de un cortometraje narrativo titulado Paradise Gone, bizarro como pocos.

Programa:

Earth’s Shadow – 10.04 min.
Parable of the Thoughtless Man – 5.04 min.
Intervals and Transformations – 3.29 min.
Antiquities for the Queen of Angels – 10.25 min.
Parallel – 32 min.
Paradise Gone by Mike Kuchar – 7.38 min.

Intervals and Transformations

Center for Visual Music – United Kingdon Tour

Chakra (1972) Jordan Belson

A lo largo del mes de septiembre el Center for Visual Music está de gira por Inglaterra para presentar películas de su colección, trabajos restaurados de Jordan Belson y filmes de John Cage descubiertos recientemente por el musicólogo Richard Brownque. El primer evento tendrá lugar en el Arnolfini Centre for the Arts de Bristol, donde la comisaria y curadora Cindy Keefer dará una conferencia sobre los archivos del CVM. También se proyectará una sesión con los filmes Allures, Light, Momentum, Cycles o Chakra de Jordan Belson. La segunda actividad programa tendrá lugar en la Tate Modern de Londres donde se mostrarán un conjunto de películas restauradas por este centro especializado en la preservación y la difusión de la música visual. Oskar Fischinger, Jordan Belson, Jud Yalkut, John Cage y Charles Dockum son los autores de los filmes de esta sesión titulada Found: new restorations and discoveries from Center for Visual Music. La tercera y última programación consiste en una proyección en digital de tres filmes de Jrdan Belson expuestos en loop para la exposición del Raven Row Contemporary Arts Center de Londres llamada Reflections from a Damaged Life: an exhibition on psychedelia.

El programa de la sesión de la Tate Modern es el siguiente:

Spirals, Oskar Fischinger, Germany, c.1926, 35mm, black and white, silent, 3 min
Studie nr 5, Oskar Fischinger, Germany, 1930, 35mm, black and white, sound, 3 min
Ornament Sound, Oskar Fischinger, Germany, c.1932, 35mm, black and white, sound, 2 min
Bopscotch, Jordan Belson, USA, 1952, 16mm, colour, sound, 4 min
Vortex 5 presentation reel, Jordan Belson, USA, 1959, 16mm, black and white, silent, 7 min
LSD, Jordan Belson, USA, c.1962, 16mm, colour, sound, c.5 min
Turn, Turn, Turn, Jud Yalkut, USA, 1966, 16mm, colour, sound, 10 min
The Sun Film, John Cage & Richard Lippold, USA, 1956, 16mm, colour, silent, c.6 min
The Sun, Variations within a Sphere No. 10 [documentation], John Cage & Richard Lippold, USA, 1956, 16mm, colour, silent, c.7 min
Mobilcolor Performance film, Charles Dockum, USA, 1970, 16mm, colour, silent, 11 min
Quartet (unfinished), Jordan Belson, USA, c.1983, 16mm film transferred to HD, colour, silent, 10 min

Mobilcolor Performance film (1970) Charles Dockum

Spirals (1926) Oskar Fischinger

¡Esto no es publicidad musical!

Guitar Drag (2000) Christian Marclay

Publicado en el Cultura/s de La Vanguardia

A mediados de los años sesenta la música pop confluye con las imágenes en movimiento para ampliar su afán propagandístico. Su consecuencia es la consolidación del vídeo musical televisivo como fenómeno hegemónico para publicitarla, más allá de la radio. Pero es en otro contexto, el artístico, donde emergen una serie de problemáticas que atañen al valor estético e ideológico de la representación audiovisual del pop-rock. Las obras expuestas en la muestra This Is Not A Love Song plantean algunas de estas cuestiones.

Música Visual

Música e imágenes en movimiento han ido ligados desde los inicios del cinematógrafo. Representar la percepción visual y auditiva del ser humano mediante dispositivos tecnológicos ha sido una de las búsquedas más insistentes en la creación del siglo XX. Durante la etapa muda de la historia del cine, las interpretaciones musicales en directo eran habituales. La ausencia de diálogos sincrónicos o voces en off que relataran los conflictos de los personajes quedaba subsanada por el acompañamiento de composiciones musicales durante la proyección. Antes de que las películas habladas –los talkies de los años treinta– mermaran aportaciones específicamente cinematográficas logradas por realizadores formalistas, la experimentación musical y la investigación sonora eran campos inherentes a la práctica fílmica.

Es en las obras cinematográficas de vanguardia donde se hallan las conjunciones más precisas entre audiovisual y música popular, por el hecho de elaborar dialécticas entre la plasticidad de las imágenes y la armonía de los sonidos. El término Música Visual designa toda una corriente de animación abstracta representada por cineastas como el alemán Oskar Fischinger, quien unifica composiciones pictóricas geométricas con temas musicales de origen clásico. Sus poemas ópticos hallan cadencias temporales cuyos recursos dinámicos han inspirado innumerables vídeos musicales posteriores. Esa búsqueda incesante de combinaciones auditivas y visuales influye directamente muchas de las aportaciones del cine experimental norteamericano de los años sesenta. Es ahí donde deben explorarse las conexiones con la representación audiovisual de la música actual. Teóricos como William Moritz han señalado, persistentemente, el vínculo entre la Música Visual norteamericana representada por cineastas como los hermanos Whitney o Jordan Belson, y los vídeos musicales de la década de los años ochenta, omnipresentes con la irrupción fulgurante de la MTV.

Pero para buscar el origen específico del videoclip hay que acudir a los Beatles de la etapa psicodélica. Ante las dificultades para asisitir a los platós de los habituales magazines del momento –Top Of The Pops o Ready Steady Go!-– para interpretar sus nuevas canciones, los cuatro de Liverpool deciden producir y protagonizar piezas audiovisuales que puedan emitirse por las cadenas televisivas de medio mundo. Es precisamente el padre del videoarte, el coreano Nam June Paik, quien recicla una documentación del los fab four para desmitificar su imagen, distorsionando tanto sus figuras como sus interpretaciones. Beatles Electroniques (1966-77) reutiliza un registro videográfico del grupo británico para transformar la señal del tubo de rayos catódicos, proponiendo un cúmulo de texturas electrónicas articuladas como feedbacks continuos. Se deja de lado el componente publicitario para desviarse hacia las consideraciones pictóricas de la pantalla televisiva. La iconografía pop queda tergiversada por una actitud descarada, que es una de las señas de identidad del videoarte primerizo.

La dimensión psicodélica de la música pop viene marcada por un movimiento contracultural posicionado entre dos ejes principales: un rechazo a los rígidos convencionalismos de la sociedad y un deseo por expandir la consciencia personal. En 1967 los titubeos alucinógenos, las músicas envolventes y los espectáculos multimedia favorecen una nueva dimensión cognitiva de percepciones visuales insólitas que en el ámbito fílmico se vincula al Expanded Cinema. Es en la ciudad de Nueva York –entre las paredes plateadas de la Factory de Andy Warhol–, donde la multiplicación de estímulos sensoriales alcanza su máxima expresión. Multiproyecciones de Screen Tests, pases de diapositivas, luces estroboscópicas y danzas extáticas de Edie Sedgwick se fusionan durante el directo ensordecedor de la Velvet Underground. Ronald Nameth lo documenta en un filme experimental titulado Exploding Plastic Inevitable (1967), que acelera o ralentiza las velocidades de filmación para expandir y contraer el tiempo. Es una respuesta cinemática a un evento prácticamente hipnagógico, pautado por la música ruidosa, perversamente ensoñadora, de Lou Reed y compañía.

Pop My Religion

Con su interminable serie de retratos filmados entre 1964 y 1966, el adalid del Pop Art, Andy Warhol, mitifica el rostro humano hasta alcanzar connotaciones religiosas. Los Screen Tests son más de cuatrocientas bobinas, de poco más de tres minutos, que ensalzan personalidades del mundo de la cultura como Marcel Duchamp, Allen Ginsberg o Nico. Estas pruebas de pantalla son retratos temporales de estética fotográfica, en plano fijo y sin sonido, que desvelan una condición espectral, inevitablemente fantasmagórica.

La identificación con la estrella del rock por parte del adolescente es una de las consecuencias ante la crisis de la Iglesia tras la Segunda Guerra Mundial. Es también el punto de partida para que el artista multidisciplinario Dan Graham articule un discurso ensayístico titulado Rock My Religion (1982-1984). Jim Morrisson, Patti Smith o Henry Rollins son algunos de los protagonistas de un documental reflexivo que conjetura la existencia del Rock –y del Punk– como refugio espiritual. Dan Graham compone un altar de elucubraciones para afirmar que los clubs de rock son iglesias, santuarios en contra del estancamiento del mundo adulto. Rock, juventud y mirada queer son tres de los pilares sobre los que se asienta Scorpio Rising (1963) de Kenneth Anger: un homenaje ecléctico a la motocicleta, Marlon Brando, la homosexualidad, los símbolos nazi, la figura de jesucristo y canciones imperecederas como Blue Velvet de Bobby Vinton o Hit The Road Jack de Ray Charles. Anger es, junto a Bruce Conner, uno de lo cineastas más influyentes para la consolidación del vídeo musical como producto cultural. Sus filmes sugieren una estética pop elaborada audazmente desde underground –Kenneth Anger colaborará con Mick Jagger y Bruce Conner lo hará con Brian Eno y David Byrne.

En la realización televisiva en directo existe un territorio común que consiste en la búsqueda, por parte del cantante de turno, de la cámara que registra la señal durante su actuación. Esa mirada al objetivo busca una complicidad con el espectador que es, finalmente, un potencial consumidor. En el espacio galerístico o museístico también es habitual presenciar el cuerpo del videoartista dirigiéndose al espectador, a través de un monitor o una pantalla. Son creadores que registran el devenir temporal de sus presencias físicas, entre apreciaciones intelectuales relacionadas con la desmaterialización del arte. Rosalind E. Krauss visualizó algunos de estos aspectos en un escrito paradigmático titulado El vídeo: la estética del narcisismo (1976). Theme Song (1973) de Vitto Acconci y Baldessari Sing LeWitt (1972) de John Baldessari son vídeos de baja definción en los que recitan monólogos autoreflexivos situados entre la parodia y la crítica; tanto del circuito del arte como de la industria musical. Son piezas que demuestran la capacidad del arte conceptual para romper las fronteras entre el Arte y los discursos teóricos que lo sustentan. Dan lugar a una reformulación de su definición, un cuestionamiento de sus códigos que desemboca en una postura ensimismada, a menudo tautológica-, arte sobre Arte.

Ruido reciclado

Guitar Drag (2000) de Christian Marclay es una de las obras audiovisuales que mejor captura el fenómeno del ruido en el ámbito videoartístico. A lo largo de catorce minutos, este reconocido artista sonoro documenta una acción que consiste en arrastar una guitarra eléctrica atada, por una cuerda, a un camión en movimiento. El sonido amplificado de la Fender Stratocaster emite zumbidos disonantes y frecuencias estruendosas a medida que las cuerdas y la madera del objeto se van deteriorando, progresivamente, por el violento contacto con el asfalto. Lastimando la herramienta principal del mundo del Rock, Marclay invoca tanto el espíritu Fluxus representado en los destrozos practicados a pianos de cola, como las actuaciones incendiarias de Jimi Hendrix. Producir sonidos aleatorios mediante la destrucción de instrumentos musicales, es una práctica sonora improvisada que Philip Corner ya reclama a principios de los años sesenta, en defensa de la indeterminación, ante los desarrollos previsibles del serialismo integral de Anton Webern.

En el videoclip Close (To The Edit) (1984), que el realizador Zbig Rybczynski realiza para el grupo de rock experimental The Art Of Noise, se arremete contra instrumentos clásicos, mediante sierras mecánicas. Diversos planos de esta misma herramienta talando árboles, son el elemento más significativo del vídeo Timber (1997) de Hexstatic para Coldcut. En este montaje vertiginoso registrado en la selva amazónica, el audio se compone de sonidos pertenecientes a los propios fragmentos videográficos. El proceso de reciclaje defiende la ecología audiovisual, denunciando, simultáneamente, la deforestación del planeta. No existe ningún rastro publicitario en esta pieza electrónica, sino todo lo contrario: hay un compromiso ideológico con el medio ambiente propuesto con una estética rompedora. Aquí la música emerge de las imágenes, lo que se oye es lo que se ve.

Apropiarse de materiales visuales ajenos para proponer nuevos usos estéticos e ideológicos, es uno de los recursos más evidentes en la videocreación actual. Found Footage o Scratch Video son términos que designan tendencias creativas situadas alrededor del (des)montaje. Con la llegada de las herramientas digitales y la accesibilidad de Internet estas estrategias se multiplican exponencialmente. La descontextualización de fragmentos audiovisuales pertenecientes al mundo del pop se observa en piezas artísticas como Fiorucci Made Me Hardcore (1999) o Crash!!! (2008). Con el primero Mark Leckey ofrece un recorrido por las diferentes escenas musicales británicas (del Northern Soul al Acid House), centrado en los bailes de los clubs nocturnos. Se visualiza una mirada nostálgica a un pasado reciente, ensalzado con temas musicales emblemáticos, transformados en texturas ambientales atemporales. Javier Largen distorsiona gradualmente unos pocos planos de actuaciones de estrellas del rock como Pete Townshend, hasta hacerlas completamente abstractas. La dimensión auditiva de este trabajo responde al proceso de desfiguración, añadiendo estructuras repetitivas, espirales minimalistas pertenecientes a una composición de Steve Reich.

Canciones expuestas

Con la exposición This Is Not A Love Song se dibuja un recorrido híbrido por el cúmulo de influencias mutuas acontecido entre las artes visuales y la música pop. Para hacerlo se toma en consideración el punto de vista de cineastas experimentales, videocreadores y artistas visuales. Videoinstalaciones, vídeos monocanal y vídeos musicales ofrecen una amplia perspectiva del fenómeno audiovisual en relación al imaginario de la música pop-rock. Comisariada por Javier Panera, la muestra utiliza el título de una canción de Public Image Ltd. –el grupo del que fuera cantante de los Sex Pistols, Johnny Rotten– para vertebrar una selección heterogénea de piezas que ponen sobre la mesa el debate sobre la relevancia del discurso, la estética y el contexto en toda manifestación artística. Especialmente en una producción audiovisual multifacética y versátil que cuando se acerca a la música pop-rock lo hace sin los impedimentos informativos de los medios de comunicación, ni las imposiciones comerciales de la industria discográfica.

Movement in Light: Pure Figures in Motion

Early Abstractions (1939-56) Harry Smith

La National Portrait de Londres organiza un ciclo cinematográfico alrededor de la obra del fotógrafo y cineasta Man Ray, en motivo de una exposición centrada en sus retratos. Pure Figures In Motion es la segunda sesión de un ciclo titulado Movement In Light que establece un diálogo entre la práctica artística de Man Ray y la de sus contemporáneos. El 12 de abril se proyectan un conjunto de trabajos breves de cine sin cámara, filmes figurativos y abstractos, dibujados, coloreados o rasgados directamente sobre el celuloide por artistas como Len Lye, Norman McLaren, Harry Smith, Lis Rhodes o Aldo Tambellini. El cine sin cámara tiene como a uno de sus pioneros el artista surrealista Man Ray quien, mediante impresiones lumínicas practicadas sobre celuloide en el laboratorio, elaboró piezas fílmicas en paralelo a su trayectoria fotográfica. Early Abstractions (1939-1956) de Harry Smith estará acompañada en directo por la música del pakistaní Ilyas Ahmed, que interpreta un cruce de drone, raga, folk y rock. El programa concluye con una sesión titulada A Contemporary Expresison de trabajos actuales (aún no anunciados) como el de las figuras geométricas parpadeantes hechas por ordenador de Simon Payne.

Programa:

A Colour Box, by Len Lye (1935)
Loops, by Norman McLaren (1940)
Dots, by Norman McLaren (1940)
Vice Versa Et Cetera, by Simon Payne (2010)
Dresden Dynamo, by Lis Rhodes (1971)
Mothlight, by Stan Brakhage (1963)
Blackout, by Aldo Tambellini (1965)
Early Abstractions, by Harry Smith (1939 – 1956)

Dresden Dynamo (1971) Lis Rhodes

Electrónica visual. Störung: Sound & Visual Art

publicado en venusplutón!

Störung es una plataforma artística multidisciplinar especializada en al minimalismo electrónico y la experimentación audiovisual elaborada en tiempo real. Entre sus facetas más significativas se encuentra la existencia de un sello discográfico y la organización de un festival musical, que este año llega a su séptima edición. Desde 2006 la plataforma dirigida por Alex Gámez coordina una serie de directos, conferencias, presentaciones y proyecciones que tienen lugar cada año en La Farinera del Clot de Barcelona. Para celebrar el recorrido trazado hasta ahora publican un DVD junto a la distribuidora Cameo, titulado Störung: Sound & Visual Art. En él se recogen once piezas audiovisuales realizadas por veintitrés artistas vinculados al festival. La publicación viene acompañada por un libro de 64 páginas que contiene información sobre los vídeos incluidos, las trayectorias de los participantes y un conjunto de fotografías de actuaciones de ediciones anteriores.

Según el director del proyecto la selección de piezas, “es una mezcla representativa de varias vertientes artísticas englobadas dentro del sonido e imagen que siguen los principios conceptuales de Störung”. Unos principios decantados principalmente hacia la conjunción del sonido y la imagen en movimiento, desde un punto de vista experimental e innovador, en el que prevalece el uso de la tecnología digital. Este sería, a grandes rasgos, el eje bajo el que se sustentan la mayoría de trabajos audiovisuales aquí recogidos: la voluntad de concordancia entre el aspecto auditivo y el visual, bajo parámetros sincrónicos indudablemente abstractos. Y es que la abstracción –entendida desde diversos puntos de vista– es la solución visual de todos y cada uno de los vídeos presentados, tanto si se decantan por geometrías rectangulares, registros orgánicos desfigurados o vectores autogenerados.

A continuación se analizan, brevemente, cada una de las obras audiovisuales incluidas:

1. Gradualism #01 está hecho de una rítmica inquietante a base de glitches cuya respuesta visual viene formada por líneas horizontales y tonos azulados desplazados lateralmente al ritmo de los microsonidos. El resultado es una geometría minimalista solucionada sutilmente por el colectivo londinense D-Fuse, tanto en el apartado visual como el sonoro.

Gradualism #01

2. 26_071_auda es ruidismo aislacionista diseñado por el dúo japonés aM™[aem], apoyado por errores digitales, sonidos robóticos sumergidos y ambientes etéreos. Éstos vienen acompañados por un fondo completamente oscuro sobre el que Dextro dibujan decenas de líneas circulares en perpetuo movimiento, situadas alrededor de una estructura inicialmente sinusoidal que, poco a poco, y con ayuda del generador de Macromedia Director se transforma en espiral.

26_071_auda

3. Malabia bla bla son texturas apagadas de sonidos motorizados indefinidos creados por Alan Courtis, que parecen ahogarse entre ellos hasta desembocar en un delirio frenético de cacofonías ruidistas. A nivel visual esta es la pieza más singular de todas las presentes. Se trata de una filmación en super 8 de los argentinos Sergio Brauer y Sergio Subero, telecinada a baja resolución, que muestra una serie de tomas de la calle Malabia de Buenos Aires capturadas en escasa definición. La demora respecto al tiempo de filmación y los errores sucedidos sobre el celuloide durante el proceso de revelado favorecen la aparición de manchas intermitentes de aspecto monocromático. El resultado está directamente relacionado con el cine sin cámara más matérico y nostálgico.

Malabia bla bla

4. Hydro-Organic Machine Study de Paul Prudence & Francisco López se inspira en “una serie de estudios científicos sobre las propiedades cimáticas del agua”. Las burbujas protocelulares, el desarrollo de los meniscos y demás fenómenos hidrológicos permiten crear ambientes sonoros apocalípticos que remiten a un paisajismo sonoro de extrarradio industrial. Estos zumbidos continuos de cambios progresivos dialogan con una forma circular blanquecina de aspecto líquido sobre fondo negro cuya estructura varía en función de los diversos añadidos auditivos. Es la pieza más sugerente a nivel sonoro, pero las soluciones del artista audiovisual Paul Prudence no acaba de estar a la altura de la investigación auditiva propuesta por Franscisco López.

Hydro-Organic Machine Study

5. Black Flame del artista sonoro Kim Cascone está compuesto por un sonido continuo de atmósfera siniestra, combinado con una grabación en vídeo realizada de noche por los alrededores de un bosque. Planos de las ramas de los árboles, la luna llena y ciertas aves nocturnas acompañan el paseo de un chico encapuchado –iluminado con una linterna– hasta una hoguera. Es el planteamiento de una pieza marcadamente postproducida con efectos digitales poco originales por parte de Kathleen Cascone: efecto espejo, dobles exposiciones, imagen en negativo, etc. Es la pieza más figurativa del volumen y la que mantiene un tono narrativo más evidente, pese a la indefinición de su resolución.

Black Flame

6. Matter States de XX+XY Visuals and Sound Art Project es uno de los trabajos más impactantes. El vídeo de poco más de dos minutos de Sladzana Bogeska y Guiseppe Pradella está formado por un sonido grave de carácter envolvente al que se añaden diversos focos metálicos in crescendo. El apartado visual queda reducido a unas pequeñas manchas blancas que se desplazan sutilmente sobre una superficie oscura a modo de pintura abstracta all over. El cuadro de la imagen queda ocupado enteramente por pequeños puntos grisáceos de semblanza orgánica que parecen moverse en función de un agujero negro central.

Matter States

7. Shapes 3.0 es otra de las piezas más remarcables del DVD. El ensamblaje de microsonidos del catalán Asférico (alias de Alex Gámez) vibran continuamente para visualizarse como un conjunto de planos circulares de tonos rojizos de estructura tridimensional. La forma inicial proyectada por Aleix Fernández (el director creativo de Onionlab) recuerda una de las esculturas móviles más reconocidas de Alexander Rodchenko, pero esta asociación se va disolviendo a medida que el motion design hace acto de presencia. Los cambios de encuadres varían su dimensión mientras su aspecto se transforma libremente.

Shapes 3.0

8. Laptop-Condensored 2:29 de Andy Guhl es uno de los temas más incómodos, formado por sonidos insistentemente repetitivos de ruidos breves, fugaces e imprevisibles. El audio parece ser la respuesta literal de una cinta videográfica manipulada que muestra colores saturados bajo formas abstractas puramente electrónicas. Son osciladores interferidos para generan imágenes en movimiento que dan lugar a una improvisación algo tosca.

Laptop-Condensored 2:29

9. Rhizoid, el tema más onírico de todos, queda conjugado como una serie de planos de detalle extremadamente cercanos de lo que parecen ser fragmentos de musgo recogidos de Madeira por parte del portugués Hugo Olim. El registro videográfico está hecho de desenfoques que cambian la percepción del plano, de lo borroso a lo extrañamente hiperrealista. Simon Whetham vincula las imágenes con grabaciones de campo de la isla, cuyos sonidos se desenvuelven bajo cadencias tenues.

Rhizoid

10. Fuerza Natural II consta de un ruido sintético de Asférico, algo sobredimensionado, “basado en el análisis sonoro de una gráfica sísmica del terremoto de Irpina (Italia) de 1980”. Este breve tema viene ilustrado por una estructura circular central diseñada por el ilustrador y artista plástico madrileño elufo. La figura aparece y se desvanece tras visualizar ciertas formas esféricas de connotaciones cósmicas. La frialdad de la pieza convierte el resultado en una muestra de las posibilidades digitales en el desarrollo de imágenes abstractas en movimiento.

Fuerza Natural II

11. La última pieza de esta recopilación se titula Untitled 09. Los microsonidos digitales de frecuencias elevadas y aspecto gaseoso de Federico Monti mantienen un pulso con las formas lumínicas minimalistas de Diego Alberti. Son líneas verdes que recuerdan el fluir del código de Matrix, pero sin su numeración. Aquí lo que se observa son figuras abstractas profundas dispuestas bajo una perspectiva tridimensional, que se contraen o ensanchan en función de la intensidad del timbre y el volumen.

Untitled 09

Störung: Sound & Visual Art es un buen ejemplo del desarrollo actual del sonido y la imagen en movimiento en contextos experimentales de investigación y desarrollo. El grueso de los once trabajos audiovisuales aquí recogidos demuestra la tradición de cierta música visual –planteada profusamente por Oskar Fischinger–, pero también la herencia de los pioneros del videoarte menos factual –como es el caso de las soluciones conceptuales y estéticas del matrimonio Vasulka– o de aquello que se conoció como la elaboración de imágenes por computadora –ejemplificada en la obra de los hermanos Whitney, Lillian Schwartz o Stan Vanderbeek–. Pioneros de un arte cinematográfico y sonoro que con la llegada de las nuevas tecnologías –primero electrónicas y después digitales– aumenta su propuesta exponencialmente hasta devenir en prácticas indudablemente omnipresentes.

Sonic Acts XIV – Travelling Time

De Tijd (2008) Bart Vegter

Del 23 al 26 de febrero de 2012 se celebra en la ciudad de Amsterdam el festival Sonic Acts. En su decimocuarta edición esta muestra centrada en la "exploración del arte, la música y la tecnología" titula su apuesta como Travelling Time. Con este término se presentan cuatro días de conciertos, performances, conferencias y exposiciones que buscan sugerir nuevas percepciones relacionadas con el tiempo. Los cambios producidos en la noción del tiempo por las nuevas tecnologías, el sentido temporal transformado por la velocidad de la comunicación digital y la vinculación de las máquinas con la experiencia humana, son algunos de los conceptos dispuestos en un programa musical, expositivo y audiovisual formando por música en directo, proyecciones fílmicas y demás propuestas artísticas. Decenas de músicos electrónicos, improvisadores acústicos y artistas sonoros forman el grueso de un programa en el que también se incluyen figuras del cine experimental clásico, del videoarte y de las nuevas propuestas gráficas de la imagen en movimiento. Los cineastas de animación Norman McLaren, Robert Breer y René Jodoin comparten espacio con programas fílmicos e instalaciones audiovisuales en los que se hallan los nombres de Peter Kubelka, Paul Sharits, Barbara Hammer, J. J. Murphy, Timothy Druckrey, Ryohel Shimada, Bart Vegter y Ian Helliwell, entre muchos otros.

Descargar programa completo Sonic Acts XIV

Rectangle and rectangles (1984) René Jodoin

Letrattone Leader (2009) Ian Helliwell

Semiconductor – 20 Hz (2011)

Hasta el 4 de marzo de 2012 el Arts Santa Mònica de Barcelona acoge una exposición llamada Camps invisibles. Geografies de les ones ràdio comisariada por José Luis de Vicente y producida junto al Lighthouse de Brighton. La muestra se centra en las ondas de radio como herramienta para el aprendizaje del mundo que nos rodea. Para hacerlo toma en consideración la evolución tecnológica sucedida en el campo de las telecomunicaciones de los últimos años, y el modo en como éstas han facilitado el desarrollo del conocimiento y el acceso a la información. Según los organizadores el motivo de la exposición es demostrar las posibilidades del espectro radioeléctrico explorándolo desde un acercamiento multidisciplinar, a medio camino entre el arte y la ciencia. Entre los artistas representados se halllan Thomas Ashcraft, Job Ramos, Timo Arnall, Clara Boj y Diego Díaz; por lo que hace referencia a los colectivos destacan los Luthiers Drapaires y la Plataforma Cero LABoral.

Semiconductor son los responsables de una pieza realizada exclusivamente para la ocasión, titulada 20 Hz (2011). Este video realizado por Ruth y Joe Gerhardt sintetiza en cinco minutos una cúmulo de capturas sonoras de una tormenta geo-magnética sucedida en la atmósfera terrestre. Tal y como indican en la información de su página web: "Generated directly by the sound, tangible and sculptural forms emerge suggestive of scientific visualisations". El resultado es un conjunto de imágenes en movimiento que danzan al ritmo del ruido, como una prolongación visual de los sonidos, una abstracción monocromática de líneas blancas sobre fondo negro cuyos diseños geométricos parecen formas orgánicas sincrónicas. Algo así como vibraciones perpetuas de circunferencias concéntricas. Ruido visual en su máxima expresión.

MiRA! Música i recerca audiovisual

Paradigme

El 5 de noviembre tendrá lugar en la antigua fábrica de Fabra i Coats de Barcelona un nuevo festival de música electrónica y proyecciones audiovisuales llamado MiRA!. Definido como "música i recerca audiovisual" el MiRA! ofrece un amplio programa de manifestaciones musicales que transitan entre la música electrónica y los directos audiovisuales multidisciplinares, de artistas nacionales e internacionales. Un amplio dispositivo tecnológico distribuido en dos salas permitirá ofrecer proyecciones visuales envolventes de múltiples pantallas, videoinstalaciones, presentaciones por parte de artistas, workshops y proyecciones de mapping. Proyectando imágenes digitales de toda índole (música visual, animación heterodoxa, videoarte, etc.), el festival tiene la intención de relacionar música y elementos visuales a un mismo nivel, equilibrando las dos disciplinas para tratar de "ampliar la capacidad sensorial de los espectadores". Plaid, Kettel, Paradigme, Proletari arts, Visitor, bRUNA, Luthiers Drapaires y Dosf son algunos de los artistas participantes. De esta manera la IDM, el ambient, el techno, el dub, el hip-hop, la improvisación y la música electrónica en general dialogarán sincrónicamente con la dimensión visual de los directos.

Videocratz

Companya Nacional Insectotròpica

Ciclo de Narrativa Visual

Melophase - The Space In between (2010) Alba G. Corral

El miércoles 27 de julio el CaixaFòrum de Barcelona organiza una performance colectiva con músicos y artistas internacionales que trabajan alrededor de la experimentación audiovisual en directo. Este Ciclo de Narrativa Visual comisariado por Noelia Rodríguez cuenta con la participación de los artistas visuales Rafaël, Alba G. Corral, Soni Riot y Kowalski. Cada uno de ellos creará una pieza audiovisual en directo a partir de una serie de relatos de Julio Cortázar. Exceptuando la propuesta de Rafaël –que creará los visuales y la música experimental deconstruida simultáneamente– las demás proyecciones irán acompañadas de la música de Escort Service, un conjunto de música electroacústica especializada en la creación de bandas sonoras y el acompañamiento de proyecciones cinematográficas en directo. Piano electrónico, arpa, trompeta y violín serán los instrumentos protagonistas de un concierto que se engloba en la programación Nits d’estiu que tiene lugar en el Pati Anglès de la antigua fábrica Casaramona.

Melophase - The Space In between (2010) Alba G. Corral

Animateka 2010. Animación de vanguardia

Publicado en Blogs&docs

La séptima edición del Animateka, el Festival Internacional de Cine de Animación de Ljubljana (Eslovenia), se celebró entre los días 6 y 12 de diciembre de 2010. La muestra, dividida entre películas a competición y secciones paralelas como la retrospectiva de los hermanos Quay, contó con una amplia programación dedicada al cine de animación más vanguardista. Avant-Garde Animation Film Retrospective fue el título escogido para englobar un sinfín de películas realizadas entre los años veinte del siglo pasado y la más reciente contemporaneidad.

Una de las primeras cuestiones que deben tomarse en consideración ante esta asombroso ciclo, es la del enunciado utilizado para presentarlo. Porque definir tendencias cinematográficas mediante terminologías específicas induce, inevitablemente, a equívocos. Las confusiones producidas por las limitaciones de las etiquetas que engloban ciertos prácticas fílmicas son motivo de discrepancia, respecto a la condición de las obras referidas. Pero esta ambigüedad nominal no debe suponer un impedimento para el debate, sino más bien una oportunidad. La elaboración de un discurso que vincule el cine de animación con el término experimental hubiera demostrando, no solo la herencia de las vanguardias de principios de siglo y el desinterés por la narración, sino también la cercanía estética respecto a las artes plásticas. Resulta evidente que estas piezas fílmicas -por más o menos abstractas que sean-, son investigaciones sobre las posibilidades formales del cine, ya que privilegian la dimensión visual del filme por encima de la argumental. Un título como Cine de animación experimental no hubiera supuesto malentendidos respecto a la filiación vanguardista, porque habría puesto en primer término el interés por la investigación de la forma fílmica sin nombrar las ideologías de las vanguardias históricas ni su inquietud beligerante.

Dejando de lado estos aspectos cabe indicar que las seis sesiones preparadas para el festival fueron un goce para los sentidos. Poder presenciar el poder de atracción de las películas proyectadas, resultó ser un privilegio, teniendo en cuenta la dificultad que supone ver este tipo de películas en sus formatos originales -especialmente las de 35mm y 16mm-. La decisión de ordenar cronológicamente las obras de un buen número de cineastas no lastimó la apreciación de sus singularidades. Por el contrario, evidenció las correlaciones estilísticas y las consideraciones conceptuales a nivel histórico de las películas seleccionadas.

Simphonie Diagonale (1921) Viking Eggeling

Ryhthmus 21 (1921) Hans Richter

El cine puro de Viking Eggeling, Hans Richter y Walter Ruttman inició el recorrido por una tradición abstracta, cuyos inicios también estuvieron representados por figuras ineludibles del cine de vanguardia como Len Lye y Mary Ellen Bute. Cine sin cámara, animación geométrica y filmaciones de estructuras abstractas, fueron algunas de las técnicas presentes en la primera sesión. Esta proyección inicial marcaria una linea de acción determinante como es el de la música visual: un género pautado por la animación abstracta, la sincronía y la sinestesia. La segunda sesión fue un ejemplo de eclecticismo. El conjunto de piezas presentadas demostró una amplitud de miras a la hora de decidir qué propuestas experimentales pueden englobarse bajo el concepto de animación. La invitación a la meditación de la hipnótica Yantra (1950-57) de James Whitney, los viajes cósmicos de la imprescindible Allures (1961) de Jordan Belson, los retratos fotográficos yuxtapuestos de 2/60 48 Heads from the Szondi Test (1960) de Kurt Kren, las metamorfosis imposibles de Science Friction (1959) de Stan VanDerBeek, el ruidismo visual de Arnulf Rainer (1958-60) de Peter Kubelka, los caleidoscopios alucinógenos de Peyote Queen (1965) de Storm de Hirsch o las materias inertes de Mothlight (1963) de Stan Brakhage, demostraron la ausencia de restricciones a la hora de determinar qué puede considerarse vanguardista bajo el terreno del cine de animación.

Yantra (1950-57) James Whitney

Allures (1961) Jordan Belson

Peyote Queen (1965) Storm de Hirsch

Las formas hiperespaciales diseñadas por computadora, los collages de figuras recortadas filmadas frame a frame, las rascaduras, incisiones o pinturas aplicadas directamente sobre el celuloide, son algunas de las modalidades utilizadas por parte de los cineastas aquí representados. Ensanchar las formas del medio cinematográfico, atendiendo a sus dispositivos estructurales, parece ser el punto de partida de todos ellos. Muchas de las piezas proyectadas tienen en común el hecho de realizarse como ejercicios prácticos que toman el fotograma como unidad básica del cine. Y es que no sólo se sirven de la filmación fotograma a fotograma para dar movimiento a figuras, texturas, manchas, líneas y colores concretos, sino que también lo hacen para plantear preguntas sobre la naturaleza del propio medio. Es por eso que algunas piezas cercanas a las nociones del cine estructural pueden caber bajo el epígrafe de Animación Vanguardista.

Refilmaciones de un breve fragmento de animación clásica, apropiada y reciclada, sirven para que Standish Lawder -autor de un estudio sobre el cine cubista- ponga a punto la noción de loop, en su repetitiva Runaway (1969). Disposiciones de franjas verticales y recuadros rectangulares de colores diversos, en continuo parpadeo, es el modo como Norman McLaren sintetiza un equilibrio entre sonidos electrónicos de ciencia ficción y vibrantes combinaciones abstractas, de percepciones cromáticas, en Synchromy (1971). Superposiciones de innumerables fotografías de catálogos de productos industriales, recortadas, enganchadas y acompañadas de un monólogo en primera persona, es la estrategia que siguen Frank y Caroline Mouris para crear un collage de acumulación incesante en Frank Film (1973). Divisiones geométricas de estética óptica, saturaciones de colores de influencias pop-art, rotoscopia, efectos especiales e improvisaciones jazzísticas envolventes, hacen que Zbigniew Rybczynski realice con Plamuz (1973) una pieza musical, rítmicamente imparable. Incisiones pictóricas, puntos, manchas y círculos de colores aplicados sobre la superficie de la película, acompañados de texturas ambientales y gritos enfermizos, son las soluciones tomadas por José Antonio Sistiaga para configurar sus Impresiones en la alta atmósfera (1989). Muchas de estas decisiones remiten a las que condicionan las artes plásticas, manifestándose bajo consideraciones estilísticas que van de la abstracción pictórica al dibujo gestual, pasando por al fotomontaje. Son, por tanto, filmes que recogen la herencia de las artes visuales más libres y expresivas, pero también más consecuentemente ensimismadas.

Runaway (1969) Standish Lawder

Synchromy (1971) Norman McLaren

Frank Film (1973) Frank y Caroline Mouris

Si el cine sin cámara acaparó el protagonismo de la cuarta sesión, lo hizo para reincidir en la sencillez de una serie de piezas excesivamente limitadas como son las de Steven Woloshen, Bärbel Neubauer, Oerd van Cuijlenborg o Richard Reeves. Esta estética intuitiva de trazos automáticos contrastó con las elaboradas propuestas de autores como Patrick Bokanowski, Joost Rekveld, Paul Glabicki o René Jodoin. La quinta sesión empezó con la deconstrucción de los géneros del cine clásico por parte de Virgil Widrich en Fast Film (2003). Los paisajes transformados físicamente y filmados en intervalos de tiempo por parte del noruego Inger Lise Hansen en Adrift (2004), fueron una de las pocas sorpresas agradables de una sesión decantada hacia la pretensión y el efectismo digital de realizadores como Theodore Ushev, con su redundante e inocua Drux Flux (2008). Muy al contrario que el uso otorgado a la tecnología digital por parte de los realizadores de la sexta y última proyección. Stroboscopic Noise- (2009) del austriaco Manuel Knapp fue una de las obras más radicales de todas las presenciadas en el ciclo. Minimalismo lumínico, oscuridad y sonidos insoportablemente agudos configuraron el momento cumbre de una sesión caracterizada por la abstracción Neo-Geo(métrica) del japonés Mirai Mizue en Metropolis (2009), las filmaciones nocturnas del canadiense Karl Lemieux en Mamori (2010) y, sobretodo, la deslumbrante reflexión sobre la velocidad del alemán Thornsten Fleisch en Dromosphäre (2010).

Fast Film (2003) Virgil Widrich

Stroboscopic Noise- (2009) Manuel Knapp

Metropolis (2009) Mirai Mizue

Con esta última proyección se demostró que el cine más experimental continúa trazando su camino, buscando permanentemente su lugar y abarcando todas las tecnologías disponibles a su alrededor. Hallar la especificidad del medio audiovisual, responder a su impureza, abrazando cuestiones fenomenológicas o ampliando las capacidades perceptivas del espectador, son algunas de sus metas. Cuando este cine de vanguardia manifiesta su espíritu arriesgado, libre y desafiante, demuestra su carácter expansivo, visualizando nuevas perspectivas para el devenir de la imagen en movimiento –tanto si utiliza técnicas de animación, como no.