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24 de octubre de 2019

"Todas las pantallas oscuras" – Roca Umbert de Granollers




El 5 de noviembre se proyecta el trabajo Todas las pantallas oscuras en el espacio cultural Roca Umbert de Granollers (Barcelona). La proyección de esta pieza audiovisual dirigida conjuntamente por Alexandra Laudo y Albert Alcoz tendrá lugar a las 19h de la tarde y contará con un debate posterior a cargo de sus responsables. El vídeo, producido para el programa Soy Cámara del CCCB, se muestra en una actividad del ciclo Laboratorio Postfotografia abierta a todo el público.

"En una sociedad dominada por el poder de las pantallas y sus imágenes, la oscuridad audiovisual puede ser una estrategia de resistencia. Tendemos a asociar las pantallas a la luz, pero la oscuridad es un elemento consubstancial a la creación audiovisual, y a desde los albores del cine. Todas las pantallas oscuras presenta una genealogía fragmentaria del uso y la presencia de la opacidad y la ausencia de imagen en la creación cinematográfica y videográfica, y reflexiona sobre el poder poético y político de estas formas de iconoclastia audiovisual, así como sobre su relación con nuestras formas de ver y no ver."





7 de mayo de 2015

Live To Tape — Artist Television Festival


TVTV Goes To The Superbowl (1976) TVTV

Del 18 al 24 de mayo el festival Live To Tape de la ciudad de Chicago (Estados Unidos) ofrece una amplia selección de trabajos de artistas audiovisuales que tienen como objeto de estudio el medio televisivo. Definida como Artist Television Festival esta muestra organizada por el videocreador y comisario Jesse Malmed está formada por performances y proyecciones de sesenta artistas que "utilizan la televisión como objeto, como concepto, como antagonista, como material, como forma o como inspiración". Las ocho sesiones de las que consta el festival incluyen: reflexiones críticas sobre retransmisiones deportivas televisivas, análisis sobre los espacios representados en sitcoms, revisiones desmadradas de la narración de culebrones melodramáticos, abstracciones que perciben la estética del error, entrevistas informativas sobre el hecho no comunicar mensajes inteligibles, dibujos animados de trasfondo psicodélico, sermones amateurs que manipulan audiencias o el happy ending como epítome de la artificialidad catódica. Entre el listado de participantes se hallan clásicos de la crítica televisiva desde el ámbito artístico –Dara Brinbaum, TVTV y Joan Braderman– y decenas de realizadores actuales del contexto norteamericano –LJ Frezza, Michael Robinson, Jennifer Juniper Stratford, Lori Felker, Videofreex, Jesse McLean, Amy Lockhart, Christine Lucy Latimer–. El programa completo del festival se puede consultar en este enlace.


Radioactive Dreams (2014) Jennifer Juniper Stratford
Joan Does Dynasty (1986) Joan Braderman
Hefner's Heifers (1989) George Kuchar

17 de abril de 2013

PLAT. Plataforma de difusión e investigación audiovisual


Ángel Caído (2011) Chus Domínguez

El 10 de abril se inauguró la página web PLAT. Este nuevo archivo fílmico online ha sido creado con la intención de difundir el cine de ficción y el cine documental nacional más radicalmente libre, artístico e independiente de los últimos años. Dar una "visión plural del cine español" es uno de lo motivos principales de un espacio sin ánimo de lucro que, de momento, cuenta con doscientas piezas audiovisuales, realizadas por veinte autores representativos de este otro cine español. Utilizando las siglas del laboratorio cinematográfico de José Val del Omar –P.L.A.T. (Picto lumínico audio tactil)–, esta plataforma de difusión e investigación audiovisual apela a la experimentación del medio (y su lenguaje) por parte de cineastas, documentalistas y videocreadores. En el proyecto participan creadores como Andrés Duque, Chus Domínguez, Los Hijos, David Domingo, Ion de Sosa, Kikol Grau, León Siminiani, Velasco Broca o Virginia García del Pino –de los que, muy a menudo, hemos hablado en esta web, o con los que contamos para las proyecciones Amalgama. Algunas de sus creaciones ya se podían visionar en sus respectivos canales de Vimeo, pero ahora lo hacen desde un espacio común, una web unitaria que permite observar las diferencias y las conexiones existentes entre sus puntos de vista, por lo que respecta a la práctica audiovisual.


Holidays (2010) Víctor Moreno
El otro cine (2012) Kikol Grau
El jurado (2012) Virginia García del Pino
All You Zombies (2008) Andrés Duque

11 de abril de 2013

Asuntos Domésticos – Soy cámara. El programa del CCCB


Fishtank (2000) Richard Billingham

El viernes 12 de abril a las 19:30h se emite en La 2 de TVE el programa "Asuntos Domésticos", un reportaje audiovisual realizado por Ingrid Guardiola y M.A. Blanca que se enmarca dentro de la serie "Soy Cámara. El programa del CCCB". El cine doméstico –recuperado en el proyecto fílmico Your Lost Memories– es el punto de partida de un trabajo que se centra en las home movies, las filmaciones familiares en Super 8 y las grabaciones en vídeo analógico. Obras de cineastas, documentalistas o videocreadores que han utilizado el mundo de las películas amateur del ámbito doméstico, para recontextualizarlas desde presupuestos artísticos, articulan un trabajo en el que se entrevista a Andrés Duque, Maxi Viale, Pere Ginard (Laboratorium) y un servidor. En este enlace de la web de RTVE se puede visionar el programa online.


Fishtank (2000) Richard Billingham

13 de febrero de 2013

Focus Group: Screening Room


Crossing and meetings (1974) Ed Emshwiller

Focus Group es el nombre de una serie de proyecciones de cine experimental que tienen lugar en el Visual Arts Center de la Universidad de Texas. Video digital, 8mm y 16mm son los formatos utilizados en unas sesiones que contemplan el pasado y el presente de cineastas interesados en un acercamiento innovador, libre y personal del medio audiovisual en relación a cuestiones culturales contemporáneas. La introducción de las películas por sus propios artífices o por expertos en la materia –comisarios, críticos o historiadores– es un elemento ineludible de unas sesiones que permiten el diálogo, "estableciendo un entendimiento más amplio de las posibilidades del cine".

Entre los meses de febrero y marzo recuperan el reconocido programa de televisión Screening Room. Este espacio conducido por el realizador Robert Gardner, registrado a lo largo de los años '70 en los estudios televisivos de Studio7Arts en Boston, fue una de las pocas ventanas comerciales dedicadas a mostrar y analizar los trabajos fílmicos de cineastas a partir de entrevistas. Jean Rouch, Hollis Frampton, Yvonne Rainer y Michael Snow fueron algunos de los protagonistas de unos programas didácticos de más de una hora, apoyados por fragmentos de piezas de sus autores.
Las sesiones organizadas por el Visual Arts Center, que ahora recuperan cuatro Screening Rooms, cuentan con la participación de miembros del Experimental Response Cinema, un colectivo de videocreadores y cineastas de vanguardia afincados en Austin, encargados de presentar los programas televisivos y otras obras de los mismos entrevistados –en este caso Ed Emshwiller, Suzan Pitt, Robert Breer y Jonas Mekas–.

13 de febrero
Focus Group: Screening Room featuring Ed Emshwiller
28 de marzo
Focus Group: Screening Room featuring Suzan Pitt
16 de abril
Focus Group: Screening Room featuring Robert Breer
9 de mayo
Focus Group: Screening Room featuring Jonas Mekas



Crossing and meetings (1974) Ed Emshwiller

28 de noviembre de 2012

Ojetivo Gadafi – Made in Hell



El jueves 29 de noviembre se presenta en los cines Maldà de Barcelona la última realización de Kikol Grau. Objetivo Gadafi (2012) es un trabajo de montaje televisivo sobre el controvertido político libanés, "una película histórico-Mediática" de 55 minutos producida por Made in Hell.  La película vendrá precedida por una pieza de Arthur Cane titulada Compendio de malas hierbas. Cuaderno primero "El asesino del naipe" (2012), una creación donde "un criminólogo que sufre una extraña proyección en sus casos de estudio nos explica, entre sentimientos de admiración y rechazo, la vida y obra de los criminales más sonados que ha generado el territorio español".


Objetivo Gadafi (2012) Made in Hell

23 de noviembre de 2012

David Hall + Marlon Riggs



El espacio Light Industry de Nueva York dedica una de sus últimas sesiones al trabajo de artistas sobre el medio televisivo. El 27 de noviembre organizan una proyección con dos piezas audiovisuales del inglés David Hall y el norteamericano Marlon Riggs, que elaboran discursos críticos respecto al control de la programación de la televisión. 

El video This Is a Television Receiver (1976) de David Hall es un trabajo para la BBC que cuenta con el popular presentador Richard Baker. Su monólogo resulta ser una reflexión metaliguística sober la representación audiovisual y la emisión en directo de señales electrónicas. “This is a television receiver, which is a box made of wood, metal or plastic. On one side, most likely the one you are looking at, there is a large rectangular opening that is filled with a curved glass surface that is emitting light. The colors and shades of this light form shapes that often appear as images, in this case the image of a man. But it is not a man.” Este parlamento se sucede unas cuantas veces con el sonido y la imagen alterada progresivamente hacia una desintegración abstracta, revelada como una disminución de su poder de atracción. 

Color Adjustment (1991) de Marlon Riggs es una documental ensayístico, de connotaciones pedagógicas, hecho de entrevistas y material de archivo. Traza un recorrido por la historia contemporánea de los Estados Unidos en relación al vínculo entre la consolidación de la sociedad del bienestar y la integración de la comunidad afroamericana en America. Todo ello viene pautado por la representación televisiva de esta transformación social, equiparada con el ajuste cromático del monitor televisivo y los cambios sucedidos respecto a los derechos civiles.

Programa de la sesión:

This Is a Television Receiver, David Hall, video, 1976, 8 mins
Color Adjustment, Marlon Riggs, video, 1991, 88 mins



This Is a Television Receiver (1976) David Hall

21 de junio de 2012

Primera generación. Arte e imagen en movimiento (1963-1986)


Video Against Video (1975) Douglas Davis

El catálogo de la exposición Primera generación. Arte e imagen en movimiento (1963-1986), organizada por el MNCARS durante el año 2006 y comisariada por Berta Sichel, se encuentra disponible online en el siguiente enlace. A lo largo de 430 páginas el volumen hace un repaso de lo que ha sido la historia, la teoría y la estética del videoarte internacional desde sus principios hasta mediados de los años ochenta. Un texto clásico de Rosalind Krauss sobre el carácter narcisista del videoartista, un ensayo de Peter Frank sobre los desarrollos tecnológicos y conceptuales de las videoinstalaciones, un escrito de Harald Szeemann sobre el contexto de este medio artístico y otro de Martha Rosler sobre la desaparición del carácter revolucionario del vídeo a nivel mediático, son algunos de los capítulos incluidos en un catálogo que también introduce reflexiones por parte de la propia Berta Sichel, Eugeni Bonet, Douglas Davis o Christine Mello. Una serie de fichas sobre las obras expuestas de artistas como Eugènia Balcells, Dara Birnbaum o Peter Campus, así como un listado del conjunto de piezas monocanal expuestas en la muestra, completan esta más que recomendable edición.
Contenido:
Artistas y obras en exposición 11
Primera generación. Arte e imagen en movimiento, 1963-1986 Berta Sichel 15
Videoarte: la estética del narcisismo Rosalind Krauss 43
Las instalaciones del videoarte: el entorno televisivo Peter Frank 63
El vídeo, los mitos y el museo Harald Szeemann 79
¡Tiempo! ¡Tiempo! ¡Tiempo! El contexto de la inmediatez Douglas Davis 91
Vídeo: dejando atrás el momento utópico Martha Rosler 103
La vía europea al vídeo: una recapitulación Eugeni Bonet 137
El videoarte en Brasil y otras experiencias latinoamericanas: 1970-1980 Christine Mello 157
Sinopsis de obras monocanal 359 
Cronología 391 
Fichas técnicas y catalográficas 401 
Biografías 413


Drawing TV (1976) Ewa Partum

5 de noviembre de 2010

Intervenciones TV 2010: Presentaciones "En torno al Vídeo"



La muestra Intervenciones TV celebra su nueva edición con la publicación de dos volúmenes dedicados al arte del vídeo. El primer libro resulta ser la reedición de En torno al vídeo, un ensayo imprescindible sobre el vídeo de creación nacional e internacional, publicado en 1980. Los cuatro textos de Eugeni Bonet, Antoni Mercader, Joaquim Dols, Antoni Muntadas son el primer intento serio de acotar un terreno por aquél entonces huérfano de bibliografía en castellano. A raíz de la publicación editada por la Universidad del País Vasco con la colaboración de el Centro Cultural Montehermoso y la Fundación Rodríguez, se publica un libro titulado En torno a En torno al vídeo en el se entrevista a los cuatro autores y se evalúa el valor, la influencia y la vigencia del ensayo por parte de una serie de especialistas como son Itxaso Díaz, Zemos 98 (Rubén Díaz, Felipe G. Gil, Pedro Jiménez), Arantza Lauzirika, Iñaki Arzoz, Gabriel Villota, Juan Guardiola, Virginia Villaplana, Josu Rekalde y Maite Ninou.

Las presentaciones de los libros fueron ayer jueves día 4 de noviembre y esta tarde a las 18h.
en la Facultad de BBAA de Leioa, EHU/UPV y en el Centro Cultural Montehermoso, de Vitoria-Gasteiz:
-Día 4 de noviembre a las 11:30 en La Facultad de Bellas Artes, con la presencia de Eugeni Bonet, Antoni Mercader y Joaquim Dols.
-Día 5 de noviembre a las 18:00. Proyección de los trabajos de Intervenciones TV 2008 y 2009. Presentación de las dos publicaciones con la presencia de Eugeni Bonet, Antoni Mercader, Joaquim Dols y Antoni Muntadas.



Hidings (1971-72) Michael Druks

8 de octubre de 2010

TV/ARTS/TV. La televisión tomada por los artistas


Media Burn (1975-2003) Ant Farm

Del 15 de octubre al 5 de diciembre de 2010 se expone en el Arts Santa Mónica de Barcelona una muestra comisariada por Valentina Valentini, dedicada a cartografiar el vínculo entre un conjunto de manifestaciones artísticas contemporáneas y el medio televisivo. Vídeoinstalaciones, proyecciones monocanal, retransmisiones por televisión, conferencias de artistas y espacios webs, son algunos de las prácticas expuestas con la intención de proponer un diálogo que explique y analice el interés de los artistas por este medio de comunicación de masas. Artistas relacionados con el videoarte, el arte conceptual, la performance o el dibujo hallan puntos de encuentros y desencuentros con los monitores de televisión para suscitar discursos sobre el pasado y el presente de la TV. Entre los artistas incluidos destacan pioneros del videoarte como el coreano Nam June Paik, el italiano Vito Acconci, los catalanes Antoni Muntadas y Joan Rabascall, el alemán Wolf Wostell o los norteamericanos Dan Graham, Gary Hill y Dara Birnbaum. El cineasta Chris Marker, el artista Joseph Beuys y el fotógrafo Martin Parr son otros de los autores seleccionados para una exposición que incluye obra reciente de Mireia Sentís e Iván Merino.

Programa de conferencias:
13 octubre | 19:00h
From receiver to remote control. The television set por Judith Barry & Ken Saylor

14 octubre | 18:00h
Around & about por Gary Hill

15 octubre | 19:00h
Vídeo diálogo/vídeo conversación: El vídeo es televisión? Por Antoni Muntadas y Valentina Valentini

16 octubre | 19:00h
Conversación: Arte y televisión en la era digital. Con la participación de Marcelo Dematei (UPF), Iván Marino (UPF), Jose Carlos Neves (Universidad Lusófona) y Ernesto Romero (UNTREF).

29 octubre | 12:00h
Tv & Clothing, Products, Furniture, Architecture. Conversación entre Vito Acconci y Glòria Moure

16 noviembre | 19:00h
Conferencia: Artistas hacen y deshacen TV. Por Antoni Mercader

30 noviembre | 19:00h
Cinico TV. Un modello alto di televisione. Diálogo entre Franco Maresco y Valentina Valentini

3 diciembre | 19:00h
Conferencia: Jean-Luc Godard: La imagen en cuestión. Por Ángel Quintana

Simultáneamente el Canal Mediateca del Caixafòrum ofrece una selección de vídeos que forman parte del fondo de Media Art de la Mediateca del Caixafòrum. El listado de títulos es el siguiente: Kojak/Wang (1980) de Dara Birnbaum, Media Burn (1975-2003) de Ant Farm, CASCADE/Vertical Landscapes (1988) de MICA-TVV en colaboración con Dike y Dan Graham y Video 50 (1978) de Robert Wilson.

12 de septiembre de 2010

To Be is to Be Perceived - Exposed. Voyeurism, Surveillance and the Camera

Del 17 al 26 de septiembre de 2010 se proyecta en la Tate Modern de Londres una serie de películas relacionadas con la exposición Exposed. Voyeurism, Surveillance and the Camera. El conjunto de piezas englobadas bajo el título To Be Is to Be Perceived inciden en cuestiones como el de la permanente vigilancia a la que se siente sometida la sociedad occidental. Según los comisarios Stuart Comer y Cristina Cámara el programa reflexiona sobre el modo como "la cámara ha sido utilizada como arma, como medio para crear iconos o para revelar privacidades". La mirada furtiva, la creación de estrellas mediáticas, la observación invasiva y la contemplación privada son algunas de las temáticas desarrolladas por cineastas como William Raban, Andy Warhol, Yoko Ono, Harun Farocki,  Peggy Ahwesh o Samuel Beckett. Entre la selección sorprende gratamente la inclusión de El carrer del fotógrafo catalán Joan Colom y Objetivo 40º del cineasta madrileño Javier Aguirre.


Outer And Inner Space (1966) Andy Warhol
No Cum Shot (2004) Julia Scher
Strange Weather (1993) Peggy Ahwesh

Programación:
The Invasive Look
Samuel Beckett Film (1965) 24 min
Yoko Ono/John Lennon Film no 6. Rape (1969) 78 min

Superstars
Andy Warhol Outer and Inner Space (1966) 33 min
Michel Auder Chelsea Girls with Andy Warhol (1971–1976) 73 min

Surveillance I. William Raban
About Now MMX (2010) 28 min
Island Race (1995) 28 min

The Surreptitious Gaze
Helen Levitt/Janice Loeb/James Agee In the Street (1948) 16 min
Joan Colom El carrer (1960) 30 min
Javier Aguirre Objetivo 40º (1968-1970) 14 min
Nicolas Provost Plot Point (2007) 15 min
Harun Farocki The Taste of Life (1979) 29 min

Surveillance II
William E. Jones Mansfield 1962 (2006) 9 min
Julia Scher No Cum Shot (2004) 26 min
Chris Petit Surveillance (1993) 17 min
Bureau of Inverse Technology Suicide Box (1996) 13 min
Coco Fusco a/k/a Mrs. George Gilbert (2004) 31 min
Fikret Atay Rebels of the Dance (2002) 11 min

The Private Glance. Peggy Ahwesh
The Fragments Project (1985-95) 50 min
Strange Weather (1993) 50 min

18 de julio de 2009

tank.tv – Lisa Oppenheim

"The Sun is Always Setting Somewhere Else" (2006) by Lisa Oppenheim, now showing at tank.tv








"35mm slide projection using images downloaded from the internet of sunsets taken by soldiers in Iraq, then positioned in front of the setting sun in New York".

9 de febrero de 2009

Joan Rabascall. Producció 1964-1982




El MACBA presenta del 23 de enero al 19 de abril una elogiable exposición de Joan Rabascall que muestra la obra gráfico-plástica realizada durante el período 1964-1982. Su arte representa una singular variante del arte conceptual, heredera del Pop-Art a nivel visual. Este artista catalán recupera recortes de periódicos, fotografías de la publicidad y todo tipo de fragmentos escritos y visuales extraídos de los medios de comunicación para plantear cuestiones como el autoritarismo de la representación mediática bajo un gobierno represor. Lo hace decantándose hacia la práctica del collage, el fotomontaje, la fotografía, el cine y la instalación audiovisual (dedicada a los Juegos Olímpicos). Descontextualizando imágenes impresas a gran tamaño el artista hace patente la dimensión de la manipulación, la influencia de los medios de masas sobre el imaginario colectivo de la sociedad. Entre esbozos y representaciones de diversa factura destacan las fotografías que denuncian la urbanización masificada y el deterioro paisajístico de la Costa Brava, las carteleras cinematográficas fotocopiadas que evidencian el peligro que suponen ciertas películas narrativas y, sobretodo, las decenas de grafismos que describen el estado de una época concreta, marcada por el final de la dictadura y la supuesta apertura cultural de la Transición.

Con la película Bio-Dop (1974) Joan Rabascall desarrolla su mismo discurso bajo el parámetro de la imagen en movimiento. Partiendo de las imágenes de un anuncio de publicidad de un fijador de cabello llamado Bio Dop el artista su une a Benet Rosell para reflexionar y cuestionar las estrategias que invoca un medio masivo como el de la televisión. Lástima que en su instalación expositiva esta excelente película de cinco minutos, pionera del found footage en nuestro país, pase desapercibida por su mala ubicación (en medio de una sala circular luminosa) y su pésima conceptualización (un pequeño monitor de televisión situado a ras de suelo y un par de bafles). Hecho que contrasta sobremanera con las proyecciones planteadas en la exposición del artista pop alemán Thomas Bayrle (salas independientes, oscuridad, conjunto de sillas, proyector de 16mm y película en bucle -eso sí, una de ellas inevitablemente desenfocada-).





5 de junio de 2007

Lee Friedlander - Veure i Ser Vist




Lee Friedlander és un dels fotògrafs més destacats del reportatge de carrer practicat als Estas Units al llarg del segle XX, pel fet de proposar una visió personal, innovadora i complexa del paisatge social nord-americà. Una extensa mostra de la seva influent obra es pot contemplar fins al 24 de juny al Centre Social i Culural Caixa Forum.

El MoMA de Nova York s’ha encarregat de reunir i presentar l’obra de Lee Friedlander mitjançant la tasca del conservador en cap del departament de fotografia, Peter Galassi. Ell mateix ha estat el comissari d’aquesta retrospectiva itinerant, que recull prop de cinc-centes fotografies d’una de les figures claus de la història recent de la fotografia americana.
Reconegut artísticament a principis del anys seixanta per la realització d’unes imatges confuses, certament enigmàtiques, del seu entorn, Lee Friedlander s’inicia en el camp comercial: el de les portades de discos de jazz i els encàrregs per a revistes. Al llarg de la década dels seixanta manté amistat i devoció per Walker Evans, l’artífex de les imatges més serenes de la Farm Security Administration i autor cabdal en la búsqueda de la representació documental de la realitat. Aviat, però, l’impertorbable punt de vista subjectiu de Lee Friedlander s’allunya del mimetisme (la mirada objectiva recolzada en la frontalitat del seu mestre), per convertir-se en un inacabable mostrari de recursos visuals, encaminats cap a una contínua transformació del món visible.

Els seus treballs en sèrie juguen a trencar els equilibris compositius, a distorsionar les dimensions, a dividir les situacions i a inquietar l’espectador, amb els aparents despropòsits formals. Les primeres escenes de carrer trenquen esquemes per l’ús indiscriminat de miralls, superposicions i fragmentacions del mobiliari urbà, descomposant la visió en un complex amalgama de tonalitats grises (còpies en blanc i negre de gelatina de plata), que tendeixen cap al collage i l’abstracció all over. Presències humanes, monuments històrics i cartells publicitaris queden reunits en fotografies que denoten una sensació d’horror baqui: “Quin mitjà tant generós, la fotografia” exclama Friedlander quan reflexiona sobre la seva tasca artística. Ombres, senyals, cables, automòbils, aparadors i persones semblen trobar-se en el lloc adeqüat, en el moment indicat (l’instant decisiu promulgat per Cartier-Bresson), proposant relacions insòlites que es converteixen en inevitables centres d’atenció (el punctum del que parla Roland Barthes). Són conjugacions espontànies que pertorben sistemàticament la comunicació visual, per la dificultat que presenten alhora d’identificar les figures del fons i destriar-ne els objectes dels reflexes. Són invencions formals que sovint donen lloc a artificis.

La vessant més autoreflexiva queda exemplificada en imatges d’habitacions d’hotel, on el mobiliari produeix estupor per la presència sinistre d’imatges congelades als televisors –com l’ull que, ocupant tota un monitor, sembla vigilar analíticament el seu possible espectador-. Amb els autorretrats reafirma la veu en primera persona amb reflexes semiocults de la seva presència i ombres contornejades –com aquella en la que sembla assetjar l’esquena d’una figura femenina-.

El recorregut cronológic i temàtic proposat en la mostra segueix les diferentes publicacions que Friedlander ha confeccionat al llarg d’aquest anys. Les possibilitats expressives del llibre el porten a editar sèries d’autorretrats i altres títols destacats com: The American Monument (1976), Factory Valleys (1982) i Letters from the People (1993). El canvi d’aparell fotogràfic posat a prova a principis dels anys noranta –la substitució de la càmera Leica de 35mm per la Hasselblad Superwide- el porten a experimentar amb un objectiu de gran angular, en negatius de 6 x 6, amb els que treu partit a les sèries The Desert Seen (1996) i Sticks and Stones: Architectural America (2004). Amb el primer intensifica l’interés per l’acumulació de vegetació, capturant composicions de línies orgániques que recorden els drippings abstractes de Jackson Pollock. Amb el seu darrer llibre investiga les contradiccions i les ambigüitats de l’arquitectura americana de la postmodernitat, centrant-se en el desenvolupament urbanístic, fet de simulacres, de ciutats com Memphis o Las Vegas.
Situant-se al nivell dels clàssics Robert Frank i William Eggleston, l’obra de Lee Friedlander renova, com cap altre, l’incontestable esperit beatnik de la seva generació.



(Text publicat al número 16 de la revista Benzina)