La Festa del Curt – KM. 0 al video musical català

Ficus (2013) Carlota Guerrero

El 15 de diciembre se celebra El día més curt, un festival organizado en Catalunya desde 2013 con la intención de promover las prácticas audiovisuales breves en multitud de espacios de la geografía. Entre los diferentes programas seleccionados se halla el denominado KM. O al video musical català. El conjunto de piezas seleccionadas por Marvin&Wayne disecciona el videoclip realizado desde el año 2000 por cineastas que han contado con las músicas de grupos de aquí. El período 2000-2013 queda representado así por vídeos musicales entre los que se encuentran dos de quien esto suscribe: Send Me a Copy para la psicodelia revisionista de The Transistor Arkestra y Félix Millet para los ritmos frenéticos instrumentales cercanos al math rock de El Tercer Semestre. El CCCB y otros muchos centros se han sumado a la iniciativa. En Barcelona la sesión musical estará presentada por Bruno Sokolowicz, periodista y presentador del mítico programa Sputnik del Canal 33.

Highlights – Beef. Marc Lozano, en col·laboració amb Rubén Latre / Les Auteurs Nouvelles (3’, Catalunya, 2000)
Dona estrangera – Manel. Sergi Pérez (6’, Catalunya, 2008)
La manta de los borrachos – Le Pianc. Anna D. Ortuño / Boogaloo Films (3’, Catalunya, 2010)
Un tos de fang – Mishina. Luis Cerveró / Common Films, Nanouk Films (4’, Catalunya, 2008)
Disfraz de tigre – Hidrogenesse. Dario Peña (4’, Catalunya, 2007)
Es feo – Manos de topo. Kike Maillo (2’, Catalunya, 2007)
Antisistema solar – Tarántula. Kikol Grau (3’, Catalunya, 2009)
Suena brillante – Joe Crepúsculo. Luis Cerveró / Common Films, Nanouk Films (7’, Catalunya, 2008)
Mari Carmen – Tu madre. Virginia García del Pino (4’, Catalunya, 2010)
Bombay – El Guincho. Nicolás Méndez / Canada (6’, Catalunya, 2010)
Techno – Sanjosex. Ana Pfaff, Ariadna Ribas / Dostopos (2’, Catalunya, 2011)
El lament de Perceval – Le petit Ramon. Carlota Coloma, Adriá Lahuerta / 15-L, Petroblanc (7’, Catalunya, 2010)
Oniria e insomnia – Love of lesbian. Lyona (6’, Catalunya, 2012)
LOL – Los Ganglios. Xoxé Tétano / Los Ganglios (3’, Catalunya, 2012)
Send Me a Copy – The Transistor Arkestra. Albert Alcoz (5’, Catalunya, 2011)
Igual o mayor que – Doble Pletina. Stanley Sunday (2’, Catalunya, 2013)
Ficus – Oso Leone. Carlota Guerrero, Xavier Marin (4’, Catalunya, 2013)
Caballo negro – Tu Madre. Tuixén Benet / Les Filles Föllen (4’, Catalunya, 2013)
Usted está aquí – Alado Sincera. Ana Pfaff, Ariadna Ribas / Dostopos (3’, Catalunya, 2012)
No Fear – Art Versaris feat Invencible beat Waajeed Metromuster (4’, Catalunya, 2013)
Fèlix Millet – El tercer semestre Albert Alcoz (4’, Catalunya, 2013)

Mari Carmen (2010) Virgina García del Pino

La manta de los borrachos (2010) Anna D. Ortuño

Ajentes Culturales - Metrópolis

Kikol Grau ha realizado un documental para el programa cultural Metrópolis de La 2, centrado en los agentes culturales independientes de este país. Investigando una serie de activistas y francotiradores culturales directamente relacionados con las plataformas digitales o las muestras cinematográficas, Ajentes Culturales plantea una serie de cuestiones primordiales que atañen a la necesidad de divulgar, analizar y promover miradas críticas en relación al panorama audiovisual actual. Josetxo Cerdán del Festival Punto de Vista, Ángel Rueda de S8 Cinema Periférico, Felipe González de Zemos98, Elena Oroz de Blogs&Docs, Eli Lloveras de Hamaca, Natalia y Enrique Piñuel de Playtime Audiovisuales y Marc Prades de venuspluton!com, son las personas entrevistadas en un reportaje que ante todo demuestra que "existe una manera subterránea de hacer cultura".

Reflejos alucinógenos: En torno a Trypps#7 de Ben Russell

Trypps#7 (Badlands) (2010) Ben Russell

Publicado en venuspluton!com

Realizar películas y programarlas junto a filmes ajenos es una tarea que ciertos cineastas llevan a cabo para hallar paralelismos entre la obra fílmica propia y las piezas predilectas de otros autores. Es un ejercicio que permite observar puntos en común entre películas diferentes, seleccionadas bajo criterios similares. La intención final es elaborar un discurso que sustente lo escogido por el comisario y su participación en tanto que realizador. Este tipo de estrategia –derivada de la “carta blanca”– se pudo presenciar el sábado 26 de febrero de 2011, en una de las sesiones más insólitas de la última edición del Punto de Vista, el Festival Internacional de Cine Documental de Navarra. Ben Russell elaboró un programa variopinto de películas de autores y épocas diversas para enmarcar su último filme, titulado Trypps#7 (Badlands) (2010). Este cineasta, artista y profesor de la Universidad de Illinois (Chicago), es uno de los nombres de referencia del cine documental y el cine experimental actual más heterodoxo. “Psychedelic ethnography” es el término que él mismo ha acuñado para definir una inquietud crítica, ligada a una tarea artística que abarca múltiples disciplinas –fue antiguo componente del grupo musical de hardcore psicodélico Black Dice–. Desde febrero de 2004 ha comisariado unas sesiones cinematográficas llamadas Magic Lantern que recientemente han dado paso a las de la Gallery 400, en la ciudad de Chicago. El cineasta estuvo en Pamplona para presentar una sesión titulada En torno a Trypps#7, que contó con ocho películas de autores tan dispares como Laida Lertxundi, Karl Kels, Gunvor Nelson, Timothy Asch y Napoleon Chagnon, el colectivo Paper Rad, Segundo de Chomón, Kenneth Anger o Gerard Holthuis. El conjunto de piezas trazó un recorrido intensamente ecléctico, de connotaciones expansivas, visualmente arrolladoras.

My name is Oona (1969) Gunvor Nelson

Footnotes to a house of love (2007), de la realizadora española Laida Lertxundi, encabezó la proyección. El filme está hecho de planos estáticos cerrados y panorámicas pausadas. Rodadas en exteriores, las imágenes definen los alrededores de un hogar de madera, situado en medio del desierto de California. Describiendo el paisaje, sugiriendo el silencio del entorno y dirigiendo las apariciones pasivas de ciertos personajes, Lertxundi filma en celuloide para transmitir, mediante el fuera de campo, la sensación de vacío. Se podría hablar de poesía fílmica, de cadencia lírica u otros términos elogiosos, pero lo cierto es que estamos ante un cortometraje observacional ciertamente pasivo. Su máximo logro es haber filmado en 16mm, durante trece minutos, un espacio mítico de la historia del cine; escenario de westerns crepusculares o filmes post-hippies. Sin dejarse llevar por el tono ciertamente trendy del filme anterior, Karl Kels se acerca al Prince Hotel de Nueva York para retratar los personajes que lo frecuentan, filmando, a su vez, las calles del Bowery en el Lower East Side de Manhattan. A lo largo de ocho minutos, fotografiados en un contrastado blanco y negro, el cineasta alemán registra el ambiente del Prince Hotel (2003) mediante planos cerrados de detalles prácticamente imperceptibles. Los rostros envejecidos de personajes impasibles protagonizan un filme contemplativo que, serenamente, ve pasar el tiempo en un entorno urbano. My name is Oona es un elogio al mito femenino, rodado en 1996 por la realizadora sueca Gunvor Nelson. Filmando una niña rubia que pasea por un bosque, Nelson evoca la mitología nórdica, tan íntimamente ligada a la naturaleza. Imágenes frenéticas en blanco y negro, sobre-expuestas continuamente, aceleran el ritmo del filme en consonancia con las repeticiones sonoras: una única frase que reza “My name is Oona” invocada ad infinitum. El trabajo sonoro coordinado por el maestro del minimalismo Steve Reich da sentido musical a una minuciosa edición de planos hermosamente yuxtapuestos. Los desdoblamientos de la niña y los bucles imposibles del sonido convierten la pieza en un delirio sensorial fugaz: un tema musical donde las voces se acoplan constantemente al destello visual. Timothy Asch y Napoleon Chagnon son los dos realizadores de un breve documento llamado Children’s magical death (1974). Esta pieza de siete minutos muestra a un grupo de niños indios medio desnudos que, fingiendo ser chamanes, imitan a sus padres. Simulan invocar a los espíritus hekura esnifando cocaína –ellos utilizan cenizas–. Es una película etnográfica venezolana incluida en la serie Yanomamo (un documental clásico de la antropología visual, cuyo título completo es A Man Called "Bee": Studying The Yanomamo). El texto inicial aclara la situación, pero no por ello deja de impactar el juego establecido entre los niños y el registro propuesto por los documentalistas.

Invocation of my Demon Brother (1969) Kenneth Anger

How to escape from stress boxes (2006) es un vídeo de animación digital realizado por el colectivo estadounidense Paper Rad. Figuraciones psicodélicas de los años ochenta, solucionadas con texturas pixeladas de colores chillones, permiten esbozar una trayectoria bidimensional pesadillesca, que parece sacada de una pantalla de videojuego no apta para epilépticos. Un chico joven se pasea aturdido entre un marasmo de imágenes, señales, ruidos infernales, Trolls peludos, logos de marcas deportivas (Just Do It!, No Fear) y una banda sonora de 8 bits insoportablemente alienante. El resultado es una saturación enfermiza de estímulos tan alucinógenos como decadentes. Su contraste con Le Spectre Rouge es notorio. Esta película muda de 1907 rodada por Segundo de Chomón y Ferdinand Zecca invoca los fantasmas mediante un uso eficiente de los trucajes. El cineasta aragonés plantea el filme como un conjunto de apariciones y desapariciones de figuras femeninas, elaboradas por un prestidigitador esquelético. Gracias a las dobles exposiciones y al uso insólito de la profundidad de campo los sortilegios surten efecto en un escenario infernal tintado de tonos rojizos que conecta con el título posterior. Con Invocation of my demon brother (1969) el gran Kenneth Anger pone al descubierto toda su capacidad creativa para celebrar la existencia de lo demoníaco. A partir de un ritual que invoca a Lucifer, el autor de Scorpio Rising y Lucifer Rising sintetiza, en apenas doce minutos, algunas de sus constantes fílmicas: magia negra, ocultismo, espiritismo, música rock, homosexualidad, iconografía nazi, referencias contraculturales, etc. Aquí es el zumbido incisivo de un Mick Jagger electrónico el que acompaña musicalmente un amalgama de referencias visuales, que optan por la interpretación ensimismada y la documentación etérea. Todo ello queda resuelto como un conglomerado psicodélico cuya oscuridad parece homenajear a Aleister Crowley. El vídeo de Gerard Holthuis sobre el mundo subacuático documenta la fauna del Mar Rojo, al son de la música del egipcio Abdel Basset Hamouda. Insistiendo con el uso de efectos estroboscópicos y frames breves de colores planos editados milimétricamente, el realizador holandés plantea una danza rítmicamente frenética en el fondo del mar. El efecto de Marsa Abu Galawa (2004) es tan alucinatorio como enfermizo. Es una danza submarina hecha de coreografías de peces de colores. Es un flicker film que marea al espectador, dejándolo tan boqueabierto como noqueado.

Marsa Abu Galawa (2004) Gerard Holthuis

Programando esta serie de títulos, Ben Russell demostró su amplio conocimiento del panorama cinematográfico internacional, y su facilidad para vincular estilos cinematográficos antagónicos: animación digital actual, filmes de la época muda, documentales etnográficos, experimentaciones poético-líricas, etc. Si el ensanchamiento de las capacidades sensoriales –mediante la puesta en práctica de la magia o la simulación de experiencias alucinógenas– fue una de las constantes de la sesión, bien es cierto que éstas se agudizaron con el último trabajo proyectado: Trypps#7 (Badlands) (2010) de Ben Russell. En esta película el cineasta registra el rostro de una chica joven en el Parque Nacional de Badlands durante diez minutos. Al inicio ella mira fijamente a un objetivo que la registra en cámara lenta. Míninos desplazamientos hacia la parte superior e inferior del plano, acaban deviniendo en un movimiento acelerado de la imagen que, finalmente, desvela el mecanismo de la filmación: una cámara fija encuadrando un espejo giratorio. Como indican las notas del filme, se trata de “un viaje lisérgico” que investiga “el romanticismo sublime, la experiencia fenomenológica y la espiritualidad laica”. Para hacerlo recupera concepciones del cine estructural sobre el poder revelador de la cámara, y ciertas prácticas fílmicas performativas que incluyen espejos como elementos principales de la experiencia cinematográfica. El mismo Ben Russell lo corrobora vía mail: “la respuesta es sí a todas tus preguntas: pude presenciar la performance de Guy Sherwin Man with a mirror tres veces cuando Ben Rivers y yo hicimos una gira por Australia en 2007; La Région Centrale de Michael Snow siempre está en mi mente cuando hago películas (incluso pude ver la máquina que utilizó, en la Bienal de Sydney de ese mismo año), pero sí, el filme de Chris Welsby –Windmill II– es el que está relacionado de un modo más directo con Trypps#7. También añadiría Meshes of the Afternoon de Maya Deren (especialmente el final), Killer of Scheep (cuando él llega a “la ventana” del coche) y Superman 2 (el principio), a esta lista, con, probablemente, mayor importancia”. Este artista multimedia especializado en la programación de proyecciones y la realización de películas singulares –tanto en versión monocanal como en instalaciones–, aseguraba en una entrevista para Andrew Rosinki la relación que se había establecido entre su función de comisario y su papel como creador: “Después de años de hacer programaciones, tuve mi primera sesión individual como cineasta. De repente me di cuenta de que mi acercamiento como programador era un espejo de mi práctica”. Un modo sincero de admitir el grado de influencia del imaginario personal en el que se incluyen todos esos filmes venerados.

Videoclip contemporáneo español (2009-2010)

L.A. (2010) Lope Serrano

Todos los martes del mes de abril de 2011 La Casa Encendida de Madrid acoge un programa de videoclips españoles de los dos últimos años, seleccionado por el equipo venuspluton!com

Fechas y horario: los días 5, 12, 19 y 26 de abril a las 20h.
Más información: aquí y aquí.

En venuspluton!com promovemos y archivamos vídeos musicales producidos en España desde principios del 2009, y en esta selección veremos 3 ejemplos de nuestros vídeos (un venusplutón, un fotogramarrojo y un directoalavena, o lo que es lo mismo: un videoclip documental, uno de found footage y un vídeo de concierto) y 13 de los videoclips oficiales españoles más representativos de los últimos dos años, de diferentes técnicas y presupuestos, pero con un denominador común: las ganas de hacer algo fuera de lo común, sin las antiguas imposiciones de las discográficas y las televisiones, y a partir de la libertad y complicidad entre un músico y un realizador, sin más, por placer y diversión.


1- Alan Masferrer, Twisted Nails. WE ARE ANIMALS. 2010. 3’29”
El aula de una guardería. Decenas de niños en bata, con máscaras pintadas, tocan sus propios instrumentos. Los Twisted Nails afirman que son animales. Por un día, todos ellos son un gran colectivo animal amplificado, que se deja llevar por las circunstancias. La cámara de Alan Masferrer, sinuosa, captura las notas sueltas, el jolgorio y el griterío general. Estamos ante un venusplutón escenificado en el que los niños se muestran  encantados.

2- Alberto González Vázquez, Dinero. LOS PUNSETES. 2010. 3’49”
Ante un cuadro blanco sobre fondo negro el espectador puede interpretar de todo. Este homenaje a Kasimir Malevich con el que se inicia el vídeo, acaba convirtiéndose en un collage incesante de imágenes surrealistas post-producidas. Son escenarios de lo más variopinto con animaciones recortadas de los mismos músicos. Alberto González Vázquez elabora decenas de cuadros perfectamente enmarcados, siempre hacia atrás, alejándolos hasta su desaparición −tal y como sucede en el videoclip Eple de Röyksopp o en la pieza experimental The Public Voice del danés Lefj Marcussen−.

3- Borja Cobeaga, Viaje por países pequeños. LA BUENA VIDA. 2009. 4’42”
Parodiando un programa musical rodado en un plató de televisión, el director de comedias Borja Cobeaga realiza un vídeo en blanco y negro ambientado en los años sesenta. Presentador, azafatas y operadores de cámara son los protagonistas, junto a los componentes de La Buena Vida, de una pieza audiovisual guiada por la genial letra de Poch (Derribos Arias). Mónaco y San Marino son países pequeños, fáciles de visitar. 

4- Enrique Piñuel, Dreams. ÁRBOL. 2010. 6’00”
A música electrónica de texturas tranquilas, imágenes pasadas oníricas. Enrique Piñuel realiza un montaje de fragmentos de archivo para solucionar un fotogramarrojo pacientemente conmovedor. No hay nada de explícito. Todo queda amagado, escasamente sugerido. Parece un sueño, más bien una pesadilla, protagonizada por el niño telequinésico que desaparece hacia al más allá.

5- GG Quintanilla, Drama en España. ORNAMENTO Y DELITO. 2009. 5’04”
Apropiándose de imágenes de fuentes diversas, GG Quintanilla realiza un montaje de archivo dramático y terrorífico como pocos. Reportajes televisivos de catástrofes y fragmentos de películas como Raza de José Luis Saenz de Heredia, Lejos de los árboles de Jacinto Esteva o Las Hurdes de Luis Buñuel, permiten afirmar la muerte con toda su patética crudeza y grandeza. De Tino Casal a Miguel Ángel Blanco. La muerte en directo, líricamente interpretada para recordar que: “Cualquier día, a cualquier hora te puede tocar”.

6- Kike Maíllo, Lógico que salga mal. MANOS DE TOPO. 2009. 3’31”
Esta historia de amor imposible escenificada por los pasillos de un gran supermercado, solo puede interpretarse desde el humor más condescendiente. Utilizando un plano secuencia perfectamente planeado, Kike Maillo dirige un pequeño musical donde el cantante Miguel Ángel Blanca multiplica su presencia, tanto en la grabación como en el montaje final. Es una estrategia similar a la utilizada por Nagi Goda en su anuncio de la Coca-Cola.

7- Kikol Grau, Antisistema solar. TARÁNTULA. 2009. 3’38”
Partiendo de un filme de ciencia ficción de los años cincuenta −La tierra contra los platillos volantes (1956) de Fred F. Sears− Kikol Grau propone una narración canalla donde los componentes de Tarántula fulminan ciertos puntos estratégicos de la ciudad de Barcelona. Dibujitos naïf, platillos volantes y figuras recortadas dotan al vídeo de una estética low-fi, desenfadada y entrañable.

8- Javi Álvarez, Panayonqui 76. DÚO COBRA. 2010. 6’29”
Panayonqui 76 es un homenaje inabarcable a la música popular, al soul, al rock, al pop y al punk. Un centenar de apariciones estelares de actuaciones de músicos −que van de los ? and the Mysterians a la banda X−, quedan englobados en un montaje espectacular de capturas videográficas extraídas de internet. Unas animaciones digitalmente iluminadas conectan las corrientes electromagnéticas de toda esta energía espectral.

9- Luis Cerveró, De la monarquia a la criptocracia. TRIÁNGULO DE AMOR BIZARRO. 2010. 4’11”
Remitiendo a una iconografía pretérita: el cine de terror setentero de serie B, Invocation of My Demon Brother de Kenneth Anger o la Magia Negra de Aleister Crowley; Luis Cerveró realiza un videoclip sobrecogedor de montaje trepidante, constantemente parpadeante. Y es que el flicker es, junto a la superposición de planos con dibujos geométricos, alguno de los elementos recurrentes usados para alternar las imágenes del grupo con escenas narrativas, oscuramente atrayentes.

10- Lope Serrano, L.A. MUJERES.  2010. 3’02”
A partir del melodrama Little Women (1949), el realizador Lope Serrano elabora un vídeo musical caleidoscópico que documenta brillantemente una interpretación del grupo, en el local de ensayo. Calcando siluetas de algunos de los fragmentos más dinámicos de la película de Mervyn LeRoy, Norma Bisbal y Aina Rosell animan una serie de rotoscopias, perfectamente acopladas a texturas visuales. Confetis, purpurinas y pompas de jabón acompañan unos fuegos artificiales, filmados por el inigualable David Domingo.

11- Marc Gómez del Moral, Solamente un fuego. NUEVA VULCANO. 2010. 7’59”
Primavera Sound 2010. Horario de tarde. Artur de Nueva Vulcano a punto de salir al escenario. Marc Gómez del Moral le acompaña. Se mete hasta la cocina. Empieza la música y la furia se desata. El post-hardcore de la banda de BCore queda documentado desde la máxima cercanía. Se palpa la intensidad y la comunión con el público, mientras la cámara se deja llevar intuitivamente. Es un directoalavena que sigue la estela de los documentales musicales del cine directo.   

12- Nicolás Méndez, Bombay. EL GUINCHO. 2010. 5’41”
Pablo Díaz-Reixa nos presenta el cosmos como si fuera el presentador Carl Sagan, para dar paso a un apabullante ejercicio de puesta en escena, de cuerpos celestes y erótica voyeur. Numerosas localizaciones, decoradas con infinito atrezzo, y decenas de personajes en situaciones extravagantes, quedan amalgamados en un videoclip picante con coartada esteticista. Es un tour de force lúdicamente configurado. Son juegos reunidos post-adolescentes.

13- NYSU Films, Pollo podrío. GUADALUPE PLATA. 2010. 3’26”
Tres hombres enterrados con el rostro magullado, pueden respirar pero son incapaces de moverse. Una mujer los somete a torturas y los rocía con gasolina para, finalmente, prenderles fuego. Ellos, Guadalupe Plata, continúan tocando rock de raíces, intenso y acelerado.  Realizado por Jesús Hernández en riguroso blanco y negro, Pollo podrío podría ser una escena de los hermanos Coen o del primer Tarantino. Su tono, grotescamente violento, demuestra solvencia en la grabación y eficacia en la edición.

14- Orencio Boix, Sal. KIEV CUANDO NIEVA. 2009. 5’43”
Los alrededores de Panzano (Huesca) son los escenarios donde suceden las acciones de este videoclip narrativo, rodado como un cortometraje minuciosamente planificado. La celebración de un Congreso de Ornitología es la excusa para festejar la música de Kiev Cuando Nieva, en la plaza Mayor del pueblo. Una torcedura de tobillo y la presencia de un pájaro gigante rompen la calma aparente, añadiendo extrañeza a un vídeo bellamente surrealista.

15- Pau Dalmases, I don't wanna leave. CHIQUITA Y CHATARRA. 2010. 3’14”
Este catálogo de explosiones, pasos de bailes y accidentes de automovilismo extraídos de servidores web como Archive.org, se acoplan perfectamente a la música frenética de Chiquita y Chatarra. El vídeo es un found footage de imágenes de los años cincuenta, fragmentos de ephemeral films acompañados de textos digitales que puntúan el montaje, dando al conjunto un tono humorístico, festivo y bailable.

16- Samuel Zapatero, She is my man. BIGOTT. 2009. 2’26”
En un escenario campestre, frondoso y pantanoso, Samuel Zapatero soluciona un vídeo sugerente, aparentemente sencillo. Bigott recita al aire libre uno de los temas de su álbum Fin, mientras diferentes personajes quedan reencuadrados inquietantemente, mediante zooms y panorámicas veloces. Su forma recuerda tanto al vídeo Imitation of life de Garth Jennings para R.E.M., como al clásico experimental Tom, Tom the Piper’s Son de Ken Jacobs.

16 vídeos (72’30’’ aprox.)

Panayonqui 76 (2010) Javi Álvarez

Drama en España (2009) GG Quintanilla

Dreams (2010) Enrique Piñuel

Beef vs venuspluton!com

El jueves día 10 de marzo a las 20h venuspluton!com participará en el concierto que los Beef ofrecerán en La Pedrera, dentro del Festival DeProp de música y videocreación. En este directo audiovisual se proyectarán videoclips documentales grabados en su local de ensayo, videoclips oficiales realizados por Marc Lozano y vídeos de apropiación fílmica como los C'Mon Rajoy, Sweet Bavarian o 6 Ft, ya presentes en el canal fotogramarojo de la web VP!.

6 Ft (2011) Albert Alcoz

Desbordamiento esencial. Val del Omar en DVD

Publicado en venuspluton!com

Val del Omar. Elemental de España

El cineasta granadino José Val del Omar es la figura clave del cine de vanguardia en España. Sus inspiradoras películas, sus innumerables invenciones tecnológicas y sus escritos lo convierten en el artista más relevante de la experimentación cinematográfica en el territorio español. Desarrollando estrategias técnicas expansivas, visualizando resoluciones estéticas innovadoras y experimentando percepciones sonoras envolventes, José Val del Omar anticipó muchas de las concepciones formales elaboradas por realizadores de tendencias fílmicas artísticas posteriores. Se adelantó en el tiempo para desenvolverse como un creador visionario de inclinaciones místicas, cuyo sentir transcendental perseguía la verdad, su verdad. Aquélla que le empujó a expresar, comunicar y hacer sentir al espectador su fascinación por la luz, el movimiento y el paso del tiempo. A pesar de su abrumadora obra fílmica, durante muchos años sus películas han quedado sumergidas en un total desconocimiento. La dificultad por hallar recursos económicos con los que financiar sus investigaciones, así como la ausencia de estructuras sólidas de distribución y exhibición para poder proyectar sus películas, impidieron el reconocimiento nacional e internacional de un cine inquietantemente singular. Durante sus últimos años de vida José Val del Omar continuó desarrollando una labor artística insólita, al margen de las instituciones. La suya fue una vida dedicada plenamente al medio cinematográfico. En palabras de Fernando Vizcaíno Casas Val del Omar fue “imaginativo, fantástico e incomprendido como todos los inventores” (1). Según Román Gubern “(…) Val del Omar se erigió en cambio en un cineasta robinsónico, periférico o outsider, con una obra conservada escasa, pero de alta tensión (…)” (2). Para Eugeni Bonet se trata de “la gran figura largo tiempo ignorada de la vanguardia histórica española y un experimentador muy completo (…) su aportación sigue mayormente sumida en una incógnita que ya va siendo hora de empezar a despejar” (3).

Recientemente la invisibilidad de su legado artístico ha quedado finalmente resarcida gracias a una serie de iniciativas, por fin fructificadas. Desde inicios del nuevo milenio han sido varias las actuaciones llevadas a cabo para mostrar al gran público la atracción de su cine. Pero ha tenido que ser en 2010 cuando, definitivamente, han confluido todas las inquietudes por presentarlo y exponerlo en óptimas condiciones. Si Desbordamiento de Val del Omar ha sido el título escogido para exponer sus filmes, su obra plástica y sus innovaciones tecnológicas en las salas del Centro José Guerrero de Granada, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid y, próximamente, La Virreina Centre de la Imatge de Barcelona; Val del Omar. Elemental de España ha sido el enunciado escogido para englobar sus piezas fílmicas en formato DVD. La compañía independiente Cameo ha sido la encargada de publicar un lujoso pack, −minuciosamente editado y diseñado−, que incluye el grueso de su obra. Los cinco DVDs que configuran esta compilación cuentan con el Tríptico Elemental de España como núcleo esencial alrededor del cual levitan las demás piezas. Filmaciones de las Misiones Pedagógicas realizadas durante la República o apuntes fílmicos inacabados del propio Val del Omar dialogan con documentales heterodoxos, vídeos de creación y largometrajes en celuloide realizados posteriormente, por autores de diferentes generaciones. La suma de todos ellos alcanza los 477 minutos indicados en la contraportada de la caja. Un librito de 44 páginas, en el que aparece una breve introducción de Gonzalo Sáenz de Buruaga, sirve como guía a un contenido audiovisual de valor incalculable.

Granada universal

El primer DVD se centra en sus filmaciones iniciales. Diversos registros documentales realizados durante las Misiones Pedagógicas quedan recogidos en los 13 minutos editados bajo el título de Estampas 1932. De esos primeros años también se incluye Vibración de Granada (1935), su primer experimento fílmico de esencia poética, cuya cadencia lírica registra los espacios de Granada y los ornamentos de la Alhambra. Este filme de 20 minutos anticipa un modo de filmar que Val del Omar perfeccionará con Aguaespejo Granadino (1953-1955). Los créditos iniciales del filme lo presentan con estas palabras: “Un corto ensayo audiovisual de plástica lírica”. Del primer capítulo del Tríptico Elemental de España (también llamada La gran Siguiriya) el escritor especialista en cine de vanguardia internacional Amos Vogel dijo: “un explosivo y cruel trabajo de la más profunda pasión, un llanto silencioso, esta es una evocación mística de las pesadillas de España”. (4) En 1974 el programador de Cinema 16 se expresaba en estas palabras para indicar la sobrecogedora impresión que le causaron unas imágenes fascinantes de fluidos acuáticos, filtros verdosos y paisajes de efectos parpadeantes, acompañadas de sonidos de campo cautivantes, ritmos de cajones flamencos incesantes, palmas y voces en off épicas. Esta opinión era prácticamente la única apreciación internacional de un filme donde la mirada de Val del Omar se dejaba llevar por la intuición, para revelar una Granada fascinante, profundamente estremecedora: “El que más da, más tiene (Matemáticas de Dios)”. Película Familiar (1935-1938) es una de las sorpresas que incluye el pack. Esta filmación en 16 mm de 8 minutos de duración recoge las impresiones de su cotidianidad más doméstica. Su mujer y sus dos hijas son las protagonistas de una filmación casera, una película amateur en la que el propio Val del Omar aparece besando tiernamente a su pareja María Luisa Santos. Del primer DVD solo cabe lamentar la baja calidad de algunos telecines, especialmente por lo que respecta a los desplazamientos del cuadro de la imagen, algo que resulta negativamente sorprendente, teniendo en cuenta la rigurosidad de la edición.

Película Familiar (1935-1938)

Castilla vivaz

Fuego en Castilla (Tactilvisión del páramo del espanto) (1958-1960) es la segunda parte del Tríptico Elemental de España. Está rodada en el Museo Nacional de Escultura de Valladolid y en la Capilla de Álvaro de Benavente de Medina de Rioseco. Un ecléctico montaje musical, que incluye fragmentos de jazz, ritmos flamencos de Vicente Escudero y pasajes de Igor Stravinski, conforman la banda sonora de un abrasador conjunto de planos. Aquí Val del Omar sintetiza su sistema de iluminación Táctil Visión, patentado en 1955. Planos fugaces desde decenas de puntos de vista diferentes, cambios repentinos de iluminación, filtros de colores con formas abstractas vibrantes, permiten al cineasta abordar cinemáticamente las esculturas de madera. Son figuras religiosas animadas dramáticamente, hasta arder. La luminosidad parpadeante de su fotografía, y la brillantez con la que la asoció a la mística, fueron algunas de las razones por las que estos 17 minutos filmados en 35 mm, se premiaron en el Festival de Cannes de 1961. Fiestas Cristianas / Fiestas Profanas (1934-35) es un montaje inédito, presente en el segundo DVD. Son filmaciones documentales posproducidas en 2004, gracias a la Dirección General de Cultura de la Región de Murcia. Y es que Murcia es, junto a Cartagena, una de las principales ciudades de las cuales se documenta sus fiestas religiosas y sus celebraciones populares de carácter laico.

Fuego en Castilla (Tactilvisión del páramo del espanto) (1958-1960)

Galicia terrenal

Acariño Galaico (De Barro) (1961, 1981-82, 1995) forma parte del tercer DVD. Aquí también se incluye el Tríptico Elemental de España en toda su plenitud; ordenado inversamente, tal y como deseaba su autor. La última parte del tríptico es la más controvertida y confusa de las tres. Val del Omar inició el filme en 1961, lo reemprendió a principios de los años ochenta, pero los dejó inacabado a causa de su defunción en 1982, a raíz de un accidente de automóvil. Javier Codesal investigó los entresijos del filme para completarlo con nuevas imágenes: principalmente distorsiones ópticas del rostro enfangado del actor Arturo Baltar, en el papel de escultor. Las diferencias formales entre las filmaciones antiguas y las del videoartista maño lastiman el conjunto e impiden su unidad, provocando cierto devaneo, tanto a nivel estético como conceptual. Si la fuerza visual caracteriza los filmes de Granada y Castilla, el episodio gallego queda condicionado por una retórica vaciada de contenido. La arena, la tierra, el barro son los elementos que el escultor moldea para hallar una figuración de escasa revelación, vinculada a los relieves escultóricos de la fachada de la catedral de Santiago de Compostela. Ante los 23 minutos de la película cabe preguntarse: ¿Val del Omar se hubiera decantado por esa interpretación dramática? ¿Hubiera buscado esa concatenación de acciones de pobreza narrativa? ¿O hubiera perfeccionado, sutilmente, su poética visual hasta dar con la obra culmen del tríptico? Preguntas sin respuesta de un filme cuya autoría cabe poner en duda, especialmente ante la escasa claridad de los créditos finales.

Acariño Galaico (De Barro) (1961, 1981-82, 1995)

Val del Omar sin fin

En el cuarto y el quinto DVD se añaden aquellas películas firmadas por otros autores que, o recuperan materiales filmados por el propio Val del Omar para crear nuevos montajes dialécticos, asociativos o divulgativos; o bien deciden filmar nuevas imágenes para describir aspectos concretos de su vida cinematográfica. Val del Omar Sur-Norte (1974) de Mario Sáenz de Buruaga es una breve película de 7 minutos, sin sonido y en formato super 8, que recoge los viajes de la familia de Val del Omar por enclaves como Granada y Lacorzana (Álava). Es cine amateur filmado cámara en mano. Son paseos por la Alhambra, por las calles comerciales y las terrazas veraniegas. A su vez permite observar a Val del Omar en plena creación. Ojalá Val del Omar (1994) de Cristina Esteban es una película heterogénea que presenta, a lo largo de una hora, la vida del cineasta, desde la fascinación infantil por la linterna mágica, hasta sus reflexiones en voz alta, grabadas en cintas de audio, hacia sus últimos años. Se sitúa en un espacio atrayente entre el biopic difuso, la reconstrucción archivística y el documental ensayístico. Vértice Vórtice (2002) de Antonella La Sala es una pieza experimental hecha de fotogramas individuales que aceleran la percepción de los espacios, los trayectos, la emisión televisiva y demás filmaciones acumulativas. Muestra capturas frame a frame, diapositivas animadas, abstracciones parpadeantes y cambios cromáticos, acompañados de un montaje musical tan concreto como rítmico. Laboratorio Val del Omar (2009-2010) es el resultado videográfico de la investigación llevada a cabo por Javier Viver para una tesis doctoral, defendida en la Universidad Complutense de Madrid. Este “gran depósito audiovisual” perteneciente al Archivo Familiar de Val del Omar se abastece de filmaciones, fotografías, manuscritos, grabaciones de audio y demás material gráfico perfectamente identificado. La estrategia de anotar todos y cada uno de los materiales de archivo usados en el montaje, permiten identificar el contexto de lo ilustrado. Una voz en off divulgativa acaba elaborando un documento pedagógico preciso, rigurosamente planteado. Val del Omar fuera de sus casillas (2010) de Velasco Broca es una filmación en 16 mm del Laboratorio PLAT (Picto-Lumínica-Audio-Táctil) guiada por la voz de Val del Omar. En su segunda parte recrea el beso de Película Familiar con decenas de parejas diferentes, sin que el resultado final acabe de despegar.

Tira tu reloj al agua (2003-2004) de Eugeni Bonet es la película definitiva sobre el cine de José Val del Omar. Se presenta en el quinto y último DVD del volumen. Tal y como reza la voz en off de José María Blanco: “Estas Variaciones sobre una cinegrafía intuida se han elaborado a partir de imágenes que Val del Omar rodó, creó y reelaboró desde 1968 a 1982; así como de las técnicas que alumbró o vislumbró, y de anotaciones que desperdigó manuscritamente”. Recuperando las filmaciones del cineasta granadino, Eugeni Bonet crea un filme caleidoscópico que visualiza el ensayo, el diario fílmico, el documental y la estética vanguardista expansivamente. Explicaciones biográficas, recitados poéticos e improvisaciones experimentales del conjunto musical FMOL Trio son la banda sonora de un conjunto imparable de planos remontados, yuxtapuestos y refilmados. Incluyendo la mayoría de experimentos elaborados en el Laboratorio PLAT −las diapositivas cromáticas, los rayos láser añadidos y las iluminaciones superpuestas−, Tira tu reloj al agua acaba constituyendo un fresco deslumbrante que por su calidad supera en intensidad, pero no en relevancia, al Tríptico Elemental de España. Y es que las filmaciones inconclusas de Val del Omar intuyen esbozos de un cine innovador, definitivamente arrebatador.

Resulta esperanzador observar la coherencia con la que se ha planteado la recuperación del cine de Val del Omar. Su Tríptico Elemental ya se había editado anteriormente en formato VHS, pero es gracias al soporte digital que se ha podido restaurar la obra fílmica original con mayores credenciales. Se ha incluido material inédito, se ha considerado el sistema diafónico −no se ha podido plantear su desbordamiento apanorámico de la imagen−, se han agregado galerías fotográficas −con sus collages, sus fotomontajes plat y sus particulares diapositivas llamadas diakinas−. Todo ello permite comprender, finalmente, la magnitud de su aportación cinematográfica.

Experiencias PLAT

Notas:

(1) VV.AA. Diccionario del cine español 1896-1968. Editora Nacional, Madrid, 1970.
(2) Bonet, Eugeni, “Entre el cine Ex-perimental y el cine Ex-cepcional” en Romaguera, Joaquím, Aldazabal, Peio y Aldazabal, Milagros (eds.) Las vanguardias artísticas en la historia del cine español (Actas del III Congreso de la Asociación Española de Historiadores del Cine). San Sebastián, Euskadiko Filmategia-Filmoteca Vasca, 1991. p. 119.
(3) Gubern, Román. Val del Omar, cinemista. Los libros de la estrella. Diputación de Granada, 2004. p. 7.
(4) Vogel, Amos, Film as a Subversive Art. C.T. Editions. United Kigdom. 2005. (1º edición Random House, New York. 1974). p. 64.

El videoclip en España (1980-1995)

Publicado en venuspluton!com

El videoclip en España (1980-1995). Gesto audiovisual, discurso y mercado de Eduardo Viñuela Suárez. Ediciones del ICCMU. Madrid, 2009.

El estudio de un género audiovisual como el del videoclip es una tarea imprescindible para tratar de entender la evolución que ha experimentado la imagen en movimiento a lo largo de estas tres últimas décadas. Desde su consolidación como producto televisivo comercial, en los años ochenta, hasta su omnipresencia actual, los vídeos musicales no han parado de proliferar, aumentando su grado de actuación más allá de su efecto promocional inicial.

La amplia consideración crítica de ciertos realizadores, la existencia de festivales, la publicación de ediciones en DVD o las innumerables mutaciones amateurs en otros subgéneros que circulan por internet, son sólo algunos ejemplos del amplio espectro ocupado en la actualidad por los vídeos musicales. En plena era digital la presentación de imágenes junto a canciones populares se ha revelado como una práctica dominante, cuya ubicuidad viene favorecida por sus características tecnológicas. Hoy en día los videoclips ya no se visionan en el monitor de televisión sino que se hallan en los buscadores de la red, en la pantalla del ordenador; un artilugio que a su vez se ha convertido en el centro de operaciones para la postproducción, tanto de vídeos oficiales como de vídeos oficiosos.

Sin atender a estas cuestiones más recientes, que atañen a la era de la pantalla global -del todo relevantes para el devenir del videoclip actual-, Eduardo Viñuela Suárez, Doctor en Historia y Ciencias de la Música por la Universidad de Oviedo, ha escrito el primer estudio riguroso sobre el fenómeno del videoclip en España. Lo ha hecho centrándose en un periodo histórico concreto que va de 1980 a 1995; es decir de la implantación definitiva de la democracia y las industrias culturales en el país, a la consolidación del mercado discográfico, junto a la significativa aparición de las cadenas televisivas privadas. En términos específicamente musicales este intervalo de tiempo abarca desde el auge de la Movida madrileña hasta los primeros pasos de la escena de la música independiente.

Los anteriores esfuerzos por delimitar y ensalzar el valor de los vídeos musicales realizados en la península ibérica no eran estudios escritos. Una amplia selección por parte de Jesús Ordovás titulada Videoclips en España 1980-2006 (de Kaka de Luxe a Los Planetas) -para la Sala de Exposiciones Puertas de Castilla de Murcia- y una minuciosa edición en DVD coordinada por Luis Cerveró titulada Eclectia. Un panorama del videoclip nacional contemporáneo eran dos de los precedentes que situaban sobre el mapa el fenómeno del vídeo musical en este país. Si el primero se decantaba por una representación exhaustiva de todos los videoclips de los grupos musicales nacionales más destacados de los últimos años, el segundo se centraba en una mirada rigurosa hacia algunos los realizadores más relevantes de los últimos años, acompañados por unas entrevistas más que sugerentes. Los dos dejaban de lado el apartado crítico para ofrecerse como elogios al videoclip patrio, incluido el más actual.

La tesis doctoral escrita por Eduardo Viñuela -dirigida por Celsa Alonso, profesora de la Universidad de Oviedo- estudia los pormenores de este género audiovisual atendiendo las particularidades geográficas y temporales previamente acotadas. Lo hace desde el campo de la musicología, para abordar coherentemente los significados subyacentes en las prácticas videográficas musicales. Si la crítica cinematográfica casi siempre ha sido reacia a analizar a fondo los entresijos de este formato completamente híbrido, resulta satisfactorio observar como desde la Universidad se promueven iniciativas como las de esta publicación. Conjugando registros visuales con temas musicales populares, el videoclip ha conseguido situar sus constantes entre el interés mercantil del anuncio publicitario, la representación de la realidad del cine documental, la voluntad narrativa del cine de ficción y la inquietud formal del cine y el vídeo experimental. Más allá de su inevitable función comercial -dar a conocer al público televisivo un nuevo tema musical de un cantante o grupo concreto, con la finalidad de aumentar el volumen de copias del disco o la venta de entradas de conciertos-, el videoclip ha sabido metamorfosearse hasta revelarse como uno de los productos audiovisuales más característicos de la postmodernidad, en el que todo cabe y todo vale. Su valor actual reside tanto en la originalidad del carácter estético-conceptual de su realización (sus logros artísticos), como en la cantidad de visionados en canales como YouTube (su éxito masivo).

El equilibrio entre la libertad narrativa y estilística del videoclip (ausencia de relación causa-efecto, amplio espectro de posibilidades formales, etc.) junto con las limitaciones intrínsecas de su formato (duración determinada del tema musical, documentación de la interpretación musical –ya sea en directo o en playback auspiciado por el inevitable lip-synch-, emisión televisiva en monocanal, etc.), hacen que sea idóneo para explorar nuevas asociaciones entre imágenes y sonidos. Sus restricciones iniciales, permiten sus potencialidades finales. Éstas cuestiones pertenecientes al estudio del género y la búsqueda de sus elementos específicos vienen representadas en el primer capítulo del libro. Este apartado intenta dar con una definición concreta que sitúe debidamente el porqué de la singularidad de este formato. Cuando se centra en los orígenes del videoclip Eduardo Viñuela deja excesivamente de lado toda la tradición del cine de vanguardia, centrado muy a menudo en la combinación entre imágenes y temas musicales -como demuestran las piezas fílmicas de cineastas de animación como Norman McLaren o Oskar Fischinger-. Sin embargo introduce adecuadamente el papel de los programas musicales televisivos ingleses de la era de la música Beat, en el germen del vídeo musical de los años sesenta.

Es en este primer punto en el que cabe mencionar el amplio abanico de referencias bibliográficas que maneja el autor. Su investigación previa le permite introducir una serie ilimitada de citas que deviene un aliciente más para introducirse en el seno de unas argumentaciones del todo contrastadas. Las reflexiones de Simon Frith y Michel Chion son algunas de las que se manejan en este capítulo inicial. La revisión de las diferentes metodologías aplicadas hasta ahora en el análisis del videoclip a nivel internacional es la materia expuesta en el segundo capítulo. Aquí la condición postmoderna del videoclip, el vínculo con la semiología y el estructuralismo, sus componentes sociológicos, las identidades musicales, los estudios culturales y la relación con los medios de comunicación, son lo puntos que detallan una visión cronológica de los métodos a partir de los cuales se ha diseccionado el género.

Con el tercer capítulo se toma en consideración el caso del videoclip español de los años ochenta hasta 1995. Se sitúan así las condiciones particulares del país, atendiendo a su pasado traumático, sus símbolos nacionalistas y su afán de modernización. Es aquí cuando se revisa el papel del cine y la televisión de décadas anteriores. Los capítulos cuarto y quinto son los que se leen con mayor interés. Aquí analiza estructural y formalmente el videoclip a nivel de gesto, significado y lenguaje audiovisual, con la finalidad de asentar las bases con las que estudiar casos particulares del todo sorprendentes como Bring a little lovin' (1968) de Los Bravos o Es mi hombre (1971) de Maruja Garrido con Salvador Dalí. Es en estos dos capítulos cuando se toman en consideración los nombres de los realizadores Valerio Lazarov e Iván Zulueta; autores decisivos a la hora de aunar, virtuosamente, música e imagen mediante coreografías o investigaciones plásticas similares a las desarrolladas en las cinematografías anglosajonas. La relación de los vídeos musicales con el vídeo de creación de los años ochenta de artistas como Antón Reixa o Xavier Villaverde queda puesto de manifiesto con las explicaciones acerca de vídeos como Galicia caníbal (1986) de Os Resentidos, Entre salitre y sudor (1988) de Duncan Dhu o Voy a pasármelo bien (1989) de Hombres G.

Finalmente el sexto capítulo se centra en el género rock de principios de los años noventa para examinar las características de los siguientes videoclips: Hombres (1991) de Loquillo y Los Trogloditas, En blanco y negro (1991) de Barricada y Entre dos tierras (1990) de Héroes del Silencio. Sin duda, éste es el capítulo más denso del libro, ya que detalla un cúmulo de observaciones mediante especificaciones que atañen a la música y al sonido simultáneamente, como un {découpage} descriptivo excesivamente hermético. Y es que estamos hablando de una tesis doctoral de sesudo rigor académico que se caracteriza por un discurso complejo, que, escapando de ligerezas, se acerca desde un punto de vista interdisciplinar perfectamente válido, a un territorio tan controvertido y fascinante como el de los vídeos musicales.

En las imágenes: Bring a little lovin' (1968) de Los Brincos. Realizado por Francisco Macián con la técnica de animación M-Tecnofantasy.

Literal Music Videos

Publicado en venuspluton!com

Take On Me, A-Ha

La revolución digital del medio audiovisual ha desencadenado la aparición de tendencias más o menos amateurs que, gracias a las posibilidades de difusión de internet, han alcanzado cotas de popularidad inverosímiles. La proliferación de literal music videos es uno de estos fenómenos inmediatos que de vez en cuando circulan por Youtube. Estos vídeos musicales de imágenes apropiadas describen con ironía y sentido del humor las características formales del videoclip, modificando la letra de la canción, sin alterar las cualidades melódicas del tema musical. El resultado es hilarante.

Con apenas un año y medio de vida se ha convertido en un fenómeno internacional que desde sus inicios ha tenido una acogida inusual. El joven realizador norteamericano Dustin McLean (aka Dustball y Dusto McNeato) es el artífice de este subgénero. En octubre de 2008 decidió utilizar el clásico videoclip Take on me de A-ha para desvelar la absurdidad de la narración, más allá de sus eficaces animaciones –a modo de viñetas de cómics dibujadas a mano–. Head over heels de Tears For Fears y Under the bridge de Red Hot Chili Peppers son otros de los vídeos que se pueden visionar en su web DustFilms. Resulta relevante observar cómo la voz del propio McLean se asemeja a las originales, mientras critica sutilmente la resolución del vídeo, como si se tratara de un karaoke analítico. En marzo de 2010 Dustin McLean colgó su última producción hasta la fecha: el China Girl de David Bowie.

Los problemas legales referentes a los derechos de autor, controlados por las grandes multinacionales de la industria musical, es una de las trabas que tienen que sortear unos creadores que, a menudo, encuentran el beneplácito del músico homenajeado/parodiado. Es el caso de Beck, a raíz del mítico tema Loser –parece ser que a los pocos días de la publicación del LMV decidió incluirlo en su web–.

David A. Scott se ha convertido en uno de los realizadores más aventajados de los literal music videos, especialmente gracias al tratamiento del texto y las voces del Total Eclipse of the Heart de Bonnie Tyler, uno de los más relevantes del movimiento.

Estamos ante una práctica que recoge influencias del found footage, el VJing y los mash-ups, para celebrar una cultura audiovisual que pone en duda sus referentes musicales, indicando, cómicamente, el sinsentido de ciertos recursos formales de vídeos musicales. Medios escritos como The Wall Street Journal se han interesado por los entresijos de un género que amplia su espectro a medida que pasan los días. Eso sí, con mayor o menor fortuna. Entre los más desastrosos: la nueva versión del Smells like teen spirit de Nirvana.

Under the bridge, Red Hot Chili Peppers

 Loser, Beck

venuspluton!com en el San Miguel Primavera Club 2009

(clicar las imágenes para ampliar)
Listado de los vídeos musicales seleccionados:

1. Matrioska Heart (Hey River) de Saioa, por Victor Iriarte.
2. Temps o rellotge de Sanjosex, por Raúl Cuevas.
3. It Will Be Ok de Cuchillo, por Lluís Segura.
4. Scooby Dude de Les Aus, por Marçal Forés.
5. Tontín de Internet2, por Victor Iriarte.
6. La playa de Los Planetas, por Alejandro Lázaro.
7. Mercy de Tihuya Cats, por Joan Carles Martorell.
8. Dos policías de Los Punsetes, por Raquel Meyers.
9. La canción de Buridán de Hans Laguna y La Sintaxis, por Albert Alcoz.
10. Sal de Kiev Cuando Nieva, por Orencio Boix.
11. Mientras tú duermes tranquilo de Espaldamaceta, por Raúl Cuevas.
12. Cena recalentada de Goles Bajos, por Luis Morales.
13. La estatua de la libertad de Manos de Topo, por Lluís Segura y Marc Anglès.
14. She Is My Man de Bigott, por Samuel Zapatero.
15. La defensa de AA Tigre, por Ramón Ayala.
16. Siento que muero de Joe Crepúsculo, por Luis Cerveró.
17. Lo natural de Los Punsetes, por Victor Iriarte.
18. La gent normal de Manel, por Mar Bassols Morey.
19. Planta carnívora de Za!, por Albert Alcoz.
20. Embrujada de Tino Casal, por José Luis Lozano.
21. Soportales de La Chinata de Triple A, por Lope Serrano.
22. Palmitos Park de El Guincho, por Gerson Aguerri.
23. Un hotel en el desierto de Lidia Damunt, por Luis Cerveró.
24. Hay un hombre en España de Astrud, por Marc Gómez del Moral.
25. Haciendo la colada de pimko-z, por Gonzalo de Pedro.
26. Paraules d’amor de Joan Manuel Serrat, por Antoni Ribas.
27. Actos inexplicables de Nacho Vegas, por Albert Alcoz.
28. Sufre mamón de Hombres G, por Manuel Summers.
29. Horoscope de Aroah, por Marc Anglès.
30. Porque te vas de Jeannette, por Carlos Saura.

No es el qué, es el cómo

Centro Museo Vasco de Arte Contemporáneo ARTIUM de Vitoria-Gasteiz. Del 19 al 27 de octubre.
Comisariado por Garbiñe Ortega.



Este ciclo presenta unos trabajos cuya característica común es la investigación de los distintos formatos cinematográficos y videográficos como medio de expresión. Invitados de reconocido prestigio y trayectoria, acudirán a cada sesión conducida también por Garbiñe Ortega.

Primera sesión: EXPERIMENTA EN SUPER 8. Muestra de trabajos recientes en formato Súper 8 de Víctor Iriarte, Albert Alcoz, Miguel Aparicio y David Domingo entre otros.
Presenta el cineasta Víctor Iriarte
Lunes 19 de octubre.

Segunda sesión: Venuspluton!com. MÚSICA PARA VER, IMÁGENES PARA OIR. Venuspluton!com es una web dedicada al video musical producido en España y a todos los formatos y géneros que audiovisuales en los que la música es protagonista. Presentan el director del proyecto Marc Prades y el realizador Luís Cerveró
Martes 20 de octubre.

Tercera sesión: Política e imágenes bastardas. “Iraqi Short Films”. Mauro Andrizzi. Argentina. 2008. 98 min
Trabajando con imágenes robadas del conflicto de Irak, filmadas por soldados de todos los frentes, Andrizzi construye un collage visual en una de las primeras grandes películas de la era Youtube que ya estado presente en festivales y en centros como el Pompidou o el MOMA de N.Y. Presenta el cineasta, programador, y crítico de cine Gonzalo de Pedro
Lunes 26 de octubre.

Cuarta sesión: Closed Circuit Cinema. Trabajos audiovisuales que utilizan material grabado con cámaras de seguridad y que han dado lugar a debates sobre la vigilancia y la privacidad.
Presenta Natxo Rodríguez Arkaute.
Martes 27 de octubre.

Descargar pdf

Auditorio. 19:30 h
Precio por sesión: 2 € (gratuito para miembros asociados y estudiantes acreditados)
Bono para el programa: 6 €
Plazas limitadas. Todas las películas en V.O.S. en castellano

A, ante, bajo, cabe, con, contra, de, desde

LA NOCHE EN BLANCO presenta:
Venusplutón!com: el nuevo videoclip español




Madrid 19 de septiembre
Plaza de Chueca
Pases cada hora entre las 21h y la 1h

"Pese a la agonía de la industria de la música, el videoclip vive uno de sus momentos más dulces y creativos gracias a Internet y sus usuarios, reconvertidos en una figura híbrida entre creadores, programadores y espectadores. Bajo formas diversas, mestizas, nostálgicas y algunas subversivas, un grupo de realizadores, músicos y críticos ha puesto en marcha venuspluton!com. Un portal de vídeos musicales producidos al margen de la industria, que busca reinventar un género que parecía sometido a los dictados de la televisión, y dar a conocer a toda una renovada escena musical que no aparece en los medios".

Programación:
·Víctor Iriarte con "Hey River" para Saioa
·Luis Segura y Marc Anglès con "La estatua de la libertad" para Manos de Topo
·Albert Alcoz con "Planta carnívora" para ZA
·Marc Prades con "En Espagne" para The Apalins
·Sergi Portabella con "Temperatura" para Centella
·Luis Cerveró con "Un hotel en el desierto" para Lidia Damunt
·Víctor Iriarte con "Tontín" para Internet2
·Marc Prades con "What is Beauty" para The Apalins
·Marc Lozano con "Amenaza" para Centella
·Lope Serrano con "Soportables de la Chinata" para Triple A
·Albert Alcoz con "La canción de Buridán" para Hans Laguna y La Sintaxis
·Marc Anglès con "El suro de l’amo" para Bedroom
·Joan Carles Martorell con "Extraño corte de pelo" para Tihuya Cats
·Raúl Cuevas con "Mientras tú duermes tranquilo" para Espaldamaceta




En las imágenes: "Amenaza" de Marc lozano,"En Espagne" de Marc prades, "Hey River" de Víctor Iriarte y "Extraño corte de pelo" de Joan Carles Martorell.