24 de agosto de 2010

Zelluloid – Schirn Kunsthalle Frankfurt

La exposición Zelluloid organizada en el SCHIRN de Frankfurt llega a su final. El 29 de agosto es último día para visitar una muestra imprescindible para los interesados en el cine sin cámara. Esta técnica propia de la animación tradicional ha sido utilizada por un buen número de cineastas experimentales con la intención de buscar nuevas estrategias visuales a las imágenes en movimiento. Incidiendo directamente sobre el soporte físico del celuloide de 35mm, 16mm u 8mm los artistas representados en la exposición hallan formas insólitas y desmontan elementos figurativos para desvelar su propia materialidad, aportando ritmos, colores y musicalidad cercanas a la música visual y a la animación abstracta. Este cine matérico es el resultado de procesos artísticos diversos practicados sobre la película: pintura, dibujo, rascaduras, incisiones, disolventes químicos, exposición directa a la luz, etc.

La muestra comisariada por Esther Schlicht cuenta con 21 cineastas que van de los años 30 a la actualidad. La lista de autores representados es la siguiente: Stan Brakhage, Tony Conrad, Cécile Fontaine, Amy Granat, Ian Helliwell, Hy Hirsh, Takahiko Iimura, Emmanuel Lefrant, Len Lye, Norman McLaren, Bärbel Neubauer, Luis Recoder, Jennifer Reeves, Dieter Roth, Pierre Rovère, Schmelzdahin, José Antonio Sistiaga, Harry Smith, Aldo Tambellini, Marcelle Thirache and Jennifer West. Si el diseño expositivo destaca por la oscuridad de las salas, por la inclusión de diversos proyectores en 16mm y por unas mesas de luz que permiten apreciar las secuencias de fotogramas manipulados, también es cierto que el cruce redundante de sonidos entre piezas sonoras y silentes, la falta de intensidad lumínica de las películas proyectadas en vídeo y la ausencia de material gráfico de los procesos creativos empleados disminuyen, ligeramente, la percepción de la muestra. Sin llegar a mermar su indudable valor. 

Descargar catálogo de la exposición Zelluloid



Len Lye
Cécile Fontaine
Cécile Fontaine
Cécile Fontaine
Stan Brakhage
Stan Brakhage
Stan Brakhage

6 de agosto de 2010

Publicidad, terror y ciencia ficción. Un recorrido ameno por el catálogo de Hamaca.

Programa del Mes de HAMACA

Este paseo por el catálogo de Hamaca une la subversión de la publicidad más hedonista con la agitación de la ficción más inquietante. Es un trayecto que relaciona una serie de piezas experimentales que mantienen concordancias formales y aspectos conceptuales similares, bajo parámetros narrativos dispares. La recuperación de formatos cinematográficos, la filmación en celuloide, el blanco y negro contrastado, los sonidos abstractos, la ausencia de diálogos y los ambientes enrarecidos, son algunas de las constantes de unos discursos metafílmicos desasosegados, vinculados a los géneros del terror y la ciencia ficción.



Bio-Dop (1974) Joan Rabascall y Benet Rossell

Joan Rabascall y Benet Rossell recuperan el metraje fílmico de un conjunto de anuncios del fijador de cabello Bio Dop para desmontar sus imágenes y desvelar la ridiculez de un contenido tendencioso. Añadiendo fragmentos fílmicos de diversa procedencia al material original, es como los autores transforman, conscientemente, el mensaje final. Bio-Dop (1974) anticipa, a nivel nacional, la apropiación y el desmontaje -técnica que posteriormente se dará a conocer como found footage-. Lo hace revelando pánico y aversión respecto a los códigos estereotipados de la publicidad.


La Noche (1994) Toni Serra/Abu Ali

Una estrategia parecida es la que utiliza Toni Serra/Abu Ali para distorsionar decenas de clips publicitarios de naturaleza televisiva en La Noche (1994). Introducir estos planos descontextualizados en la continuidad narrativa de un filme de ficción como La noche de los muertos vivientes (1968) de George A. Romero, es la táctica que utiliza el autor para desfigurar el sentido primigenio de unas imágenes descoloridas. El motivo: acercar el estilo convencional de la publicidad a la cadencia espeluznante del cine de terror de serie B.


La Mansión Acelerada (1998) David Domingo

David Domingo recupera la estética más enigmática del género de terror, para experimentar los claroscuros del celuloide en blanco y negro. Filmada en esplendoroso super 8, La Mansión Acelerada (1998) ejemplifica la sensación de horror que uno puede sentir ante el entorno cotidiano, el extrañamiento ante los objetos domésticos, la fascinación por los poderes telequinésicos o los estímulos por la iconografía homoerótica. Manejando brillantemente la técnica del stop-motion y los loops de la refilmación, el cineasta pone en práctica su notoria capacidad para espantar su figurantes animando lo inanimado.


The Mutant (1994) Clemente Calvo

The Mutant (1994) de Clemente Calvo es una película de ciencia ficción distópica, cuyo argumento resulta enigmáticamente incomprensible. Las experimentaciones visuales de esta filmación en 16mm siguen los rasgos de la absurdidad dadaísta y la desfragmentación surrealista. Juguetes infantiles, muñecos y piezas de ajedrez son los elementos que el personaje protagonista dispone a su alrededor, a lo largo de una narración desoladora que describe un ambiente decadente: el extrarradio de una gran metrópolis como Nueva York, en un futuro cercano.


Happy Birthday In Lucy (1995) Txuspo Poyo

Txuspo Poyo realiza con Happy Birthday In Lucy (1995) una pieza minimalista de ciencia ficción, de resolución invertida. El vídeo parece ser la transmisión vía satélite de las grabaciones a cámara de un astronauta solitario que, perdido en el espacio exterior, trata de felicitar el aniversario de una tal Lucy. La baja definición de las imágenes (entre una webcam y una pixelvisión de Fischer-Price) y la atmósfera opresiva que plantean, provoca desconcierto y pavor por la significación de las mismas.


Veneno Puro (1984) Xavier Villaverde

Con Veneno Puro (1984) Xavier Villaverde crea una pieza de ciencia ficción que elabora, minuciosamente, una narración angustiosa de estética cyberpunk. Entre decorados, luces de neón, vestidos, peinados y maquillajes indudablemente ochenteros, se erige un argumento vampírico que pone a prueba las posibilidades de la imagen electrónica. Las saturaciones lumínicas y las experimentaciones cromáticas del formato videográfico resaltan unas acciones inconexas, sucedidas como un juego de espejos, ciertamente asfixiante. La realidad y la ficción quedan distorsionadas a partir del visionado, por parte de la protagonista, del largometraje King Kong (1933) de Merian C. Cooper y Ernest B. Schoedsack. El día y la noche se confunden mediante el surrealismo de una pintura discordante como El imperio de las luces (1954) de René Magritte. El acompañamiento de temas musicales del My life in the bush of ghosts (1981) de Brian Eno y David Byrne provocan una atmósfera alucinatoria con aires de pesadilla. La película puede verse como el Arrebato (1980) del vídeoarte, en la medida en que parece la puesta a punto (errónea) de una videoinstalación en circuito cerrado. Auténtico miedo metafílmico.

26 de julio de 2010

Pagina Perdida – Lucas Moreira y Marcelo Armani


Página perdida (2010)

La realizadora Lucas Moreira y el músico Marcelo Armani unen fuerzas en una película abstracta de 15 minutos titulada Página Perdida. El trailer de este cortometraje experimental brasileño, en fase de postproducción, está hecho de imágenes figurativas hipnóticas, pasadas por filtros cromáticos post-psicodélicos. Como han insistido en que publicite su propuesta fílmica, adjunto las sugerentes imágenes de la web y la información del pdf de la película:

"Surrounded by an intriguing scenario and inhabited by strange characters, "Lost Page” ("Página Perdida") is an abstract film, the result of a powerful visual dimension created by Lucas Moreira added to the experimental electro-acoustic music of Marcelo Armani".



Página perdida (2010)

25 de julio de 2010

Amazon - Recommendations For Today






Portadas de los DVD: It came from Kuchar (2009) de Jennifer M. Kroot, The sins of the fleshpoids (1965) de Mike Kuchar, Jack Smith and the destruction of Atlantis (2006) de Mary Jordan y Andy Warhol. 4 silent movies.

22 de julio de 2010

Partit amistós, sentiments electrònics – Pipilotti Rist



La Fundació Joan Miró de Barcelona y la Fontana d'Or de Girona exponen hasta el 1 de noviembre de 2010 un conjunto de obras de la artista suiza Pipilotti RistPartit amistós - sentiments electrònics es el título de una muestra que recoge algunas de las piezas más representativas de esta artista especializada en instalaciones y videoinstalaciones. La búsqueda de la expansión de los sentidos parece ser la máxima de una videoartista que propone experiencias sensoriales inmersivas, serenamente participativas e indudablemente contemplativas.

Las diez instalaciones presentes en la Fundació Miró elaboran un recorrido unitario que envuelve sensualmente el espectador mediante melodías ambientales, iluminaciones tenues y una decoración placentera -hecha de moquetas y cojines colocados para estirarse y visionar las imágenes pacientemente, dejándose llevar por las sensaciones-. Cierto tono inocente, infantil y naïf recorre toda la exposición (de ahí el sobrenombre Hippylotti Rist). Los dispositivos empleados para diseñar las videoinstalaciones acompañan el significado de unas grabaciones que, por lo general, colocan la vinculación entre la naturaleza y el ser humano en primer plano. El fondo del mar, las hojas de los árboles y las flores de los prados entablan una relación con figuras femeninas que parecen volver a descubrir el mundo fenomenológico.




El oído, el gusto, el tacto, pero sobre todo la vista, son los sentidos que Rist pretende ensanchar con unas imágenes ralentizadas de primerísimos planos, de colores saturados. Sip My Ocean (1996) está formada por imágenes sub-acuáticas, proyectadas en dos grandes pantallas, dispuestas conjuntamente. Una versión anti-folk del Wicked Game de Chris Isaak, interpretada a gritos por la propia Rist, es el elemento sonoro de una obra difusa que enlaza con el atractivo visual de todas las posteriores. A Tyngdkraft, var min vän (2007) es una reflexión sobre la fuerza de gravedad (proyección en el techo, pantalla amorfa) que muestra decenas de hojas de árboles cayendo continuamente. Lungenflügel (2009) es una videoinstalación de tres pantallas que muestra las divagaciones de la actriz Ewelina Guzik en un entorno natural; son acciones extraídas de su primer largometraje Pepperminta (2009).



Las tres videoinstalaciones de la Fontana d'Or eluden el escenario envolvente para presentarse como piezas individuales. Entre ellas cabe mencionar el arrebato violento de la protagonista de Ever Is Over All (1997) -que va destrozando los vidrios de los coches, mientras pasea felizmente por las calles de una ciudad- y la escenografía miniaturista, y fantasiosa, expuesta dentro de una caja de cartón en Deine Raumkapsel (2006) -una pequeña cápsula espacial con una luna incrustada en un lateral-. Una obra que ya pudo apreciarse en la exposición Máquinas de Mirar.


19 de julio de 2010

Festival Toma Única 2010


Cinématon n°1989: Tatiana Kecojevic (1989) Gerad Courant

El festival cinematográfico Toma Única empieza su sexta edición, abriendo la convocatoria para la inscripción de películas en super 8. En la edición de 2010 la filosofía de la muestra continúa siendo la de realizar piezas en super 8 montadas en cámara, con la intención de enviarlas a revelar al mismo festival para que las proyecten en primicia el mismo día de la presentación. Este año la novedad de este festival madrileño reside en la ampliación de una programación que incluye un concurso de Cortometrajes de Creación en Super 8 y 16mm previamente realizados; una retrospectiva de las películas de autores como Joseph Morder, Gerard Courant y David Reznak, y la realización de un largometraje colectivo en Super 8. Entre las actividades paralelas se hallan mesas redondas y talleres sobre la especificidad de este formato cinematográfico analógico. La web y el blog de Toma Única irán informando minuciosamente de toda la programación referente a los títulos de las piezas, los nombres de los conferenciantes y las condiciones del Taller de Iniciación al Super 8 y el Taller de Creación de Cortometrajes en 16mm.


Cuando anochece amanece (1996) David Reznak
L'arbre mort (1988) Joseph Morder

16 de julio de 2010

21st Century Limited Experimental Films 2000-2009

El 25 de julio es el tercer y último día para visionar el conjunto de sesiones que el Walter Reader Theater de New York organiza para mostrar los filmes experimentales más representativos del siglo XXI. Bajo el título “A Decade in the Dark—Avant-Garde Film and Video 2000-2009.”, la revista Film Comment realizó, recientemente, una encuesta a críticos, programadores y profesores especializados -mayoritariamente norteamericanos-, a partir de la cual se configuraron tres listados sobre las películas y los cineastas más destacados de la década. Los títulos seleccionados se han distribuido a lo largo de seis sesiones que forman el conjunto de la programación. Tras la proyección del día 11 -que contó con la presencia de David Gatten y Jean Liotta- y la del 18 de julio, se presenta una última sesión que incluye piezas de Kevin Everson, Travis Wilkerson, Stephanie Barber y Leslie Thornton, entre otros.

PROGRAM ONE:
PICTURES OF QUIET LIGHT
Song and Solitude Nathaniel Dorsky, 2005/6, 21m
The Great Art of Knowing David Gatten, 2004, 37m
Pitcher of Colored Light Robert Beavers, 2007, U.S./Switzerland, 25m



The Great Art of Knowing (2004) David Gatten


PROGRAM TWO:
BREAKING THE WAVES

Observando el cielo Jeanne Liotta, 2007, 19m
At Sea Peter Hutton, 2004-07, U.S./South Korea/Bangladesh, 60m
The God of Day Had Gone Down Upon Him Stan Brakhage, 2000, Canada/U.S., 50m 



Observando el cielo (2007) Jeanne Liotta

PROGRAM THREE:
I'LL KEEP IT WITH MINE
She Puppet Peggy Ahwesh, 2001, 17m
Nest of Tens Miranda July, 2000, 27m
Poetry and Truth Peter Kubelka, 2003, Austria, 13m
Instructions for a Light and Sound Machine Peter Tscherkassky, 2005, Austria, 17m
The General Returns From One Place to Another Michael Robinson, 2006, 11m
Rehearsals for Retirement Phil Solomon, 2007, 10m



The General Returns From One Place... (2006) Michael Robinson




PROGRAM FOUR:
SOME VELVET MORNING
Trees of Syntax, Leaves of Axis Daichi Saito, 2009, Canada, 10m
Easter Morning Bruce Conner, 2008, 10m
False Aging Lewis Klahr, 2008, 14.5m
Black and White Trypps Number Three Ben Russell, 2007, 12m
Light Work I Jennifer Reeves, 2006, 8m
Lumphini 2552 Tomanari Nishikawa, Japan, 2009, 2.5m
Horizontal Boundaries Pat O’Neill, 2008, 23m



Eastern Morning (2008) Bruce Conner


PROGRAM FIVE:
LIBERTY OR DEATH 

Ah Liberty! Ben Rivers, 2008, U.K., 19m
Footnotes to A House of Love Laida Lertxundi, 2007, 13m
The Fourth Watch Janie Geiser, 2000, 10m
An Injury to One Travis Wilkerson, 2002, 53m 



The Fourth Watch (2000) Janie Geiser

PROGRAM SIX:
CONFIDENTIAL

A Letter to Uncle Boonmee Apichatpong Weerasethakul, 2009, Thailand, 18m
Tabula Rasa Vincent Grenier, 1993-2004, Canada, 7m
Dwarfs the Sea Stephanie Barber, 2007, 5m
Let Me Count the Ways 10...9...8...7...6... Leslie Thornton, 2004, 22m
Great Man and Cinema Jim Finn, 2009, 4m
Second and Lee Kevin Everson, 2008, 3m
Something Else Kevin Everson 2007, 3m
It’s Not My Memory of It – Three Related Documents The Speculative Archive, 2003, 25m 




A Letter To Uncle Boonmee (2009) Apichatpong Weerasethakul

4 de julio de 2010

Early Monthly Segments


Trapline (1976) Ellie Epp

Las Early Monthly Segments son unas sesiones cinematográficas organizadas en el Gladstone Art Bar de Toronto por los programadores Scott Berry, Chris Kennedy y Kate MacKay. Bajo el nombre de una de las películas más emblemáticas del cineasta Robert Beavers se presentan una serie de proyecciones fílmicas de vanguardia histórica y de cine experimental contemporáneo. Tras poco más de un año de de existencia han programado 17 sesiones que han contado con algunos títulos de filmografías tan respetadas como las de Joyce Wieland, Joseph Cornell, Hollis Frampton, David Rimmer, Len Lye, Bruce Baillie o Kenneth Anger, entre muchos otros. La presencia de cineastas actuales como Robert Todd y Ellie Epp, invitados a presentar sus películas y debatir sobre sus prácticas fílmicas, es una de las constantes de las últimas proyecciones. El 6 de julio de 2010 será la realizadora Naomi Uman quien presente sus últimas películas, un conjunto de piezas elaboradas recientemente en Ucrania, su tierra natal.


Gathering (2009) Robert Todd
Kalendar (2008) Naomi Uman

2 de julio de 2010

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19 de junio de 2010

TRAYECTOS, DERIVAS.

AMALGAMA - LA FÁBRICA
viernes 25 de junio de 2010 a las 19:00h
(44 minutos)

Pablo Useros - The Human Race (2009). 5’
Elías León Siminiani - El tránsito (2009). 12’
Nicolás Combarro - Vigo (2009). 26’



The Human Race (2009) Pablo Useros
El tránsito (2009) Elías León Siminiani
Vigo (2009) Nicolás Combarro

Salir a la calle, pasear, vagar, contemplar y observar, son acciones que el cineasta recupera de la tradición del reportaje fotográfico callejero para documentar su entorno más inmediato. Desplazarse con la cámara en mano resulta necesario para cartografiar el espacio público y tratar de elaborar conjeturas acerca del comportamiento del ser humano en la ciudad. El artista contemporáneo Hamish Fulton ya intuyó con su lema “No walk, no work” la necesidad de experimentar el trayecto, divagando, documentando y reflexionando el sentido de la propia práctica artística. En el ámbito fílmico estas derivas suscitan tendencias a medio camino de la sinfonía urbana y del cine-ensayo en primera persona.

Madrid, Nueva York y Vigo son los contextos geográficos presenciados en esta última sesión. Son tres planos topográficos que, bajo puntos de vista heterogéneos, plantean cuestiones acerca de los usos de la ciudad. En The Human Race Pablo Useros descompone una serie de planos capturados desde un punto fijo de la Plaza Mayor de Madrid, para estudiar, estructuralmente, las personas registradas en un conjunto de panorámicas. León Siminiani analiza discursivamente las constantes del produccionismo en El tránsito, sirviéndose de una voz en off perspicaz y un montaje formalmente literal. Nicolás Combarro registra un recorrido en plano secuencia por las calles de Vigo, para describir la ciudad gallega como un entorno sinuosamente inquietante.

Programado por Luis E. Parés y Albert Alcoz

13 de junio de 2010

LOS VIAJES, LA TIERRA

AMALGAMA - LA FÁBRICA
viernes 18 de junio de 2010 a las 19:00h
(45 minutos)

Gustavo Schiaffino y Sergio Subero - 7 (2008). 14’
Lluis Escartín - Amanar Tamasheq (2010). 14’
Miguel Ángel Delgado - Chicos del 27 (2008). 17’


 7 (2008) Gustavo Schiaffino y Sergio Subero
Amanar Tamasheq (2010) Lluis Escartín
Chicos del 27 (2008) Miguel Ángel Delgado

Hubo un tiempo en el que no existían las compañías low cost, y viajar era sinónimo de aventura. De ese tiempo quedan resonancias míticas, novelas de Conrad y algunos nombres de ciudades como Samarcanda, Petra o Tombuctú, que nos abren de par en par la historia ante nuestros ojos con tan sólo pronunciarlas. El cine ha sido desde su mismo origen, un arte proclive a narrar viajes, y a dejarse empapar por el mito de la distancia y las ciudades y ahí están los operadores Lumière, recorriendo el mundo para dar fe de él. Por todo ello, el cine ha intentado replantearse de nuevo la poética y la ética del viaje, de una forma ajena al turismo comprometido con cámara en mano.

En esta sesión mostramos tres piezas que tienen a África como escenario y como inspiración, recogiendo lo que África significa de incógnita y descubrimiento. 7, de Gustavo Schiaffino y Sergio Subero, entronca directamente con esta poética del viaje, recuperando y actualizando el discurso de una viejas filmaciones realizadas en África; Amanar Tamasheq, de Lluis Escartín, nos muestra una estancia en una comunidad Tuareg, donde dar testimonio de lo que no se entiende también puede ser una actitud política. Y Chicos del 27, de Miguel Ángel Delgado, bella metáfora sobre el concepto de trabajo, sobre la construcción, sobre el distinto tempo y los otros ritmos.

Programado por Luis E. Parés y Albert Alcoz

8 de junio de 2010

APROPIACIONES, RECICLAJES

AMALGAMA - LA FÁBRICA
viernes 11 de junio de 2010 a las 19:00h
(42 minutos)

Alberto Cabrera Bernal - Cada cuatro fotogramas (2009). 1’
Alberto Cabrera Bernal - 12 tráilers borrados (2010). 11’
Enrique Piñuel - Dreams (2010). 5’
Ninotchka Art Project - Copyright is for losers (2008). 24’
David Domingo - A movie that portrays the wonders of the world as seen trough the eyes of a cat (Disney Attraction Highlights nº1) (2009). 5’



Cada cuatro fotogramas (2009) Alberto Cabrera Bernal
12 tráilers borrados (2010) Alberto Cabrera Bernal
Dreams (2010) Enrique Piñuel
Copyright is for losers (2008) Ninotchka Art Project
A movie that portrays... (2009) David Domingo

El uso de material fílmico o videográfico preexistente es una de las constantes en la era del audiovisual digital. Apropiarse de fragmentos de imágenes y sonidos ajenos se ha convertido en una práctica habitual donde el cineasta selecciona, configura y elabora sin necesidad de filmar o grabar. Se deja de lado la cámara como dispositivo primordial de la realización cinematográfica para convertir la moviola -o el software de edición del ordenador- en el elemento fundamental a partir del cual trabajar imágenes recicladas. Siguiendo la tradición del collage pictórico, el realizador recorta y pega, desmonta material encontrado y halla combinaciones plásticas singulares o discursos semánticos insólitos.

Estructurar el filme mediante una perspectiva sistemática que rija la forma del mismo, es la estrategia que utiliza Alberto Cabrera Bernal en Cada cuatro fotogramas y su reciente 12 tráilers borrados. Son películas manipuladas sobre el mismo celuloide. Es cine sin cámara en formato súper 8 y 16 mm, respectivamente. Enrique Piñuel se sirve del catálogo de archive.org para plantear una narración onírica titulada Dreams, sutilmente acompañada por la música electrónica de Árbol. Copyright is for losers de Ninotchka Art Project es una declaración de intenciones en contra de los derechos de autor, donde la técnica del cut’n’paste está llevada hasta sus últimas consecuencias. La sesión finaliza con la última película de David Domingo. A movie that portrays the wonders of the world as seen trough the eyes of a cat (Disney Attraction Highlights nº1) es un homenaje al cine amateur y al cine de Hollywood. Es cine lírico y es cine de aventuras.

Programado por Luis E. Parés y Albert Alcoz

3 de junio de 2010

EL CINE, LOS CINES

AMALGAMA - LA FÁBRICA
lunes 7 de junio de 2010 a las 19h
(50 minutos)

Chus Domínguez - La sortie (2008). 10’
Carles Asensio - Cinema Mundial 1957-2007 (2007). 18’
Los Hijos - Ya viene, aguanta, riégueme, mátame (2009). 8’
Los Hijos - El sol en el sol del membrillo (2008). 13’



La sortie (2008) Chus Domínguez
Cinema Mundial 1957-2007 (2007) Carles Asensio
Ya viene, aguanta, riégueme, mátame (2009) Los Hijos
El sol en el sol del membrillo (2008) Los Hijos

La fuerte y casi indisoluble unión entre la experiencia cinéfila y la educación sentimental, ese maridaje entre pasión y conocimiento, entre placer y aprendizaje, viene dada en mayor parte por la existencia de la sala del cine, ese lugar donde “se permite a un gran número de personas soñar el mismo sueño juntos”, en palabras de Jean Cocteau. Es por ello que desde hace tanto tiempo, la sala de cine ha ejercido de metáfora de un sin fin de cosas, y ha sido uno de los escenarios más obvios desde los que hemos aprendido a ver (y a amar el mundo). Sin embargo, desde la llegada del llamado “paradigma digital” (y antes, con la llegada de los primeros VHS’s), que la sala de cine ha perdido su exclusividad. Ahora cualquiera desde la pantalla de su ordenador y desde donde quiera que esté puede acceder a la cinemateca de babel, escapando de la tiranía a la que programadores, exhibidores y distribuidores nos han inflingido.

Todo ello ha conllevado la muerte de la sala tal como la entendemos, pero también ha permutado el amor al cine por una apropiación ya no de sus espacios (las salas), sino de sus objetos (las películas). En esta sesión mostramos ejemplos de lo uno y de lo otro: La sortie (Chus Domínguez) da voz a los empleados de un cine, donde vemos, haciendo más estrecha aun si cabe, la relación entre sala y vida. Cinema Mundial (Carles Asensio), sublima por la vía de la cinefilia, la cita y la estilización, el último día del último cine de Sant Celoni. Y El sol en el sol del membrillo, y Ya viene, aguanta, riégueme, mátame, (Los Hijos), se muestran como homenajes, en un extraño equilibrio entre la irreverencia y el respeto, a una serie de películas que han moldeado su mirada.

Programado por Luis E. Parés y Albert Alcoz