40 Frames - 16mm Directory

40 Frames es una plataforma estadounidense con sede en Portland (Oregon) dedicada a preservar el arte de la filmación y la exhibición en 16mm. Desde el año 2000 han presentado, junto a otros centros cinematográficos, sesiones fílmicas y workshops que han contado con las presencia de cineastas de reconocida trayectoria como son Bill Brown, Chick Strand, Peter Hutton, Yvonne Rainer, Su Friedrich, Alex MacKenzie, Bruce Baillie, Barbara Sternberg o James Benning. Entre sus proyectos actuales destacan la realización de una película en 16mm titulada Empty Quarter sobre las comunidades agrícolas del sudeste de Oregon y la reciente inauguración de una web dedicada específicamente al soporte fílmico de 16mm. 16mm Directory es una web acerca de los recursos técnicos para la producción y exhibición de obras en este formato. Direcciones sobre distribuidoras, espacios de exhibición y otros recursos técnicos -así como estudios y cursos universitarios referentes a este tipo de película subestándar-, pueden encontrarse en este útil directorio.

En las imágenes: polaroids de localizaciones para la producción del filme Empty Quarter.

Toronto's International Experimental Media Congress

Sound Over Water (2009) Mary Helena Clark

Del 7 al 11 de Abril de 2010 se celebra en Toronto el International Experimental Media Congress. El último congreso celebrado en la ciudad canadiense data de 1989. El programa diseñado para este año consta de un buen número de actividades destinadas a promover el cine y vídeo experimental actual. Un conjunto de mesas redondas, estructuradas para debatir el presente y el futuro de las prácticas experimentales de la imagen en movimiento, servirán para contrastar opiniones acerca de la producción, la exhibición, la expansión, la crítica, la pedagogía y la recepción del Experimental Media. Cincuenta realizadores, teóricos, comisarios y activistas formaran parte de un evento que coincidirá con las últimas sesiones fílmicas del 23rd Images Festival.

Love Objects (1971) Tom Chomont

Performances artísticas para un cine sin cámara – Jennifer West

Acicalar el celuloide

Durante el año 2001 la desaparecida cineasta de animación Helen Hill editó un libro titulado Recipes for Disaster: A Handcrafted Film Cookbooklet que recogía algunas de las recetas más ingeniosas de los practicantes del cine sin cámara. Decenas de cineastas canadienses situados entre la animación y el experimental escribieron consejos para llevar a cabo ejercicios con los que manipular directamente el soporte cinematográfico. Describiendo modos de empleo con anotaciones o dibujos hechos a mano, los colaboradores explicaban, epistolarmente, cómo alterar la superficie del celuloide mediante líquidos y técnicas varias, con intenciones más o menos artísticas. La aparición de esta ingeniosa recopilación de textos e ilustraciones amateur (maquetados siguiendo parámetros do it yourself) provocó que numerosos aficionados se lanzaran a la captura de bobinas en desuso. Reciclar trozos de película abandonados para manipular sus propiedades fotográficas y descubrir nuevas potencialidades fílmicas, manifestaba un deseo por crear imágenes en movimiento lejos de imperativos ortodoxos.

Una de las artistas más perseverantes e incisivas de este modo de hacer cine es la norteamericana Jennifer West. Desde la ciudad de Los Ángeles ha sabido llevar al límite de sus posibilidades una tradición que se remonta a los inicios del cine, cuando George Méliès coloreaba sobre el celuloide figuras filmadas en blanco y negro. Pero a diferencia del mago francés su cine no necesita de cámara para emulsionar el celuloide, ni de procesos de laboratorio para revelarlo. El suyo es un cine realizado directamente sobre los fotogramas de la película. Es un cine hecho a mano que, por su praxis artesanal y por la calidad de sus texturas, se sitúa inevitablemente cerca de las artes plásticas. Si la calidad pictórica de sus películas desvela una serie de tensiones metodológicas identificadas con el expresionismo abstracto y el cine experimental lírico, el método participativo y la documentación del acto creativo incurren en características constitutivas de la performance y el arte procesual. De este modo el arte contemporáneo parece ser el refugio más conveniente en el que encajar su práctica.

Jennifer West inicia su proceso creativo empapando tiras de celuloide de súper 8, 16mm, 35mm o 70mm sobre todo tipo de mezclas líquidas hechas de vinagre, lejía, cerveza, aceite, insecticida, leche, gasolina, ginebra, vino o ácido sulfúrico. Cualquier bebida, alimento o producto químico de uso cotidiano puede alterar un celuloide transparente, opaco o emulsionado. Dejar huella sobre la película, trazando manchas y deteriorando la superficie, es la consecuencia ineludible de unas pócimas que dibujan formas inéditas de colores vivaces y texturas sorprendentes. Exponer la emulsión a fuentes de luz, directa o indirecta, es otro de los recursos empleados para alcanzar una frenética imaginería psicodélica que remite a hallazgos del cine de animación experimental y la visual music. Estos tratamientos alquímicos vienen acompañados por otras aplicaciones más delirantes, pero igual de eficaces, que consisten en dar besos sobre el celuloide -para impregnarlo de pintalabios- o conducir en motocicleta -para dejar restos de neumático-. Son acciones hilarantes especificadas minuciosamente en los títulos de unas obras pensadas para transfigurar el soporte original.

Instituciones específicamente artísticas han sabido valorar la lucidez de sus procedimientos invitándola a organizar actuaciones con las que celebrar el carácter lúdico de su propuesta. El poder de convocatoria y el interés mediático de unos eventos participativos, es, finalmente, la razón de ser de piezas como Skate the Sky Film -sucedido hace pocos meses en la Turbine Hall de la Tate Modern de Londres-. Ahí Jennifer West dispuso largas tiras de celuloide en el suelo del museo para que skaters de los alrededores realizasen cabriolas sobre ellas. Documentar el acto performativo es pues parte esencial de unas piezas que, finalmente, quedan proyectadas en vídeo: el material fílmico resultante queda telecinado y transferido a DVD para facilitar la proyección en bucle, en galerías de arte como Vilma Gold o Marc Foxx. Son versiones digitalizadas para el circuito videoartístico que mantiene vínculos con cineastas singulares como Cécile Fontaine, Jürgen Reble o Johannes Hammel. Autores que, junto a Jennifer West, hallan sistemas de producción alternativos y estéticas insólitas para un arte, el cinematográfico, necesitado de ellas.

CINEMA ART

Article del Portal de Cultura Catalana
(o l'ABC del Cinema Art a Catalunya)

32. Cinema Art

El Cinema Art ha resultat ser un camp prolífic per l’experimentació del mitjà cinematogràfic. Un ampli ventall de cineastes catalans, més o menys vinculats a les arts plàstiques, s’han interessat per les possibilitats del suport fílmic, qüestionant els codis narratius i analitzant l’estructura de la imatge.

Les avantguardes artístiques de principis de segle marquen la pauta del cinema experimental internacional. Els moviments d’avantguarda que condicionen l’evolució de la pintura i l’escultura del segle XX també determinen la manera d’entendre la filmació i la projecció d’imatges en moviment. El surrealisme compte amb la figura del pintor català Salvador Dalí com un dels seus màxims exponents. La seves col·laboracions amb el cineasta Luís Buñuel, en les pel·lícules ‘El perro andaluz’ (1929) i ‘L’Age d’Or’ (1930), esdevenen obres singulars fetes d’impactes visuals, girs narratius onírics i elements subversius. El carácter líric d’aquestes dues produccions franceses mantenen punts de contacte amb cert cinema amateur realitzat a Catalunya.

Dins del camp del cinema d’animació experimental -sovint catalogat amb el nom de Fantasia-, cal fer referència al nom de Joaquim Puigvert i Pastells. Aquest cineasta practica durant els anys cinquanta una animació pictòrica influenciada per la del canadenc Norman McLaren; reconegut exponent del cinema pintat a mà sobre el cel·luloide. Jordi Artigas és un altre dels realitzadors de cinema d’animació abstracte, també dit cinema sense càmera.

Les idees del poeta visual Joan Brossa i les composicions musicals de Carles Santos fan que Pere Portabella desenvolupi una obra rica en matisos, relacionada amb les formes del New American Cinema de Nova York. El seu film més paradigmàtic és ‘Vampir-Cuadecuc’ (1970), una pel·lícula filmada en 16 mm, al marge de la indústria. ‘Esquizo’ (1970) de Ricard Bofill és una altra obra destacada realitzada a l’entorn de l’Escola de Barcelona. En aquesta època també emergeix el cinema underground del tarragoní Antoni Padrós i el cinema militant de Llorenç Soler.

A l’entorn de l’art conceptual dels anys setanta creixen una sèrie de col·laboracions fílmiques d’un grup d’artistes catalans afincats a París. Benet Rossell, Joan Rabascall, Antoni Miralda i Jaume Xifra en són els protagonistes. La crítica als mitjans de comunicació feta a partir del d’imatges reciclades i les investigacions formals del cinema estructural són dos dels interessos principals d’Eugènia Balcells i Eugeni Bonet; cineastes de films insòlits com ‘133’ (1978-79). El video art català té en Antoni Muntadas i Francesc Torres els seus artistes més internacionals.

Amb l’arribada del vídeo a Catalunya s’amplia el camp de visió d’uns artistes que mesclen els mitjans audiovisuals per posar en práctica inquietuds pròximes a la videocreació, la videoinstal·lació, el videoclip, el cinema de ficció, la televisió creativa i el documental heterodeox. Isaki Lacuesta, Lluís Escartín y Oriol Sánchez són alguns dels noms propis del Cinema Art actual.


ENLLAÇOS WEB

Web d’Eugeni Bonet sobre el cinema experimental per la UPF
http://www.iua.upf.es/recerca/sintesi_imatges/cinexp/cinexp.html

Web d’HAMACA, la distribuidora de video art espanyol
http://www.hamacaonline.net/

Web de l’Xcèntric, les programacions de cinema experimental del CCCB
http://www.cccb.org/xcentric/ca/

Cine electrónico en el CaixaForum

Del 25 de febrero al 3 de abril de 2010 el CaixaForum de Barcelona presenta un programa audiovisual en el Canal Mediateca comisariado por Andrew Davis. "Cinema electrònic" presenta cuatro realizadores de piezas de imágenes en movimiento directamente vinculadas a la escena de la música electrónica. La música visual digital del colectivo Semiconductor, los collages retro de People Like Us, el minimalismo gélido de Thomas Köner y las filmaciones ambientales en intervalos de tiempo de Emily Richardson son las propuestas de cuatro nombres que utilizan con osadía texturas electrónicas, ritmos techno, música ambiental y apropiaciones sonoras de todo tipo para envolver sus investigaciones cinemáticas.
El ciclo viene acompañado de las actuaciones en directo del músico y realizador Thomas Köner, y de la cineasta Emily Richardson junto a Benedict Drew, el artífice de sus bandas sonoras.

La selección de piezas a proyectar es la siguiente:

Semiconductor Films:
All The Time In The World, 2005, 5 min
Sound of Microclimates, 2004, 10 min
Acousticity, 2006, 3 min
200 Nanowebbers, 2005, 3 min
Brilliant Noise, 2006, 6 min

People Like Us:
Story Without End, 2005, 6 min
The Remote Controller, 2003, 9 min
We Edit Life, 2002, 11 min

Emily Richardson:
Redshift, 2001, 4 min
Nocturne, 2002, 5 min
Aspect, 2004, 9 min
Block, 2005, 11 min
Cobra Mist, 2008, 7 min

Thomas Köner:
Suburbs of the Void, 2004, 14 min
Peripheriques: Harar, 2005, 3 min
Nuuk, 2004, 6 min
Peripheriques: Buenos Aires, 2005, 5 min

Poética del celuloide # 3

Amazon - Recommendations For Today

En las imágenes: carátula del DVD "By Brakhage. An anthology volume two" y portadas de los libros "Adventures of Perception. Cinema as exploration" de Scott MacDonald; "Film Curatorship. Archives, museum and the digital marketplace" y "Máquinas de mirar. O cómo se originan las imágenes. El arte contemporáneo mira a la Colección Werner Nekes".

Poética del celuloide # 2

CINE ARTÍSTICO – Paul Young

Schwechater (1958) de Peter Kubelka

Publicado en el Cultura/s de La Vanguardia

ARTE E IMAGEN EN MOVIMIENTO. Taschen publica un nuevo estudio fílmico titulado Cine Artístico que vincula las perspectivas del cine experimental con los discursos del videoarte y los recursos de la ficción. Suntuosas fotografías en color y constantes referencias a la escena actual son dos de sus mayores virtudes.

A principios de los años setenta Amos Vogel publicó uno de los libros canónicos del cine artístico. Film as a Subversive Art se caracterizaba por una selección inabarcable de obras fílmicas cuyo eclecticismo desencadenaba un análisis sugerentemente heterodoxo. Esa ingeniosa catalogación de películas variopintas, agrupadas por sus constantes temáticas y sus particularidades estilísticas, quedaba representada visualmente mediante centenares de fotografías en blanco y negro, debidamente contrastadas. Un punto de partida similar parece ser el que ha empleado el periodista y comisario norteamericano Paul Young para plantear un recorrido por lo más nutrido de ese cine deliveradamente artístico, vanguardista, independiente y visionario. Un cine a menudo identificado con el término experimental -como se observa en el título de la traducción francesa: Le Cinéma Expérimental-. Remitiendo continuamente a las primeras vanguardias artísticas y finalizando con recientes incursiones de la omnipresente videoinstalación, el escritor diseña un itinerario de diez etapas que relaciona principalmente las características formales de las obras, para reflexionar sobre la práctica de un sinfín de cineastas y videoartistas. Los diferentes estilos analizados en los capítulos se cruzan entre sí para revelar la naturaleza de una manifestación artística que, generalmente, “…tiende a inclinarse por la ausencia de linealidad, teatralidad y figuración, lo cual implica que se sirve principalmente de la poesía, las metáforas y las alusiones”. Términos que indican una de las intenciones prioritarias de la mayoría de realizadores aquí incluidos: incidir en la estructura de la imagen, cuestionando su representación, expandiendo su percepción o desvelando su invisibilidad.

Diez títulos sirven a Paul Young para plantear un discurso panorámico que explica transversalmente las modalidades empleadas a partir de la imagen en movimiento. Así, el apartado titulado El cine surrealista traza una trayectoria que va de Luis Buñuel a Paul McCarthy; Postsurrealismo y épica de Gregory J. Markopoulos a Matthew Barney; Cine abstracto y lírico de Oskar Fischinger a Stan Brakhage; Sinfonía urbana, cine de ensayo y cine paisajista de Dziga Vertov a James Benning; Temps mort, cuadros vivos y duración de Maya Deren a Aernout Mik; Cine estructuralista y conceptual de Michael Snow a Jayne Parker; Cine expandido y cine de instalación de Stan VanDerBeek a Doug Aitken; Cine de collage y metrage encontrado de Bruce Conner a Craig Baldwin; Autorretratos y autobiografías de Andy Warhol a Eija-Liisa Athila; y Dadaísmo, parodia, camp y remakes de Marcel Duchamp a Pierre Huyghe. El listado de autores que representa cada una de las tendencias anunciadas es innumerable, pero finalmente son sólo diez las películas escogidas para ilustrar cada capítulo; una selección algo confusa que incluye largometrajes de ficción como Mouchette de Robert Bresson o La montaña sagrada de Alejandro Jodorowsky.

Esa necesidad por englobar películas bajo términos específicos permite plantear conexiones con la tradición de la vanguardia (valga el oximorón). Pero esa misma estrategia simplifica el valor de unas obras que, sistemáticamente, ven eludidas sus singularidades, sus condiciones de producción y el contexto en el que se exhiben. Si sorprende positivamente la notoria inclusión de artistas contemporáneos, también lo hace, pero de modo negativo, la ausencia destacable de artistas pioneros del medio videográfico. Ni los graves errores de traducción -que parecen proponer un nuevo vocabulario para el lenguaje audiovisual hecho de zums y travelines- lastiman un volúmen recomendable, tanto para neófitos como para iniciados. Esa vistosa maquetación que privilegia las fotografías en color de los filmes por encima de la reflexión teórica amplia el interés por visionarlos. Ni la falta de rigor en la elaboración de los contenidos, ni cierta dispersión en el discurso crítico que lo sustenta, son impedimentos para conseguir uno de los mayores propósitos de Cine Artístico: incitar a descubrir unas propuestas artísticas que ensanchan las posibilidades del dispositivo cinematográfico, ampliando nociones perceptivas y epistemológicas.

Short of Breath (1990) de Jay Rosenblatt

Programa de Found Footage en NIU

El programa de Found Footage de la Muestra Itinerante de Cine Playtime continua su recorrido geográfico por la península ibérica con una nueva proyección en Barcelona. El domingo 21 de febrero de 2010 a las 18:30h aterriza en el NIU, espai artístic d'art contemporani después de haber pasado por Sevilla, Igualada, Leioa y Madrid. La siguiente sesión será el dia 26 de marzo en Es Baluard, Museu d'Art Modern i Contemporani de Palma de Mallorca.










En las imágenes: fotogramas de las piezas según su orden de proyección: "The End" de Fernando Franco, "Alone" de Gerard Freixes, "Jean Claude Van Dance" de Left Hand Rotation, "La Cosa Nuestra" de María Cañas, "¿Quién puede matar a un hombre?" de Enrique Piñuel, "Tabla aeróbica nº4 (entrenamiento para pintores)" de Gonzalo de Pedro, "Matar a Hitchcock" de Alberto Cabrera y "NIF FIN" de Albert Alcoz.

Muestra Cinematográfica en Pequeño Formato

El sábado 20 de febrero de 2010 se organiza en el Centre Cívic Convent de Sant Agustí de Barcelona la primera Muestra Cinematográfica de Pequeño Formato. Entre las actividades programadas se encuentra un Rally Cinematográfico en Super 8, un concurso que consiste en filmación de un cartucho de super 8 blanco y negro Kodak Tri-X durante toda la jornada. Un mercadillo de venta e intercambio de aparatos fílmicos dejará paso a una serie de proyecciones de cine familiar, un homenaje al cineasta mallorquín Gabriel Mayans Fenemies, la estrena del cortometraje "El Ojo" realizado por "The Macuto Collective" y unos pases de películas clásicas de la época muda acompañadas con música en directo. Un conjunto de piezas recientes de realizadores nacionales en formato super 8 seleccionadas por Vicente Ocho y Marc Mallol, y dos conciertos acústicos de Nacho Humbert y Minimal, con visuales de Daniela Cugliandolo y Víctor Sastre Janer, completan una jornada intensa de actividades alrededor del super 8 y otros formatos fílmicos amateurs. Home movies, diarios de viajes, cortometrajes narrativos y experimentaciones visuales y sonoras servirán para presenciar la vigencia y la actualidad de formatos sub-estándard que se resisten a desaparecer ante la omnipresencia de la tecnología digital.
Más información: Muestra Cinematográfica de Pequeño Formato

Die Schneider Krankheit (2008) de Javier Chillón

La Muestra Contemporánea en Pequeño Formato incluye los siguientes títulos:

¡Caramba!, Marc Mallol. 5 min, Súper 8, color

Insomnia, Juan Martínez Ros. 6 min, Súper 8

Documental, Toni Egea. 17 min, Súper 8

Die Schneider Krankheit, Javier Chillón. 11 min, Súper 8, editat en vídeo digital, 2008

Volar sin alas, David García. 8 min, Súper 8, b/n, editat en vídeo digital, 2009

Adán y Eva, The Macuto Collective. 4 min, Súper 8, b/n, editat en vídeo digital, 2009

Clip publicitari de l'11è Festival de Cinema Independent de BCN, 40 seg, 2004 y 2007

Ballhead, 1 min 30 seg, Soy Sauce, 2 min 50 seg, 2006. Laboratorium (Pere Ginar, Laura Ginès). Súper 8, color, editat en vídeo digital

Hyperman contra Fu-Manchú, Naxo Fiol. 4 min, Súper 8, color

Las Mucamas Asesinas, Daniela Cugliandolo. 10min, Super 8, b/n, 1999

4 històries, 4 pinzells, Marc Martí. 6,44 min, Súper 8, color, 2006

Súper-8, David Domingo. 7,44 min, Súper 8, color, 2009

Fins aviat!, Daniela Cugliandolo. 2 min, Súper 8, b/n, 2010

Urquinaona, Ana Puerto. 2 min, Súper 8, color, 2009

Playing with fire (2009)

Fotogramas en Super 8 negativo color

Música & Videoart - De Prop a La Pedrera de Caixa Catalunya

El ciclo DeProp que organiza la Obra Social de Caixa Catalunya en La Pedrera, ofrece entre el 25 de febrero y el 18 de marzo de 2010 cuatro conciertos de grupos locales acompañados por los trabajos audiovisuales de cuatro realizadores cercanos al mundo del videoclip, la animación, el vídeo arte y el cine experimental. Las piezas fílmicas y videográficas de Laboratorium, Ramón Ayala, Gerard Gil y Pol Ponsarnau son las escogidas para confluir respectivamente con los sonidos instrumentales y las canciones pop de músicos como Balago, Bigott, Les Aus y Mishima. Un experimento innovador, un "espectáculo único y diferente" -tal y como indican en el programa-.
Aquí se puede ver el vídeo de presentación del ciclo.



En las imágenes: fotogramas en super 8 de una película de Laboratorium y un videoclip de Ramón Ayala.

Paulino Viota - Cinestudio CBA

Cinestudio del Círculo de Bellas Artes de Madrid acoge del 16 al 28 de febrero de 2010 la primera retrospectiva dedicada al cineasta español Paulino Viota. Manuel Asín ha sido el responsable de comisariar una muestra que cuenta con una copia restaurada de la película "Contactos" (1970). Para el viernes 19 de febrero se ha organizado una mesa redonda con el director Paulino Viota, el crítico cinematográfico Miguel Marías y el propio Manuel Asín. El cortometraje "Jaula de todos" (1974) y los largometrajes "Con uñas y dientes" (1978) y "Cuerpo a cuerpo" (1982) completan una filmografía que también se proyectará durante la retrospectiva, junto a otros títulos -escogidos por Viota- de Robert Bresson, Jean Luc Godard, John Ford y Samuel Fuller.

Programa completo

Dossier Paulino Viota en El Viejo Topo

En la imagen: cartel de la película "Con uñas y dientes" (1978) realizado por Iván Zulueta.

Poética del celuloide # 1

Punto de Vista 2010. Festival Internacional de Cine Documental de Navarra.

Blessed are the Dreams of Men (2005) de Jem Cohen

Del 5 al 13 de febrero de 2010 la ciudad de Pamplona acoge la sexta edición del Punto de Vista. Festival Internacional de Cine Documental de Navarra. La programación seleccionada para presentar las propuestas cinematográficas más innovadoras y arriesgadas del panorama internacional queda dividida en seis apartados del todo recomendables.
La sección oficial cuenta con un conjunto de documentales entre los que se encuentran los nuevos títulos de Jay Rosenblatt, Ben Russell, Lluis Escartín, Ricardo Íscar y Pablo Baur. El plato fuerte del evento es la retrospectiva al cineasta estadounidense Jem Cohen, uno de los realizadores más sugerentes del documental musical (Fugazi, Elliott Smith, R.E.M., Benjamin Smoke, etc.) y del cine subjetivo de resonancias románticas -una suerte de flâneur contemporáneo situado entre las perspectivas del diario fílmico y los recursos formales del cine lírico-. La publicación del prometedor libro Signal Fires. El cine de Jem Cohen es otro elemento más a tener en cuenta de un festival que contará con su presencia en las labores de jurado. La sección titulada Las afinidades Vigo recupera la figura del cineasta francés Jean Vigo mediante un conjunto de obras filmadas por directores como Laszlo Moholy-Nagy, Eugène Deslaw, Boris Kaufman y Jean Painlevé que trazan paralelismos estilísticos con los del autor de  propos de Nice. Fernando Franco, Virginia García del Pino y Chus Domínguez son los tres nombres convocados para homenajear la línea trazada por la productora X Films del empresario Juan Huarte. Es la propuesta de una sección llamada Heterodocsias que este año amplia su campo de acción con la inclusión de algunas películas paradigmáticas de los discursos vanguardistas de los años setenta, como es el caso de Contactos (1970) de Paulino Viota. La Región Centrale es el apartado bajo el cual se proyectan obras de marcado acento experimental -más o menos en sintonía con el cine del canadiense Michael Snow- entre las que se encuentran la nueva incursión en el cine digital de James Benning, la reciente abstracción narrativa en celuloide del argentino Ernesto Baca y la última impresión y apropiación en super 8 de David Domingo. Películas proclives a una teoría no exenta de ensoñación.

À propos de Nice (1930) de Jean Vigo

El lobby contra el cordero – José Antonio Maenza