The Wire – Off The Page

El festival Off The Page organizado por la revista musical inglesa The Wire incluye un programa de piezas fílmicas y videográficas experimentales titulado The Bleeping Light: Explorative Sensoriums In Experimental Film & Video. A lo largo de los días 26, 27 y 28 de septiembre el centro artístico Arnolfini de la ciudad de Bristol (Inglaterra) ofrece un programa de actividades centrados en el arte sonoro contemporáneo y la música experimental. El programa de proyecciones, seleccionado por la curadora Sally Golding del colectivo OtherFilm, está formado por trabajos de artistas sonoros y cineastas como Ben Gwilliam, Karel Doing, Simon Payne, Lynn Loo, Sally Golding, Makino Takashi, Stephen Cornford, Anja Dornieden & Juan Gonzalez. Multiproyecciones, sonido en directo y materiales en celuloide de 16mm digitalizados para su exhibición óptima en loop, son algunas de las constantes de las propuestas expuestas.

End Rolls (2009) Lynn Loo
Nebula Rising (2008) Hangjun Lee & Chulki Hong
Solipsism Cinema (2013) Stephen Cornford
Palindrome Series (2013) Karel Doing
Primitives (2014) Spatial
Vice Versa Et Cetera (2010) Simon Payne
Biofeedback In Simulation (2013) Botborg
Second Sun (2013) Joel Stern & Pia Borg
Energetically Favourable Configurations (2014) Sculpture
2012 (2012) Makino Takashi
Oxide (ii) (2014) Ben Gwilliam
Noisy Licking, Dribbling And Spitting (2014) Vicky Smith
The Hand Eye (Bone Ghosts) (2012) Anja Dornieden & Juan Gonzalez
Ghost - Loud + Strong (2012) Sally Golding

Primitives (2014) Spatial

Biofeedback In Simulation (2013) Botborg 

Vice Versa Et Cetera (2010) Simon Payne

MASE. Muestra de Arte Sonoro Español

El proyecto MASE, iniciado en 2006 para investigar la historia y la presencia del Arte Sonoro en España, amplía sus líneas de actuación con una nueva web y unas jornadas organizadas en el Museo Reina Sofía de Madrid. El espacio web ha renovado su aspecto para dar cabida a diversas bases de datos de artistas y teóricos, documentaciones sonoras y artículos especializados disponibles online para fomentar la difusión de unos materiales centrados específicamente en el Arte Sonoro de ámbito nacional. Los días 3 y 4 de abril se presenta en público la web y las diferentes líneas de investigación coordinadas y comisariadas por José Manuel Costa, Xabier Erkizia, José Luis Espejo, José Iges y Xoán Xil. Entre los diversos colaboradores de este minucioso proyecto cabe destacar las figuras de reconocidos estudiosos del sonido en tanto que manifestación artística, como son los nombres de José Manuel Berenguer, Carmen Pardo o Adolfo Nuñez. Entre el amplio listado de autores se encuentra un servidor, que también ha añadido su grano de arena con un texto publicado recientemente por la revista universitaria Arte y Políticas de Identidad, que trata de constatar la relevancia de las prácticas sonoras en algunos filmes experimentales españoles.

El programa completo de la presentación del proyecto en el Museo Reina Sofía de Madrid se puede descargar en este enlace.

Intuición (2004) Pilar Crespo

The Clock (2010) – Christian Marclay

The Clock (2010)

El Museo Guggenheim de Bilbao expone la obra The Clock (2010) de Christian Marclay, hasta el 18 de mayo. Este trabajo de reciclaje audiovisual es una celebración épica al arte cinematográfico y televisivo, formalizada como videoinstalación monocanal para contextos artísticos. El artista norteamericano, reconocido mundialmente por sus trabajos escultóricos, performáticos y audiovisuales alrededor del Arte Sonoro, plantea un homenaje al devenir temporal, concentrando un cúmulo inabarcable de fragmentos fílmicos en un montaje de 24 horas desarrollado en tiempo real. Estas 24 horas de metraje –editadas con centenares de planos apropiados, en los que se visualizan relojes o se dialoga sobre horas concretas–, quedan distribuidos en función del minutaje del propio filme, coincidente con la hora local; de manera que cuando en el filme un reloj marca las dos en punto de la tarde, también lo es en el momento en el que se proyecta esa imagen en el espacio galerístico o museístico. Esta reflexión sobre el paso del tiempo visualiza en pantalla el valor de los relojes en nuestra sociedad y el modo como articula tanto la narración de un filme como las expectativas y la percepción de una obra artística. Otro aspecto significativo, derivado del extenso metraje de esta obra cumbre de found footage, viene dado por el hecho de problematizar su exposición. Para facilitar su visionado íntegro el museo de la capital vasca permanecerá abierto, ininterrumpidamente, los días 8, 9, 28 y 29 de marzo; el 26 y 27 de abril, y el 17 y 18 de mayo.

The Clock (2010)

Electrónica visual. Störung: Sound & Visual Art

publicado en venusplutón!

Störung es una plataforma artística multidisciplinar especializada en al minimalismo electrónico y la experimentación audiovisual elaborada en tiempo real. Entre sus facetas más significativas se encuentra la existencia de un sello discográfico y la organización de un festival musical, que este año llega a su séptima edición. Desde 2006 la plataforma dirigida por Alex Gámez coordina una serie de directos, conferencias, presentaciones y proyecciones que tienen lugar cada año en La Farinera del Clot de Barcelona. Para celebrar el recorrido trazado hasta ahora publican un DVD junto a la distribuidora Cameo, titulado Störung: Sound & Visual Art. En él se recogen once piezas audiovisuales realizadas por veintitrés artistas vinculados al festival. La publicación viene acompañada por un libro de 64 páginas que contiene información sobre los vídeos incluidos, las trayectorias de los participantes y un conjunto de fotografías de actuaciones de ediciones anteriores.

Según el director del proyecto la selección de piezas, “es una mezcla representativa de varias vertientes artísticas englobadas dentro del sonido e imagen que siguen los principios conceptuales de Störung”. Unos principios decantados principalmente hacia la conjunción del sonido y la imagen en movimiento, desde un punto de vista experimental e innovador, en el que prevalece el uso de la tecnología digital. Este sería, a grandes rasgos, el eje bajo el que se sustentan la mayoría de trabajos audiovisuales aquí recogidos: la voluntad de concordancia entre el aspecto auditivo y el visual, bajo parámetros sincrónicos indudablemente abstractos. Y es que la abstracción –entendida desde diversos puntos de vista– es la solución visual de todos y cada uno de los vídeos presentados, tanto si se decantan por geometrías rectangulares, registros orgánicos desfigurados o vectores autogenerados.

A continuación se analizan, brevemente, cada una de las obras audiovisuales incluidas:

1. Gradualism #01 está hecho de una rítmica inquietante a base de glitches cuya respuesta visual viene formada por líneas horizontales y tonos azulados desplazados lateralmente al ritmo de los microsonidos. El resultado es una geometría minimalista solucionada sutilmente por el colectivo londinense D-Fuse, tanto en el apartado visual como el sonoro.

Gradualism #01

2. 26_071_auda es ruidismo aislacionista diseñado por el dúo japonés aM™[aem], apoyado por errores digitales, sonidos robóticos sumergidos y ambientes etéreos. Éstos vienen acompañados por un fondo completamente oscuro sobre el que Dextro dibujan decenas de líneas circulares en perpetuo movimiento, situadas alrededor de una estructura inicialmente sinusoidal que, poco a poco, y con ayuda del generador de Macromedia Director se transforma en espiral.

26_071_auda

3. Malabia bla bla son texturas apagadas de sonidos motorizados indefinidos creados por Alan Courtis, que parecen ahogarse entre ellos hasta desembocar en un delirio frenético de cacofonías ruidistas. A nivel visual esta es la pieza más singular de todas las presentes. Se trata de una filmación en super 8 de los argentinos Sergio Brauer y Sergio Subero, telecinada a baja resolución, que muestra una serie de tomas de la calle Malabia de Buenos Aires capturadas en escasa definición. La demora respecto al tiempo de filmación y los errores sucedidos sobre el celuloide durante el proceso de revelado favorecen la aparición de manchas intermitentes de aspecto monocromático. El resultado está directamente relacionado con el cine sin cámara más matérico y nostálgico.

Malabia bla bla

4. Hydro-Organic Machine Study de Paul Prudence & Francisco López se inspira en “una serie de estudios científicos sobre las propiedades cimáticas del agua”. Las burbujas protocelulares, el desarrollo de los meniscos y demás fenómenos hidrológicos permiten crear ambientes sonoros apocalípticos que remiten a un paisajismo sonoro de extrarradio industrial. Estos zumbidos continuos de cambios progresivos dialogan con una forma circular blanquecina de aspecto líquido sobre fondo negro cuya estructura varía en función de los diversos añadidos auditivos. Es la pieza más sugerente a nivel sonoro, pero las soluciones del artista audiovisual Paul Prudence no acaba de estar a la altura de la investigación auditiva propuesta por Franscisco López.

Hydro-Organic Machine Study

5. Black Flame del artista sonoro Kim Cascone está compuesto por un sonido continuo de atmósfera siniestra, combinado con una grabación en vídeo realizada de noche por los alrededores de un bosque. Planos de las ramas de los árboles, la luna llena y ciertas aves nocturnas acompañan el paseo de un chico encapuchado –iluminado con una linterna– hasta una hoguera. Es el planteamiento de una pieza marcadamente postproducida con efectos digitales poco originales por parte de Kathleen Cascone: efecto espejo, dobles exposiciones, imagen en negativo, etc. Es la pieza más figurativa del volumen y la que mantiene un tono narrativo más evidente, pese a la indefinición de su resolución.

Black Flame

6. Matter States de XX+XY Visuals and Sound Art Project es uno de los trabajos más impactantes. El vídeo de poco más de dos minutos de Sladzana Bogeska y Guiseppe Pradella está formado por un sonido grave de carácter envolvente al que se añaden diversos focos metálicos in crescendo. El apartado visual queda reducido a unas pequeñas manchas blancas que se desplazan sutilmente sobre una superficie oscura a modo de pintura abstracta all over. El cuadro de la imagen queda ocupado enteramente por pequeños puntos grisáceos de semblanza orgánica que parecen moverse en función de un agujero negro central.

Matter States

7. Shapes 3.0 es otra de las piezas más remarcables del DVD. El ensamblaje de microsonidos del catalán Asférico (alias de Alex Gámez) vibran continuamente para visualizarse como un conjunto de planos circulares de tonos rojizos de estructura tridimensional. La forma inicial proyectada por Aleix Fernández (el director creativo de Onionlab) recuerda una de las esculturas móviles más reconocidas de Alexander Rodchenko, pero esta asociación se va disolviendo a medida que el motion design hace acto de presencia. Los cambios de encuadres varían su dimensión mientras su aspecto se transforma libremente.

Shapes 3.0

8. Laptop-Condensored 2:29 de Andy Guhl es uno de los temas más incómodos, formado por sonidos insistentemente repetitivos de ruidos breves, fugaces e imprevisibles. El audio parece ser la respuesta literal de una cinta videográfica manipulada que muestra colores saturados bajo formas abstractas puramente electrónicas. Son osciladores interferidos para generan imágenes en movimiento que dan lugar a una improvisación algo tosca.

Laptop-Condensored 2:29

9. Rhizoid, el tema más onírico de todos, queda conjugado como una serie de planos de detalle extremadamente cercanos de lo que parecen ser fragmentos de musgo recogidos de Madeira por parte del portugués Hugo Olim. El registro videográfico está hecho de desenfoques que cambian la percepción del plano, de lo borroso a lo extrañamente hiperrealista. Simon Whetham vincula las imágenes con grabaciones de campo de la isla, cuyos sonidos se desenvuelven bajo cadencias tenues.

Rhizoid

10. Fuerza Natural II consta de un ruido sintético de Asférico, algo sobredimensionado, “basado en el análisis sonoro de una gráfica sísmica del terremoto de Irpina (Italia) de 1980”. Este breve tema viene ilustrado por una estructura circular central diseñada por el ilustrador y artista plástico madrileño elufo. La figura aparece y se desvanece tras visualizar ciertas formas esféricas de connotaciones cósmicas. La frialdad de la pieza convierte el resultado en una muestra de las posibilidades digitales en el desarrollo de imágenes abstractas en movimiento.

Fuerza Natural II

11. La última pieza de esta recopilación se titula Untitled 09. Los microsonidos digitales de frecuencias elevadas y aspecto gaseoso de Federico Monti mantienen un pulso con las formas lumínicas minimalistas de Diego Alberti. Son líneas verdes que recuerdan el fluir del código de Matrix, pero sin su numeración. Aquí lo que se observa son figuras abstractas profundas dispuestas bajo una perspectiva tridimensional, que se contraen o ensanchan en función de la intensidad del timbre y el volumen.

Untitled 09

Störung: Sound & Visual Art es un buen ejemplo del desarrollo actual del sonido y la imagen en movimiento en contextos experimentales de investigación y desarrollo. El grueso de los once trabajos audiovisuales aquí recogidos demuestra la tradición de cierta música visual –planteada profusamente por Oskar Fischinger–, pero también la herencia de los pioneros del videoarte menos factual –como es el caso de las soluciones conceptuales y estéticas del matrimonio Vasulka– o de aquello que se conoció como la elaboración de imágenes por computadora –ejemplificada en la obra de los hermanos Whitney, Lillian Schwartz o Stan Vanderbeek–. Pioneros de un arte cinematográfico y sonoro que con la llegada de las nuevas tecnologías –primero electrónicas y después digitales– aumenta su propuesta exponencialmente hasta devenir en prácticas indudablemente omnipresentes.

Festival PLAY 2012 – Cine en directo

La Casa Encendida de Madrid acoge una nueva edición del Festival PLAY. Las seis actuaciones programadas entre el jueves 29 y el sábado 31 de marzo siguen la idea de plantear un cine en directo, un espectáculo en vivo vinculado tanto a las artes escénicas como a la música improvisada. El comisario Andy David ha preparado seis sesiones de artistas visuales internacionales, celebradas a lo largo de tres dáis. El jueves Sally Golding proyecta películas en 16mm filmadas y reveladas por ella misma sobre su cuerpo, elaborando una propuesta estética cercana a las fantasmagorías del pre-cine. Ese mismo día Makino Takashi presenta el cortometraje Generator sobre la catástrofe de Fukushima. Las sonidos del músico de improvisación norteamericano Jim O'Rourke acompañan esta reflexión visual sobre un territorio devastado. El viernes es el turno de Anharmonium y La Chambre Des Machines. En el primer concierto el holandés TeZ combina imágenes abstractas con sonidos cuadrofónicos. Los segundos remiten a los Intonarumoris de Luigi Russolo con instrumentos ruidosos fabricados por ellos mismos sincronizados con animaciones registradas del Zootropo. El sábado 31 el productor musical Dan Hayhurts y el artista visual Reuben Shuterland vincularán un collage sonoro con animaciones estrobsocópicas. Finalmente Martha Colburn dispondrá su artilugio de objetos ópticos, transparencias pintadas y filmaciones animadas con recortables, junto a la música del saxofonista Hayden Chisholm y el compositor Juan Felipe Waller.

Generator (2011) Makino Takashi

Sonic Acts XIV – Travelling Time

De Tijd (2008) Bart Vegter

Del 23 al 26 de febrero de 2012 se celebra en la ciudad de Amsterdam el festival Sonic Acts. En su decimocuarta edición esta muestra centrada en la "exploración del arte, la música y la tecnología" titula su apuesta como Travelling Time. Con este término se presentan cuatro días de conciertos, performances, conferencias y exposiciones que buscan sugerir nuevas percepciones relacionadas con el tiempo. Los cambios producidos en la noción del tiempo por las nuevas tecnologías, el sentido temporal transformado por la velocidad de la comunicación digital y la vinculación de las máquinas con la experiencia humana, son algunos de los conceptos dispuestos en un programa musical, expositivo y audiovisual formando por música en directo, proyecciones fílmicas y demás propuestas artísticas. Decenas de músicos electrónicos, improvisadores acústicos y artistas sonoros forman el grueso de un programa en el que también se incluyen figuras del cine experimental clásico, del videoarte y de las nuevas propuestas gráficas de la imagen en movimiento. Los cineastas de animación Norman McLaren, Robert Breer y René Jodoin comparten espacio con programas fílmicos e instalaciones audiovisuales en los que se hallan los nombres de Peter Kubelka, Paul Sharits, Barbara Hammer, J. J. Murphy, Timothy Druckrey, Ryohel Shimada, Bart Vegter y Ian Helliwell, entre muchos otros.

Descargar programa completo Sonic Acts XIV

Rectangle and rectangles (1984) René Jodoin

Letrattone Leader (2009) Ian Helliwell

Recomendaciones para hoy

 

Portadas de los DVDs: Enthusiasm (1931) de Dziga Vertov (2005-2006), Optical Sound Films (1971-2007) de Guy Sherwin, Sonic Fiction, Synaesthetic Videos from Austria (2005) y The films of Franciszka and Stefan Themerson (2007).

Semiconductor – 20 Hz (2011)

Hasta el 4 de marzo de 2012 el Arts Santa Mònica de Barcelona acoge una exposición llamada Camps invisibles. Geografies de les ones ràdio comisariada por José Luis de Vicente y producida junto al Lighthouse de Brighton. La muestra se centra en las ondas de radio como herramienta para el aprendizaje del mundo que nos rodea. Para hacerlo toma en consideración la evolución tecnológica sucedida en el campo de las telecomunicaciones de los últimos años, y el modo en como éstas han facilitado el desarrollo del conocimiento y el acceso a la información. Según los organizadores el motivo de la exposición es demostrar las posibilidades del espectro radioeléctrico explorándolo desde un acercamiento multidisciplinar, a medio camino entre el arte y la ciencia. Entre los artistas representados se halllan Thomas Ashcraft, Job Ramos, Timo Arnall, Clara Boj y Diego Díaz; por lo que hace referencia a los colectivos destacan los Luthiers Drapaires y la Plataforma Cero LABoral.

Semiconductor son los responsables de una pieza realizada exclusivamente para la ocasión, titulada 20 Hz (2011). Este video realizado por Ruth y Joe Gerhardt sintetiza en cinco minutos una cúmulo de capturas sonoras de una tormenta geo-magnética sucedida en la atmósfera terrestre. Tal y como indican en la información de su página web: "Generated directly by the sound, tangible and sculptural forms emerge suggestive of scientific visualisations". El resultado es un conjunto de imágenes en movimiento que danzan al ritmo del ruido, como una prolongación visual de los sonidos, una abstracción monocromática de líneas blancas sobre fondo negro cuyos diseños geométricos parecen formas orgánicas sincrónicas. Algo así como vibraciones perpetuas de circunferencias concéntricas. Ruido visual en su máxima expresión.

Proyección, diálogo, concierto – Michael Snow

 

Piano Sculpture (2009)

El 4 y el 5 de noviembre el CaixaFòrum de Barcelona invita al artista canadiense Michael Snow, uno de los máximos representantes del cine estructural. Este artista multidisciplinar proyectará sus trabajos recientes, mantendrá un diálogo con la comisaria Gloria Moure y, finalmente, interpretará un concierto de música improvisada junto a Aki Onda y Alan Light .

Programación:
Viernes 4 de noviembre, 19.30 h.
Diálogo entre Gloria Moure y Michael Snow.

Sábado 5 de novembre, 21.00 h.
Concierto de Aki Onda, Michael Snow i Alan Litch, tres nombres indiscutibles de la música avanzada, la música electrónica y la imporivisación sonora. Light es componente del grupo Text of Light y ha escrito el libro Sound Art.

Michael Snow, sintetitzador, radio, piano
Alan Licht, guitarra, electrónica
Aki Onda, cassets, electrónica

Paralelamente en el Canal Visual de la Mediateca se proyectarán piezas recientes y algunas de las películas más representativas del artista durante los días 4, 5 y 6 de noviembre.

Puccini Conservato (2009)

MiRA! Música i recerca audiovisual

Paradigme

El 5 de noviembre tendrá lugar en la antigua fábrica de Fabra i Coats de Barcelona un nuevo festival de música electrónica y proyecciones audiovisuales llamado MiRA!. Definido como "música i recerca audiovisual" el MiRA! ofrece un amplio programa de manifestaciones musicales que transitan entre la música electrónica y los directos audiovisuales multidisciplinares, de artistas nacionales e internacionales. Un amplio dispositivo tecnológico distribuido en dos salas permitirá ofrecer proyecciones visuales envolventes de múltiples pantallas, videoinstalaciones, presentaciones por parte de artistas, workshops y proyecciones de mapping. Proyectando imágenes digitales de toda índole (música visual, animación heterodoxa, videoarte, etc.), el festival tiene la intención de relacionar música y elementos visuales a un mismo nivel, equilibrando las dos disciplinas para tratar de "ampliar la capacidad sensorial de los espectadores". Plaid, Kettel, Paradigme, Proletari arts, Visitor, bRUNA, Luthiers Drapaires y Dosf son algunos de los artistas participantes. De esta manera la IDM, el ambient, el techno, el dub, el hip-hop, la improvisación y la música electrónica en general dialogarán sincrónicamente con la dimensión visual de los directos.

Videocratz

Companya Nacional Insectotròpica

Ciclo de Narrativa Visual

Melophase - The Space In between (2010) Alba G. Corral

El miércoles 27 de julio el CaixaFòrum de Barcelona organiza una performance colectiva con músicos y artistas internacionales que trabajan alrededor de la experimentación audiovisual en directo. Este Ciclo de Narrativa Visual comisariado por Noelia Rodríguez cuenta con la participación de los artistas visuales Rafaël, Alba G. Corral, Soni Riot y Kowalski. Cada uno de ellos creará una pieza audiovisual en directo a partir de una serie de relatos de Julio Cortázar. Exceptuando la propuesta de Rafaël –que creará los visuales y la música experimental deconstruida simultáneamente– las demás proyecciones irán acompañadas de la música de Escort Service, un conjunto de música electroacústica especializada en la creación de bandas sonoras y el acompañamiento de proyecciones cinematográficas en directo. Piano electrónico, arpa, trompeta y violín serán los instrumentos protagonistas de un concierto que se engloba en la programación Nits d’estiu que tiene lugar en el Pati Anglès de la antigua fábrica Casaramona.

Melophase - The Space In between (2010) Alba G. Corral

Audiopantalla MACBA: monocromos

Drift (2008) Ulf Langheinric

Desde el viernes 8 de julio el Macba de Barcelona acoge una serie de conciertos audiovisuales de música electrónica por parte de tres artistas internacionales multidisciplinares. Arnau Horta ha sido el encargado de seleccionar tres músicos que trabajan las texturas sonoras junto a proyecciones audiovisuales monocromáticas. En palabras del comisario: "el monocromo no es ni un estilo ni un movimiento, sino una Weltanschauung, una cosmovisión que cada artista entiende y aplica a su manera". Atendiendo a ese parámetro se ha contado con el discurso artístico de los creadores Grischa Lichtenberger, Theo Burt y Ulf Langheinrich. El día 22 es el turno del alemán Ulf Langheinric que presentará su modo de entender la relación entre el sonido y la imagen en movimiento con cuatro piezas entre las que se encuentran OSC (2005-09) y Drift (2008).

Más información: Audiopantalla MACBA: monocromos

Drift (2008) de Ulf Langheinrich

Thorsten Fleisch - Dromosphäre (2010)

Dromosphäre (2010)

"Speed enables yo to see.
It does not simply allow you to
arrive at your destination more quickly,
rather it enables you to see and to forsee."
Paul Virilio

"We like speed because it's dangerous."
Jeremy Clarkson

El cineasta alemán Thorsten Fleisch ha realizado este año una de las piezas más sorprendentes del panorama internacional del cine y el vídeo de artistas. Los diez minutos de Dromosphäre (2010) resultan ser un viaje sobrecogedor que sitúan en primer plano la velocidad a partir de un desarrollo temporal de sonidos envolventes y representaciones visuales abstractas, progresivamente identificables. Como indica en su misma página web, la película es un meditación sobre la velocidad donde, "the ephemeral phenomenon becomes palpable as a speed sculpture begins a relativity drive along space-time avenues". Esta pieza distribuida por Lightcone puede verse online pero es en la sala oscura donde debe visionarse para capturar por completo las dinámicas de su impacto. Recientemente pudo verse durante el quinto programa de cine de vanguardia y de animación abstracta del Festival Animateka de Ljubljana (Eslovenia),

Para descubrir otros vídeos del realizador y conocer sus ideas sobre el arte de las imágenes en movimiento vale la pena consultar Escaping Time, la entrevista que Clint Enns hizo a Thorsten Fleisch para la revista INCITE!, Journal of Experimental Media & Radical Aesthetics.

Dromosphäre (2010)