If Not Winter

If Not Winter (2018-2020)

32 min.

Música: Johannes de Silentio aka Shak Benavides

Imágenes: Albert Alcoz

Durante un periodo de confinamiento prolongado mirar por la ventana puede convertirse en un ritual. Observar el vecindario contemplativamente transmite la posibilidad de un espionaje fantasioso que evoca escenas de largometrajes de ficción. A lo largo de la declaración del estado de alarma los terrados de un barrio residencial de Barcelona son testigo de actividades variopintas. Rastrear una panorámica de los edificios, encuadrar los vecinos con teleobjetivo e invocar una comunicación a distancia son gestos que reflejan la incertidumbre del momento. 

La Festa del Curt – KM. 0 al video musical català

Ficus (2013) Carlota Guerrero

El 15 de diciembre se celebra El día més curt, un festival organizado en Catalunya desde 2013 con la intención de promover las prácticas audiovisuales breves en multitud de espacios de la geografía. Entre los diferentes programas seleccionados se halla el denominado KM. O al video musical català. El conjunto de piezas seleccionadas por Marvin&Wayne disecciona el videoclip realizado desde el año 2000 por cineastas que han contado con las músicas de grupos de aquí. El período 2000-2013 queda representado así por vídeos musicales entre los que se encuentran dos de quien esto suscribe: Send Me a Copy para la psicodelia revisionista de The Transistor Arkestra y Félix Millet para los ritmos frenéticos instrumentales cercanos al math rock de El Tercer Semestre. El CCCB y otros muchos centros se han sumado a la iniciativa. En Barcelona la sesión musical estará presentada por Bruno Sokolowicz, periodista y presentador del mítico programa Sputnik del Canal 33.

Highlights – Beef. Marc Lozano, en col·laboració amb Rubén Latre / Les Auteurs Nouvelles (3’, Catalunya, 2000)
Dona estrangera – Manel. Sergi Pérez (6’, Catalunya, 2008)
La manta de los borrachos – Le Pianc. Anna D. Ortuño / Boogaloo Films (3’, Catalunya, 2010)
Un tos de fang – Mishina. Luis Cerveró / Common Films, Nanouk Films (4’, Catalunya, 2008)
Disfraz de tigre – Hidrogenesse. Dario Peña (4’, Catalunya, 2007)
Es feo – Manos de topo. Kike Maillo (2’, Catalunya, 2007)
Antisistema solar – Tarántula. Kikol Grau (3’, Catalunya, 2009)
Suena brillante – Joe Crepúsculo. Luis Cerveró / Common Films, Nanouk Films (7’, Catalunya, 2008)
Mari Carmen – Tu madre. Virginia García del Pino (4’, Catalunya, 2010)
Bombay – El Guincho. Nicolás Méndez / Canada (6’, Catalunya, 2010)
Techno – Sanjosex. Ana Pfaff, Ariadna Ribas / Dostopos (2’, Catalunya, 2011)
El lament de Perceval – Le petit Ramon. Carlota Coloma, Adriá Lahuerta / 15-L, Petroblanc (7’, Catalunya, 2010)
Oniria e insomnia – Love of lesbian. Lyona (6’, Catalunya, 2012)
LOL – Los Ganglios. Xoxé Tétano / Los Ganglios (3’, Catalunya, 2012)
Send Me a Copy – The Transistor Arkestra. Albert Alcoz (5’, Catalunya, 2011)
Igual o mayor que – Doble Pletina. Stanley Sunday (2’, Catalunya, 2013)
Ficus – Oso Leone. Carlota Guerrero, Xavier Marin (4’, Catalunya, 2013)
Caballo negro – Tu Madre. Tuixén Benet / Les Filles Föllen (4’, Catalunya, 2013)
Usted está aquí – Alado Sincera. Ana Pfaff, Ariadna Ribas / Dostopos (3’, Catalunya, 2012)
No Fear – Art Versaris feat Invencible beat Waajeed Metromuster (4’, Catalunya, 2013)
Fèlix Millet – El tercer semestre Albert Alcoz (4’, Catalunya, 2013)

Mari Carmen (2010) Virgina García del Pino

La manta de los borrachos (2010) Anna D. Ortuño

Puntos de silencio (2018)

Alguien se ha dedicado a pintar la palabra “silenci” en lugares públicos aparentemente muy poco silenciosos. Parece que lo ha hecho con un stencil donde el término –en mayúsculas y en catalán– se ha escrito con un spray de color blanco. No creo que la selección de lugares haya sido arbitraria porque el texto solo se encuentra en puntos donde el sonido es continuo. De hecho, si uno se acerca atentamente, se da cuenta de que son localizaciones ruidosas. Diría que el grafitero no ha impuesto evitar el ruido de estos enclaves de la ciudad. Más bien se ha limitado a señalar puntos estratégicos que merecen ser atendidos. Son enclaves para escuchar silenciosamente.

No son “silencios” marcados para evitar el ruido que se emite sino indicaciones para practicar una escucha atenta. Estos “silencios” trazados en fachadas, muros, mobiliario urbano, ventiladores del metro, postes de electricidad, asfalto, etc. resuenan ruidosamente desplegándose como un mapa sonoro que no necesita grabarse para documentarse. Su perpetua manifestación sónica solo sugiere ser percibida acústicamente por cualquier transeúnte dispuesto a tener una experiencia musical.

De este modo parece que sus fuentes de inspiración sean La Monte Young –que se basó en el sonido de los transformadores eléctricos de las instalaciones telefónicas para elaborar sus propuestas musicales– y el proyecto LISTEN (1966) de Max Neuhaus –dedicado a “enfocar la perspectiva auditiva de las personas” por la calles de Manhattan. Si son indicaciones que delimitan puntos de escucha serían un certero homenaje a John Cage, que afirmó rotundamente que el silencio no existe.

Listening to the Space #01: Peter Rose

The Man Who Could Not See Far Enough (1981) Peter Rose

Listening to the Space is the title of a new series of collaborations with different filmmakers, concerning the ideas and practices around the sound of theirs films. The header of this section makes reference to a film by Robert Beavers named Listening to the Space in My Room (2003) where the sound recording is entirely relevant.

The North American filmmaker Peter Rose is the first who has decided to exchange thoughts about the process of creating and arranging the soundtracks of some of his pieces, in this case two of his most known films: Analogies: Studies in the Movement of Time (1977) and The Man Who Could Not See Far Enough (1981). Since 1968 this artist has been making over thirty moving pictures, videos, installations and performances. To deal with the idiosyncrasies of time, space and light –through sound and moving images– has been one of the major themes of works that also include mathematics and language issues, as well as oblique strategies and structural film inspirations. His intellectual point of view and sarcastic humor make him one of the great filmmakers of avant-garde cinema. Since today he has been able to produce a rich body of work on video, a medium he continues to investigate through pieces like 6D for Google (cardboard) Glasses (2016).

The french label Re-Voir released a DVD compilation of some of his films under the title Analogies. His vimeo channel is an awesome resource of digital versions of incredible conceptual procedures and formal solutions, deeply stimulating for the viewer and the listener.

Analogies: Studies in the Movement of Time (1977) Peter Rose

Peter Rose:

I’ll offer some general thoughts about the thinking behind, the genesis of Analogies: Studies in the Movement of Time (1977) and The Man Who Could Not See Far Enough (1981).

I’ve always been impressed by music as a model for organizing events in time and my first films were efforts to try to embody musical thinking in the structure of the work. Incantation (1970), for example, plays with a complex form of rhythmic polyphony and was inspired by both my own experience as a hand-drummer and by elements of Baroque music, Bach in particular. I found, however, that there were limits to the approach –there were only so many levels of superimposition that might be readable, and so settled on a kind of visual canon, juxtaposition rather than fusion, as an organizational solution–. This required the invention and construction of an insanely complicated optical printer that allowed me to integrate images in a more controlled way, and Analogies (1977) was a second attempt to try to understand the laws of this new format. The first attempt was shot in 8mm and ended up in a film called Studies in Diachronic Motion (1975). (This was all inspired, too, it must be said, by a vision I had while on my first LSD trip in 1965 during which I observed a Japanese couple making love in the thousands of tiny spaces between the weaves of a napkin; their motions were displaced in time and I was transfixed by the whole experience, vowing to try to find a way to capture the experience. Ten years later I was able to do this…)

It seemed logical, in this context, to turn to musical form for the sound as well, and to try to echo the rhythmic understructure of the image with a similar configuration of sounds. I had been much impressed by a series of lectures presented by Slavko Vorkapich at the Museum of Modern Art in New York City in the sixties, during which he talked about the “kinaesthetics” of the medium. I saw sound as a means (perhaps the more important) along with image, of provoking a muscular, as well as visual/intellectual/verbal, response. And, too, many of my generation were inspired by Phillip Glass, Harry Partch, and Steve Reich, as well as by the work of those exploiting tape recorders to construct new kinds of sonic experience.

So, in Analogies you’ve the sound of the optical printer, an empty hallway, a drum, an automobile engine slowed down, a developing tray struck and slowed down, piano strings being struck, and what purports to be synch sound (footsteps) but which was actually post-dubbed. These are all percussive in nature and intrigued me by virtue of the way a vernacular source could give rise to something “mysterious and strange.” (Prospero’s words in The Tempest) Indeed this has animated much of my work, particularly in the more recent The Indeserian Tablets (2014).

The Man Who Could Not See Far Enough (1981) Peter Rose

On to The Man Who Could Not See Far Enough. Having figured out the basic laws that characterized “diachronic motion” I then wanted to apply these to the articulation of something more personal, more poetic, and more evocative, and so I tried to assimilate the approach to a grander ambition.

"The Prologue" is interesting. I had written the text while traveling in the Caribbean in the late sixties and liked the way it seemed to apply to the game of hide and seek being played by the shadow of the car. I tried narrating it in English but found it hideously dull and thought that perhaps a voice speaking another language might bring a little gravitas and register to the occasion. It seemed arbitrary to settle on any particular tongue and so I thought I’d invent a language for the occasion. Several weeks of improvisatory articulation led me to develop a kind of right-brain talent for riffing in what sounded like a language. And so I “translated” each line into what sounded like it might be a semantic equivalent, taking cues from the etymology and rhythm of the English utterance. (I later exfoliated this approach into a much more complex investigation called Secondary Currents (1982)…).

Moving on: the second section, titled “One”, actually, is a visual representation of what I understand to be “klangfarbenmelodie”, tossing around a melodic idea between different instruments. Here the landscape is, in effect, tossed around by the force of Time –we see a consistent subject but it has been refracted by weather and time of day–. (This particular section took me a year to make; I composed and executed many different scenarios but this was my favorite). The melody here, too, is tossed around between different instruments so there is a fairly literal relationship between sound and image.

“Two” is pretty self-explanatory, although it is fun to note that the sound of impacts, made occasionally throughout the film as if they were made by cars hitting struts on the bridge, was actually made by dropping a chair on a bare floor and adding a little echo. Too, the voice moves from a vaguely interior space throughout most of the narration and out into an exterior soundspace at the end.

The Man Who Could Not See Far Enough (1981) Peter Rose

“Three” was shot during total solar eclipse of the sun. I’ve seen three eclipses and they are so totally overwhelming that it is difficult to shoot in any objective way. This particular event took place off the coast of Mauritania when I was on a boat with a bunch of astronomers who also wanted to observe the event. I wanted to document the way the sky changed, rather than concentrating on the details of the eclipse itself. That was, I thought, the source of the power of the moment. The multiple image is directly inspired by the music of Steve Reich insofar as it devolves upon unpredictable structures that arise when predictable cycles of different lengths are juxtaposed. It starts out seeming to be completely ordered, but then it seems chaotic, and then it returns to another kind of order –like a sign being given–. This is all the consequence of the algorithm I used to construct the compound image. But the sound is actually generated by my voice –I thought of it as the “sound of light”–.  The screams of the astronomers were recorded on location during the event.

Part "Four" is too complex to be described verbally. Suffice it to say that we see a hemisphere of space that revolves, like a kind of astronomical instrument, and which presents us with an perfectly coherent image of the sky and yet a fractured and fragmented image of the viewer. And yet there are no cuts…. Sound was made by recording running water and slowing it down.

Finally, part "Five" is pretty self-explanatory. As backstory, I’ve climbed around ten bridges, most without permission, and thought it would be fabulous (taking the term in its original meaning) if I could climb the most iconic bridge in North America. I had originally been given permission to go up in November, and had intended to go up to the first tower only, but the weather was bad and, in the interim, I realized that I had to cross the whole bridge if it was to be about “passage” rather than “conquest.” The final image is modeled on Peter Bruegel The Elder’s Landscape with the Fall of Icarus (1555), wherein the protagonist is so small as to be almost invisible. The track was taken from Ornette Coleman’s Skies of America (1972), but I superimposed the music over itself with a one measure delay, trying to suggest an immense space through sound and resonating with some of the thinking, certainly, behind Analogies. When I showed it, upon a fortuitous occasion, to Ornette Coleman he summarized the film in the most marvelous way. He said:

“I see what this film is about…..It’s about the Open”.

In all of this I’ve been immensely impressed and inspired by the work of many: Michael Snow, Peter Greenaway, Steve Reich, Phillip Glass, Hollis Frampton, Harry Partch, Sid Caesar and Maya Deren.

Analogies: Studies in the Movement of Time (1977) Peter Rose

Insular – Ramon Masats

Insular (1971) es un de los trabajos fílmicos españoles más significativos en relación a la conjunción entre nuevas músicas y experimentación visual. La búsqueda de asociaciones formales es una de las constantes en una película en color que documenta  los paisajes, las poblaciones y las gentes de Lanzarote a lo largo de veintiséis minutos. Rodado en 35 milímetros y producido por Radio Televisión Española, Insular es un filme documental, visualmente espectacular, auditivamente inquietante. Tras el título de los créditos iniciales aparece una indicación del todo ilustrativa de lo que vendrá a continuación: “Seis temas de Luis de Pablo visualizados por Ramón Masats”. Esta es la explicación previa a la aparición de un primer plano del mismo compositor activando  un magnetófono. Este subtítulo explicativo permite intuir que el sonido se ha realizado anteriormente a la filmación. Estamos ante una propuesta fílmica donde el sonido directo, los diálogos y las voces en off quedan completamente descartados. Son los temas musicales los que marcan la pauta de un filme vibrante, de factura impecable. Cesuras (1963), Ein Wort (1964), Módulos III - a (1967), Módulos V (1967), Polar (1961) y Imaginario II (1967-68) son los títulos de los seis temas incluidos a lo largo del trabajo. Cada uno de ellos concreta la representación de algunos de los aspectos más destacados de esta isla del archipiélago canario. El primer bloque visualiza un paisaje desértico hecho de arena, rocas, montañas y volcanes. Alternando planos de detalle con planos aéreos filmados desde un helicóptero, se promueve un ritmo acelerado determinado por continuas panorámicas laterales, bruscos travellings hacia adelante y frenéticos montajes que rivalizan con los cortes de notas aleatorias de percusiones, violines e instrumentos de viento. Ein Wort amplía la representación paisajística acercándose a poblaciones de las que emergen diferentes fachadas de habitáculos. Paredes, puertas y ventanales crean sinergias con sonidos disonantes improvisados. Las salinas de las zonas costaneras y los rituales de sus trabajadores acaparan el imaginario del tercer bloque, mientras los demás temas quedan ilustrados por elementos tan dispares como danzas tradicionales de gentes disfrazadas, entrenamientos de lucha libre en la playa o ridículos paseos de turistas sobre dromedarios.

En esta producción fotografiada por Federico G. Larraya y montada por José Luis Berlanga, Ramón Masats consta como guionista y realizador. La música de Insular está interpretada por músicos pertenecientes al grupo instrumental Alea dirigido por José María Franco Gil, la Orquesta sinfónica de la R.T.V.E. dirigida por Odón Alonso y el Conjunto de Música Contemporánea de Madrid, al frente del cual se halla Enrique G. Asensio. Entre los solistas tan solo se citan –en los créditos finales– la mezzosoprano Anna Ricci y el organista Gerd Zacher. Todos ellos participan en una banda sonora vibrante, rica, a ratos lúgubre, marcada por instrumentos acústicos, cuerdas vocales y distorsiones de las grabaciones. Manuel Palacio y Eugeni Bonet ya observaron los vínculos que se establecían entre los sonidos y las imágenes, no tanto desde un punto de vista semántico, sino desde cierta perspectiva estética. Para ellos la visualización de los temas musicales trataba de favorecer “correspondencias formales, rítmicas y asociativas”. Es decir que la realización final de Masats no es solo un ejercicio de documentación de una zona geográfica concreta sino también una propuesta artística sorprendentemente fresca determinada por la dialéctica entre los instrumentos sonoros y los cinematográficos. 

Karl Lemieux – Godspeed You! Black Emperor

El miércoles 31 de octubre de 2012 la banda Godspeed You! Black Emperor ofreció un directo en la Sala Apolo de Barcelona para presentar su último disco “Allelujah! Don’t Bend! Ascend!”. El concierto de los de Montreal vino acompañado por las proyecciones fílmicas de Karl Lemieux. Cuatro proyectores de 16mm, decenas de loops de unos pocos segundos y unas cuantas bobinas de filmaciones en blanco y negro fueron los elementos cinematográficos de los que se sirvió Lemieux para ilustrar visualmente unos temas musicales específicamente instrumentales.

Este cineasta experimental, influenciado por las enseñanzas del artista multidisciplinario Pierre Hébert, ha realizado piezas de animación y cortometrajes de experimentación narrativa desde los años noventa, especializándose en colaboraciones musicales con Franscico López, BJ Nilsen, Lee Ranaldo y performances con miembros de A Silver Mt. Zion, Set Fire to Flames y Arcade Fire. Karl Lemieux es uno de los co-fundadores de Double Negative, un colectivo de artistas audiovisuales interesados en el cine, el vídeo de creación y las instalaciones artísticas, iniciado en 2004 en la ciudad de Montreal.

En el concierto de GY!BE el artista visual utilizó decenas de técnicas asociadas al desarrollo estético del cine experimental, reveladas como un conjunto vibrante de multiproyecciones vinculadas al expanded cinema. Combinando los cuatro proyectores fílmicos, obstruyendo parcialmente la luz del proyector o introduciendo materiales transparentes delante de la lente –para distorsionar la imagen resultante en la pantalla–, Lemieux demostró un conocimiento de la técnica fílmica y de sus posibilidades artísticas. El canadiense concretó unos visuales que acompañaron el tono apocalíptico, hermético y robusto del sonido, mediante filmaciones paisajísticas, bucles monocromáticos de manchas abstractas, fragmentos de cine sin cámara y texturas fotoquímicas parpadeantes, inevitablemente relacionadas con el cine matérico.

El uso de la doble pantalla se reveló des del principio como una opción estética de infinitas variantes. Alternando los proyectores Eiki, Lemieux iba añadiendo capas de filmaciones que enfocaba y desenfocaba progresivamente, para hacerlas desaparecer de modo prácticamente imperceptible. Unas manchas laterales que parecían una refilmación de la nieve televisiva vinieron sucedidads por la palabra "Hope" escrita directamente a mano sobre unos pocos fotogramas. El temblor de las letras sobre la pantalla anunció un sinfín de capturas de textos escritos, planos de ingeniería, fotografías antiguas y fragmentos de material encontrado presentados como un collage fílmico en positivo y negativo, indistintamente. El primer bloque se cerró con unos fotogramas estáticos quemados parcialmente por la potencia de la luz del proyector, al impedirse su avance.

El segundo tema constó de una filmación original a una sola pantalla. Se trató de una película documental hecha de registros de la naturaleza con rasgos artificiales: mares, plantas, árboles y paisajes montañosos, filmados en travelling desde coches y trenes. Perforaciones e inscripciones laterales del celuloide demostraron la habilidad de Lemieux con el optical printer –artilugio que permite el copiado de fotogramas, donde el celuloide es utilizado como materia prima–. Dos imágenes iguales de un paisaje desolador, con una pequeña casa abandonada en el margen derecho, se proyectaron en bucle simultáneamente. Cambios de tonalidad, suciedad y rayaduras de naturaleza matérica dieron paso a manchas expresionistas monocromáticas realizadas con productos químicos. Unas filmaciones finales en color de hogeras y fábricas resplandecientes, en tonos cálidos, avivaron el fuego con los diferentes intervalos de tiempo practicados durante la filmación. Tras más de dos horas de concierto el resultado fue una asombrosa improvisación audiovisual de cine analógico en directo, un fascinante despliegue de soluciones cinematográficas herederas de la experimentación fílmica.

En una reciente entrevista a Brett Kashmere titulada Against the Current: A Two-Part Interview with Karl Lemieux (and Daïchi Saïto) –de la influyente publicación INCITE–, Lemieux afirmaba su interés por la música en directo y la interactuación fílmica: “I prefer music to film. It’s something I wish I could share in. (…) I think that’s what brought me to performance, because it involves controlling an instrument. But instead of sound rhythms or sound vibrations its light rhythms and the physical experience of light.” Aspectos que demuestran el deseo de Karl Lemieux por interactuar en directo con la música, sugiriendo estados anímicos durante el devenir de la actuación, mediante filmaciones abstractas, líricas o poéticas, transformadas en vivo como propuestas expandidas, indudablemente inspiradoras.

Hiss Tracks (2011) Karl Lemieux

Cau d'orella 2012 – Alcoz/Capote/Martín

El 31 de marzo de 2012 es el último día de las jornadas de música electrónica Caudorella. En el Antic Teatre se ha programado un conjunto de actuaciones entre las que se encuentra la propuesta sonora y fílmica de Juan Matos Capote, Óscar Martín y un servidor. El directo que se ha planteado combina la puesta en práctica de los sonidos del Circuit Bending del primero con el Lap-Top y el software DIY Pure Data del segundo. Microsonidos, errores digitales, silencios y ruidos analógicos son algunas de las formas sonoras, improvisadas en vivo, destinadas a vincularse con filmaciones en super 8 blanco y negro, proyectadas intuitivamente a menos fotogramas por segundo de lo habitual. Paisajes naturales registrados bajo intervalos de tiempo variables y recorridos callejeros filmados frame a frame son algunas de las imágenes cinematográficas preparadas para la ocasión.

Más información

Monocrom 2 (2012)

Festival PLAY 2012 – Cine en directo

La Casa Encendida de Madrid acoge una nueva edición del Festival PLAY. Las seis actuaciones programadas entre el jueves 29 y el sábado 31 de marzo siguen la idea de plantear un cine en directo, un espectáculo en vivo vinculado tanto a las artes escénicas como a la música improvisada. El comisario Andy David ha preparado seis sesiones de artistas visuales internacionales, celebradas a lo largo de tres dáis. El jueves Sally Golding proyecta películas en 16mm filmadas y reveladas por ella misma sobre su cuerpo, elaborando una propuesta estética cercana a las fantasmagorías del pre-cine. Ese mismo día Makino Takashi presenta el cortometraje Generator sobre la catástrofe de Fukushima. Las sonidos del músico de improvisación norteamericano Jim O'Rourke acompañan esta reflexión visual sobre un territorio devastado. El viernes es el turno de Anharmonium y La Chambre Des Machines. En el primer concierto el holandés TeZ combina imágenes abstractas con sonidos cuadrofónicos. Los segundos remiten a los Intonarumoris de Luigi Russolo con instrumentos ruidosos fabricados por ellos mismos sincronizados con animaciones registradas del Zootropo. El sábado 31 el productor musical Dan Hayhurts y el artista visual Reuben Shuterland vincularán un collage sonoro con animaciones estrobsocópicas. Finalmente Martha Colburn dispondrá su artilugio de objetos ópticos, transparencias pintadas y filmaciones animadas con recortables, junto a la música del saxofonista Hayden Chisholm y el compositor Juan Felipe Waller.

Generator (2011) Makino Takashi

BAFICI 2012 – Offf PDV: ¡Retaguardia!

La nueva edición del festival BAFICI de Buenos Aires se celebra del 11 al 22 de abril. Durante estos días la ciudad argentina acoge una muestra del cine internacional más representativo de la actualidad. Más de un centenar de largometrajes de decenas de nacionalidades diferentes forman parte del programa de un macro festival cinematográfico en el que hay cabida tanto para Gérard Courant como para Grant Gee. Entre los filmes de Teresa Arredondo, Raya Martin, Isaki Lacuesta y Óscar Pérez también se encuentra la propuesta Offf PDV: !Retaguardia! realizada en homenaje al festival Punto de Vista de Pamplona. El conjunto de piezas elaboradas para la ocasión se proyectarán seguidas en la sección Cine + Cine. Estos 73 minutos fueron remontados mediante material de la web YourLost Memories por Greta Alfaro, David Ferrando Giraut, Daniel Cuberta, Andrés Duque, Lluís Escartín, Fernando Franco, Virginia García del Pino, Kikol Grau, Los Hijos, Isaki Lacuesta, Víctor Iriarte, Enrique Piñuel y un servidor. Los temas musicales los aportaron grupos nacionales cercanos a la escena musical independiente como son Almanaque Zaragozano, Javier Corcobado, Germán & Co., Don Simón y Telefunken, El Teatro Magnético, Kokoshca, La Débil, Laia Escartín Eclectic Jam, Mursego, Remate y Salvaje Montoya. El resultado general debe ser extremadamente caótico, pero también lúdico, fresco y desenfadado.

Una canción de amor (2012)

Flux Club 2012 – Albert Alcoz

6 Ft (2011)

FLUX CLUB  El nou club de vídeo de Barcelona
Lunes 12 de marzo a las 21h

Proyección y coloquio: Albert Alcoz
Sesión que aborda diferentes perspectivas de la técnica del found footage. La apropiación de metraje fílmico, los montajes sitemáticos, los recursos plásticos del cine sin cámara, la abstracción y la refilmación quedan ejemplificados en una sesión dividida en tres bloques concretos: uno de videoclips montados bajo nociones sistemáticas; otro de filmaciones experimentales manipuladas directamente sobre el celuloide y un tercero formado por piezas que proponen transformaciones narrativas mediante la refilmación y el desmontaje.

Programa de la sesión:

6 Ft 2011_4 min
Send me a copy 2011_5 min
Planta carnívora 2009_2 min
Aterganiv 2008_3 min
Elephants’ test 2005_5 min
Weird War 2011_9 min
Home Movie Holes 2009_3 min
Nif fin 2007_3 min
L’último paradiso 2008_7 min

44 minutos aprox.

Antic Teatre
c/ Verdaguer i Callís, 12
08003 Barcelona

Sonic Acts XIV – Travelling Time

De Tijd (2008) Bart Vegter

Del 23 al 26 de febrero de 2012 se celebra en la ciudad de Amsterdam el festival Sonic Acts. En su decimocuarta edición esta muestra centrada en la "exploración del arte, la música y la tecnología" titula su apuesta como Travelling Time. Con este término se presentan cuatro días de conciertos, performances, conferencias y exposiciones que buscan sugerir nuevas percepciones relacionadas con el tiempo. Los cambios producidos en la noción del tiempo por las nuevas tecnologías, el sentido temporal transformado por la velocidad de la comunicación digital y la vinculación de las máquinas con la experiencia humana, son algunos de los conceptos dispuestos en un programa musical, expositivo y audiovisual formando por música en directo, proyecciones fílmicas y demás propuestas artísticas. Decenas de músicos electrónicos, improvisadores acústicos y artistas sonoros forman el grueso de un programa en el que también se incluyen figuras del cine experimental clásico, del videoarte y de las nuevas propuestas gráficas de la imagen en movimiento. Los cineastas de animación Norman McLaren, Robert Breer y René Jodoin comparten espacio con programas fílmicos e instalaciones audiovisuales en los que se hallan los nombres de Peter Kubelka, Paul Sharits, Barbara Hammer, J. J. Murphy, Timothy Druckrey, Ryohel Shimada, Bart Vegter y Ian Helliwell, entre muchos otros.

Descargar programa completo Sonic Acts XIV

Rectangle and rectangles (1984) René Jodoin

Letrattone Leader (2009) Ian Helliwell

Recomendaciones para hoy

 

Portadas de los DVDs: Enthusiasm (1931) de Dziga Vertov (2005-2006), Optical Sound Films (1971-2007) de Guy Sherwin, Sonic Fiction, Synaesthetic Videos from Austria (2005) y The films of Franciszka and Stefan Themerson (2007).