Proyección, diálogo, concierto – Michael Snow

 

Piano Sculpture (2009)

El 4 y el 5 de noviembre el CaixaFòrum de Barcelona invita al artista canadiense Michael Snow, uno de los máximos representantes del cine estructural. Este artista multidisciplinar proyectará sus trabajos recientes, mantendrá un diálogo con la comisaria Gloria Moure y, finalmente, interpretará un concierto de música improvisada junto a Aki Onda y Alan Light .

Programación:
Viernes 4 de noviembre, 19.30 h.
Diálogo entre Gloria Moure y Michael Snow.

Sábado 5 de novembre, 21.00 h.
Concierto de Aki Onda, Michael Snow i Alan Litch, tres nombres indiscutibles de la música avanzada, la música electrónica y la imporivisación sonora. Light es componente del grupo Text of Light y ha escrito el libro Sound Art.

Michael Snow, sintetitzador, radio, piano
Alan Licht, guitarra, electrónica
Aki Onda, cassets, electrónica

Paralelamente en el Canal Visual de la Mediateca se proyectarán piezas recientes y algunas de las películas más representativas del artista durante los días 4, 5 y 6 de noviembre.

Puccini Conservato (2009)

El zoom en "Wavelength" de Michael Snow

Publicado en la Revista Pausa.
Octubre 2009. Especial "El zoom"



Wavelength (1967) del canadiense Michael Snow es la película fundacional del cine estructural y uno de los títulos clave del cine experimental estadounidense de la década de los sesenta. Jonas Mekas y P. Adams Sitney fueron los dos personajes clave para elevar su recepción a la categoría de clásico instantáneo del cine de vanguardia. El primero lo escogió para recibir el noveno Independent Fim Award que otorgaba anualmente la revista Film Culture, desde que en el año 1959 inauguraran los premios al cine independiente norteamericano, con el objetivo de promocionar y autopublicitar el New American Cinema. El segundo lo utilizó como ejemplo canónico de lo que era el cine estructural, en un artículo titulado Structural Film que apareció en el número 47 de la revista Film Culture (verano de 1969). Y lo hizo para reflexionar sobre una serie de tendencias estructurales que el crítico e historiador detectó en un conjunto de cineastas principalmente interesados en las posibilidades cinemáticas del medio, desde posturas conceptuales, de contenido narrativo prácticamente nulo. "La forma de todo el filme está predeterminada y simplificada, y esa misma forma es la impresión fundamental del filme". Con estas palabras el teórico norteamericano P. Adams Sitney explicaba una serie de metodologías cinematográficas ordenadas taxonómicamente por parte de Tony Conrad, Hollis Frampton, Ken Jacobs, Ernie Gehr y Michael Snow, entre otros. Las posibilidades exclusivas del dispositivo cinematográfico servían como motivos para elaborar unos filmes minimalistas que entroncaban con las teorías del arte de la época, aquéllas que defendían la desmaterialización del arte, el concepto o la idea como obra en sí. La refilmación, el efecto flicker, la repetición en bucle y la cámara fija fueron cuatro características del cine estructural, de las que Wavelength sólo tomaba la última, pero hasta sus últimas consecuencias.

Principalmente Wavelength es una película de 45 minutos solucionada como un zoom continuo desde una posición fija, que avanza asépticamente por una amplia habitación hasta dar con una fotografía en blanco y negro. Una cámara de 16mm sustentada sobre un trípode a unos dos metros de altura encuadra un ángulo ligeramente inclinado hacia abajo, que muestra el interior de un loft neoyorquino. Al inicio el espacio definido por la cámara consta de una habitación prácticamente vacía en plano general, iluminada por unos ventanales alargados situados en la pared frontal. Es por ahí por donde se introduce una luz diurna que va cambiando de intensidad a lo largo del trayecto óptico. Unos pocos personajes que entran en la habitación desde una puerta situada en el margen inferior izquierdo plantean la posibilidad de un contenido narrativo, negado al instante por el modo en que el punto de vista de la cámara se desentiende de lo que ocurre a su alrededor. Es como un avance mecánico predeterminado que ignora ese cuerpo desfallecido (el mismo Hollis Frampton) y esa llamada telefónica de la chica que lo ha descubierto. Pero si suceden algunos incidentes provocados por los tres personajes que llegan a acudir al espacio (como la escucha por parte de uno de ellos del tema Strawberry Fields Forever de los Beatles), su posible interés queda relegado siempre a pura anécdota. El acercamiento del zoom y ese zumbido que lo acompaña en la banda sonora son los que se adueñan de la situación. Con la llegada del tramo final hay una saturación de cromatismos y dobles exposiciones, puntuados por ese pitido progresivamente ensordecedor. La longitud de onda a la que se refiere el título remite así al espacio trazado fílmicamente por el objetivo, a la variación de la frecuencia sonora y a la fotografía paisajística que queda encuadrada al final. La reproducción de la superficie de un mar revuelto es la imagen estática que el zoom de la cámara de Michael Snow alcanza a enmarcar. Con las olas del mar se añade otro elemento a tener en cuenta respecto al significado del título del filme, cerrando así una distancia delimitada previamente que viaja del interior de la habitación al exterior de la estampa oceánica.

El objetivo de distancia focal variable funciona aquí como un dispositivo óptico que, variando lentamente la representación fílmica del espacio en su progresivo acercamiento, transforma la dimensión perceptiva del lugar a lo largo de 45 minutos inquietantes. En ellos el espectador no deja de imaginar y descartar posibles tramas narrativas. Alcanzar los conceptos amagados tras una resolución sistemática, utilizada como cuestionamiento del valor de la representación fílmica, las potencialidades de la cámara, los artilugios que pueden ensanchar sus posibilidades y la reflexión que suscita todo ello, parece ser el motivo último de un film excepcional. Su procedimiento analítico anunciará otras obras de mayor calado como Back and Forth (1969) y La Région Centrale (1971). Dos títulos misteriosamente sobrecogedores realizados por el mismo Michael Snow, un artista sin igual en toda la historia del cine.

Michael Snow - 05.05.09 > 13.06.09

La galeria àngels barcelona presenta hasta el 13 de junio tres piezas del cineasta canadiense Michel Snow. El máximo referente del cine estructural y uno de los artistas multidisciplinares más emblemáticos del arte contemporáneo (su obra abarca la fotografía, la pintura, la música, el cine y el vídeo; a menudo desde un punto de vista conceptual) exhibe tres obras en formato videográfico. "The Corner of Braque and Picasso Streets" se engloba dentro de la noción de videoinstalación. Encuadrando con la cámara la confluencia de las dos calles del exterior de la galería, Snow documenta ininterrumpidamente el flujo incesante de personas y automóviles, proyectando el resultado sobre una estructura volumétrica de cubos blancos. La imagen resultante queda desfragmentada a modo de cubismo analítico. La descomposición de la imagen y el modo de presentarla le permite reflexionar sobre nociones de site specific, time specific, screen art y videovigilancia. "Condensation- A Cove Story" utiliza el recurso tecnológico del time lapse para representar un paisaje que fluctúa entre el estaticismo del marco y el dinamismo de los cambios metereológicos. Las transformaciones lumínicas sucedidas en las montañas y la costa de un paisaje idílico canadiense quedan acelerados y comprimidos junto al oleaje del mar. El dispositivo captura el devenir del tiempo, expandiendo y extendiendo su huella. "See You Later / Au revoir" continúa el estudio de las capacidades perceptivas de la cámara para trazar una pieza que admite consideraciones sobre la capacidad de interpretación.

La exposición se complementa con una serie de proyecciones que muestran algunos de los trabajos más representativos de Michael Snow y algunas de sus creaciones recientes. El ciclo de proyecciones incluye películas clásicas del cine experimental como Wavelenght (1967), y piezas más recientes como Reverberlin (2007) o Triage (2005).



(En las imágenes "The Corner of Braque and Picasso Streets" y "Condensation- A Cove Story")

45 films against the grain - 45 películas contra dirección

THE ART OF FILM
by Michael Snow

My having the honor to present some of my films and to play a solo piano concert at Xcèntric in May 2006 gave me the opportunity to meet and work with the Xcèntricians.
What they are doing and how they are doing it deeply impressed me.
There is an informed commitment to the fact (surprisingly little understood in the worlds of art, of painting and sculpture, of museums) that since the 1900s visual artists have been working with film as a medium, as a support (like canvas), independent of the "movie" business (which of course has "artists" too).
This area of artistic activity for some reason became more or less detached from the Museums of contemporary art and from the narrative film business and became identified as "Experimental Film".
The very varied body of work that has been produced and is being produced and presented under that categorical title shares one aspect - the work concentrates on the pictorial nature of the medium (not for eg. its story-telling capacities).
I had the good luck to live in New York City from 1962 to 1972, a period of great creativity in the "Experimental Cinema" (also known as Underground Cinema" in those days).
The historically informed decisions as to what work to present and how to properly present it (in the area of "film as art") by Xcèntric are amongst the best in the world today. (maybe Xcèntric is the best!). The commitment to and pleasure in "film-art" manifested by the Xcèntricians reminds me of the great force that Jonas Mekas was for "film-art" in New York in the 60s and after (and today!).
When I lived in New York he wrote a very influential column in the Village Voice, he was an editor of Film Culture, a great film magazine, he led the organization of new film distriubution with the founding of the New York Filmmakers Coop, and most important he organized/ curated regular screening in several theaters in New York. This activity culminated with his leading the creation of Anthology Film Archives, emphasizing the historical importance of the aesthetic achievements of the so-called "Experimental Cinema". As well he's a wonderful filmmaker!
Yes it's his deep appreciation of creativity in the use of the use of the film medium and desire to have as many art aficionados experience and appreciate that creativity that reminds me of the wonderful Xcèntricians I have seen in action in Barcelona.

June 2006

(More information: http://www.cccb.org)

La Région Centrale – Michael Snow

¿Es La Région Centrale la obra cumbre del cine estructural? El viaje aéreo que propone Michael Snow durante 190 minutos, es un auténtico tour de force cinematográfico, conceptualmente impecable realizado el año 1971. Una cámara específicamente diseñada para la película permite controlar por ordenador un sinfín de desplazamientos panorámicos laterales y verticales, movimientos circulares que invierten la sensación de la gravedad y zooms que, más que mostrar nuevos encuadres, ocultan el entorno al que pertenecen. El paisaje del pico de una montaña situado en el norte del Quebec, queda definido y rastreado en toda su magnitud mediante imágenes, permanentemente móviles, que aceleran su ritmo a medida que avanza la película. El cielo azulado de nubes difuminadas contrasta con el terreno arisco, prácticamente lunar, de la zona montañosa. Sin rastro alguno de presencia humana, más allá del carácter artificial de las sombras proyectadas en el suelo por el propio aparato fílmico; Snow selecciona diferentes fragmentos (filmados en 16 mm a lo largo de cinco días) que formalmente desvelan la aproximación a su propio dispositivo tecnológico. Una abstracción sonora hecha de zumbidos electrónicos agudos y texturas atmosféricas concuerdan, de vez en cuando, con las secuencias de desplazamientos. El ímpetu por representar el paso del tiempo a lo largo de un día queda definido por la progresiva oscuridad y la consecución de la noche, personificada en unos planos de la Luna, estéticamente cercanos al film Moonplay de Marie Menken. El amanecer se corresponde con el despertar, con la llegada de un nuevo día y con un clímax final frenético, apasionadamente abstracto. Los ocres de la tierra y los azules del cielo casi se superponen cuando la cámara alcanza su máxima velocidad, finalizando una película sin precedentes (quizás Back and Forth del propio Snow?) que es una experiencia impactante, mareante, analítica y desconcertante que tiene mucho de visionario y de alquimista. Incluso un tanto de quiromántico.

Michael Snow – Miguel Nieve – Miquel Neu

Apasionante fin de semana el ofrecido por el quinto aniversario de la programación de Xcèntric. Dos sesiones dedicadas al prolífico cineasta, músico, fotógrafo y artista multimedia Michael Snow. El sábado día 20 se proyectó Triage, una de sus más reciente películas (celuloide manipulado químicamente y profusión de imágenes a un solo frame). Posteriormente el propio Snow ofreció un concierto de piano marcado por la improvisación y regido por su vitalidad (piano preparado con una percha de plástico y atacado a modo de artes marciales). Al día siguiente se mostró ilusionado, y partícipe, al ser objeto de una película en super 8 creada por dos cineastas prometedores tomando como referencia su obra fotográfica Cover To Cover (un paseo filmado simultáneamente por delante y por detrás).
Ese mismo día el CCCB ofreció, para deleite de los asistentes que estuvieron hasta el final, la mítica Wavelenght (pionera del cine estructural, término acuñado por el crítico P. Adam Sitney), A to Z, New York Eye and Ear Control y la decisiva, incisiva y sorpresiva Back and Forth.