No Hay Camino – Soy Cámara

No hay camino (2020)

Soy Cámara CCCB online

Caminar es una forma de conocimiento, un modo de explorar las posibilidades y los límites del entorno a través del cuerpo. En el proceso de hominización, el bipedismo señaló simbólicamente el nacimiento de la especie humana y desde entonces, caminar ha sido una actividad esencial en el desarrollo y la vida de las personas. Pero la urbanización y la privatización del espacio natural dificultan la acción de caminar libremente, como también lo hacen los imperativos del rendimiento, la optimización y la productividad. No hay camino revisa algunos de los significados antropológicos, sociales y filosóficos del caminar, y pone de manifiesto las resistencias que se oponen a esta práctica en la contemporaneidad. La narración visual se construye a través de referencias videográficas y cinematográficas y, de manera especial, a partir de documentación visual de obras de arte que conciben el acto de andar como una práctica artística.

Guion, dirección y montaje: Albert Alcoz y Alexandra Laudo
Voz en off: Alexandra Laudo
Idioma: italiano, inglés, francés, catalán
Subtítulos: Castellano
Duración: 26 min.

"¿Cómo desaparecer?" y "Todas las pantallas oscuras" – Zumzeig

¿Cómo desaparecer? (2019)

El 21 de noviembre se presentan los trabajos audiovisuales ¿Cómo desaparecer? y Todas las pantallas oscuras en la sala Zumzeig de Barcelona. Este cine acoge la proyección de dos trabajos elaborados para el programa Soy Cámara del CCCB. El primero vídeo ensayo está realizado por Ingrid Guardiola, Jorge Luis Marzo y Lúa Coderch; el segundo por Alexandra Laudo y Albert Alcoz. Los cinco realizadores presentarán sendas piezas audiovisuales y entablarán un debate posterior con la audiencia.

"Soy Cámara es un laboratorio de nuevos formatos audiovisuales producido por el CCCB en colaboración con distintas universidades y realizadores. Es un espacio experimental y participativo en el ecosistema de la red que reflexiona sobre los temas más urgentes de la sociedad contemporánea, poniendo énfasis en cómo se producen las imágenes, tanto en los ámbitos tradicionales como en Internet."

Todas las pantallas oscuras (2019)

¿Cómo desaparecer? (2019)

Filmar, comer, amar. Antoni Miralda.

Eat Art with Miralda (1973)

Blitz #22: Miralda audiovisual
Zumzeig sábado 6 de abril a las 20h

Santa Army Navy (1979) 40 min.
Taste Point Charly (1979) 9 min.
The Last Carnival Cruise (1980) 9 min.
Eat Art with Miralda (1973) 13 min.
Monuments in Love (1992) 29 min.

Los cinco trabajos presentados en esta sesión revelan una dicotomía entre la obra filmada en super 8 por Antoni Miralda y la documentación externa de dos de sus proyectos artísticos más emblemáticos. Esta diferenciación inicial, articulada en base a sistemas de producción y puntos de vista dispares, contrasta con el carácter unitario del conjunto. Todas las piezas seleccionadas exploran modos insólitos de representar sus inquietudes artísticas, investigando la idoneidad de las herramientas audiovisuales para concretarlos. Si los tres films iniciales –rodados en formato subestándar– configuran gestos políticos no exentos de poética, los reportajes posteriores –realizados por, o con ayuda de, la televisión– demuestran el vigor de su imaginación y la desbordante magnitud de su empresa.

Santa Army Navy (1979) estudia los valores ideológicos de un ritual militar cargado de motivos simbólicos. El enfrentamiento deportivo entre los equipos de futbol americano de dos academias norteamericanas –el Ejército y la Marina– opera como un cúmulo de connotaciones semánticas relativo al despliegue ceremonial, la estrategia de ataque y la pulsión agresiva. Planos descriptivos filmados a pie de césped visualizan desfiles, jugadores y aficionados mientras diversos himnos ocupan la banda sonora. En ésta sobresale la voz en off del psicólogo Jeffrey H. Goldstein que analiza el trasfondo violento de la terminología deportiva y la fundamentación capitalista que implica su emisión televisiva. Su potencial como actividad sustitutoria de rituales religiosos dominicales queda puntuado por la figura de Santa Claus. Si Taste Point Charly (1979) se detiene en el muro de Berlín, centrándose en las localizaciones limítrofes y las señalizaciones imperativas que dividen la ciudad, The Last Carnival Cruise (1980) avanza pausadamente dentro de un crucero, enfocando su atención en la masa turística. Un montaje ciertamente inquietante pone en crisis los mecanismos de distracción ofrecidos por la tripulación a los viajeros, insertando imágenes ficticias del secuestro de un barco a cargo del Frente para la Liberación de Palestina.

En Eat Art with Miralda (1973) el operador de cámara y editor G.C. Harper –de la KCTVS, la televisión pública de Seattle (EEUU)– elabora un meticuloso seguimiento del proceso de cocción de un banquete. Miralda es la figura principal alrededor de la cual giran vendedores de mercado, cocineros incrédulos y comensales entusiasmados. Cierta discreción propia del cine directo en 16 mm acompaña, sigilosamente, la puesta a punto de un suculento festín de alimentos multicolor. Este carácter expositivo mantiene un tono más divulgativo en Monuments in Love (1992), donde el realizador y productor Jordi Torrent relata las múltiples etapas del Honeymoon Project, la comunión hiperbólica entre el Monumento a Colón barcelonés y la Estatua de la Libertad neoyorquina. Grabaciones in situ, entrevistas a gente del sector, fragmentos de noticiarios y otras imágenes de archivo conforman la imaginería de un documental videográfico que consuma la unión ¬enfatizando lo humorístico, sin excluir la crítica colonialista. Festejando la diversidad cultural, la obra audiovisual de Miralda incorpora trazos etnográficos orquestados como delirios festivos, tan nutritivos como enamoradizos.

Santa Army Navy (1979)

Taste Point Charly (1979)

The Last Carnival Cruise (1980)

Eat Art with Miralda (1973)

Eat Art with Miralda (1973)

Monuments in Love (1972)

Monuments in Love (1992)

Querido Alberto:

Querido Alberto: es el título de una nueva pieza documental que reproduce la lectura de cuarenta y ocho postales de finales de los años cincuenta. El video es un ensayo con rasgos autobiográficos que se inicia con el siguiente texto:

Entre 1958 y 1960, mientras residía lejos del hogar, mi abuelo Albert Viñas i Camps envió decenas de postales a su hijo Alberto Viñas i Barceló. Su puesto como militar en el Sahara español, Las Palmas de Gran Canaria y otros lugares alejados del seno familiar –en Barcelona– implicaba una relación paternal condicionada por el intercambio epistolar. Casi sesenta años después, la lectura de las postales por mi padre Alberto revela aspectos educacionales donde la memoria personal queda atravesada por un contexto histórico desplegado caligráfica y fotográficamente.

Tras estas indicaciones empieza un trabajo de treinta y tres minutos de duración que implica muchas otras cuestiones contextuales. Albert Viñas i Camps fue comandante de infantería de marina. A partir de 1958 estuvo viviendo en El Aaiún, Las Palmas de Gran Canaria, Cádiz y Sevilla mientras su mujer, Rosa Barceló i Altimira, cuidaba de sus seis hijos en Barcelona. Entre ellos estaba mi padre, Alberto Viñas i Barceló, que por aquél entonces tenía ocho años. Las contadas visitas a la Ciudad Condal quedaban remediadas por el envío de decenas de postales a cada uno de los hijos. Las postales que recibió mi padre incluyen fotografías paisajísticas y escenas rurales de los sitios en los que residió su progenitor. También revelan, textualmente, el tipo de educación que transmitía a su hijo.

A finales de 2017 decidí escanear todas las postales por delante y por detrás. Pocos días después sugerí a mi padre que leyera todas y cada una de ellas. Hacía casi sesenta años que no las leía. Registré con una cinta de casete su voz mientras recitaba lo que le escribió su padre, fallecido en el ya lejano 1987. A lo largo de la lectura hubo dos pausas. Una fue resultado de un inconveniente técnico: la cinta magnética utilizada tan solo dura veinte y tres minutos por cada cara. La otra detención vino propiciada por la emotividad de los recuerdos.

La duración del montaje de imágenes viene determinado por el registro sonoro. Un mínimo de intervenciones en la pista de audio evitan escuchar pausas excesivamente extensas o momentos dubitativos propiciados por la dificultad en el reconocimiento caligráfico. Los tiempos de lectura de cada postal condicionan su presentación en imágenes. Fundidos encadenados desvelan el reverso visual de unos textos escritos que, a menudo, anuncian la fotografía opuesta. La rigurosidad en el estudio y la mejora en la escritura son dos de las constantes de unos escritos que desvelan la idiosincrasia de una educación transmitida a distancia. En este enlace se puede visionar un extracto.

From Reel to Real: Women, Feminism and the London Film-makers' Co-operative

Edge (1986) Sandra Lahire

Los días 9, 23 y 25 de septiembre la Tate Modern de Londres celebra el cincuenta aniversario de la London Film-makers Co-operative con un programa de proyecciones dedicado a las películas de las principales cineastas de la cooperativa. Las siete sesiones del ciclo combinan propuestas de cine expandido y films a una sola pantalla realizados desde los años setenta por artistas como Margaret Tait, Anna Thew, Jayne Parker, Sally Potter, Sarah Pucill, Lis Rhodes, Gill Eatherley o Nina Danino. From Reel to Real: Women, Feminism and the London Film-makers' Co-operative demuestra el auge de la consciencia feminista en unas prácticas fílmicas que aquí quedan divididas bajo programas temáticos que vehiculan nociones abstractas como el del tiempo y la memoria con consideraciones formalistas, como aquellas metafílmicas que subyacen en al cine estructural. Estos films ponen en crisis las categorías que sustentan la mirada masculina en el ámbito cinematográfico, vindicando otras lógicas propias para la representación femenina. El activismo político, la representación del cuerpo, las dinámicas del lenguaje y lo inefable de ciertas experiencias emotivas se visualizan en unos trabajos que rechazan la objetivación de la mujer en una cultura eminentemente patriarcal. Al hacerlo exploran la materalidad del film y las posibilidades que emergen en él al reivindicar el papel de la mujer como sujeto de representación.

Focii (1974) Jeanette Iljon

Pictures on Pink Paper (1982) Lis Rhodes

OVNI 2016 – La frontera como centro. Zonas del ser y del no ser

Los Muros de Europa (2015) Fotomovimiento

Del 2 al 6 de marzo se celebra una nueva edición del festival OVNI, Archivos del Observatorio, dirigida a cuestionar las nociones de frontera, migración y colonialidad. La programación consta de un buen número de proyecciones, conferencias y debates organizados para problematizar los sistemas totalitarios criticando sus líneas de actuación. Las visiones excluyentes identificadas a través de la inmigración, los parámetros que rigen la pertenencia a un lugar a través de los documentos burocráticos, las delimitaciones geográficas y mentales producidas por la idea de frontera y la estrechez de miras en relación al papel histórico del colonialismo son algunos de los temas expuestos en un conjunto de documentales y ensayos audiovisuales que promueven otros modos de entender los entresijos políticos, económicos y demográficos de la contemporaneidad. Los largometrajes de Ursula Biemann, Jean Pierre Gambarotta, Xavier Artigas y Xapo Ortega, Jacques Panijel, Göran Hugo Olsson y Rithy Panh, forman el grueso de unas actividades en las que también se proyectan piezas breves. Una serie de presentaciones, intervenciones y debates establecidas a través de enunciados como "Zonas del ser y del no ser en Barcelona", "Occidente: fortaleza mediática", "Sistema de control migratorio, blanquitud y eurocentrismo", "¿Qué hay detrás de las mantas? Muros invisibles en Barcelona", "De la teoría a la práctica descolonial en las calles del Raval", "Todos estamos en peligro (*)" y "La colonización perfumada. La experiencia amorosa de Shaij Ahmadu Bamba (1853-1927)",  completan una muestra ineludible. El programa completo se puede descargar en PDF en el siguiente enlace.

Los Muros de Europa (2015) Fotomovimiento

Concerning Violence (2014) Göran Hugo Olsson

Le Naufrage Negro-Liberal (2006) Sanon Bakary

La France est notre patrie (2014) Rithy Panh

L'Alternativa 2015. 22º Festival de Cinema Independent de Barcelona

Battle (2009) Thomas Chatard & Julien Quentel

Entre los días 16 y 22 de noviembre se celebra una nueva edición de l'Alternativa, un festival que defiende el discurso crítico y la expresión artística como dos de los pilares básicos bajo los que difundir las prácticas audiovisuales actuales. Esta muestra dedicada al cine independiente –alternativo a lo comercial–, aboga por la exhibición de unos trabajos fílmicos en los que emerge "la diversidad, la creatividad, la libertad, el compromiso y la reflexión". Dos líneas competitivas de largometrajes y cortometrajes forman el principal reclamo de una programación en la que también se incluyen decenas de secciones paralelas conformadas por retrospectivas, talleres, conferencias y demás actividades. Desde aquí recomendamos las nuevas propuestas documentales en formato largometraje de Jem Cohen, John Paul Sniadecki, Ben Rivers, Jean-Gabriel Périot y Sergio Oksman; así como los cortometrajes de Robert Todd, Helena Girón y Samuel M. Delgado. De la sección Panorama cabe mencionar las piezas de Florencia Aliberti, Lluís de Sola, Pilar Monsell, Elia Urquiza, Ion de Sosa y Hernán Talavera. Otro de los grandes reclamos de esta edición es el programa dedicado a los laboratorios colectivos independientes que cuenta con una serie de proyecciones que ejemplifican las prácticas sucedidas en espacios como el Etna. Atelier du Cinéma, el Filmlab Klubvizija SC de Croacia, el Filmverkstaden de Finlandia, el MIRE - Cinéma expérimental & image en mouvement de Nantes, el Crater-Lab Film Collective de Barcelona o en colectivos como el Iris Film Collective de Canadá.

Une Jeunesse Allemande (2015) Jean-Gabriel Périot

The Sky Trembles And The Earth Is Afraid And... (2015) Ben Rivers

El ministerio del hierro (2014) John Paul Sniadecki

Counting (2015) Jem Cohen

Courtisane Festival 2014

La Nuit (2014) Robert Fenz

La nueva edición del festival de cine de Courtisane se celebra entre los días 2 y 6 de abril de 2014. Esta muestra celebrada en la ciudad de Gante (Bélgica) consta de programas paralelos de indudable interés como la serie de proyecciones dedicadas al cineasta norteamericano Ken Jacobs. Filmes de Ernie Gehr, Jim Jennings, Abigail Child, Vincent Grenier y Angela Ferraolio acompañan las sesiones de filmes clásicos de Jacobs como Blonde Cobra (1963) u otros mucho más recientes como son Capitalism: Child Labor (2006) y el experimento en 3D The Guests (2013). La sección Across The Margins, Beyond The Pale: Re-imagining The Post-Colonial incluye filmes de Glauber Rocha o Carlos Mayolo y Luis Ospina; mientras The Fire Next Time: Afterlives Of The Militant Images cuenta con títulos de Hito Steyerl, Santiago Álvarez o Ramiro Ledo. Bajo el título Music & Performances se presentan una serie de proyecciones con música en directo como la Nervous Magic Lantern del propio Ken Jacobs –que en esta ocasión se deja acompañar de Aki Onda. Por lo que hace referencia a la amplia sección oficial cabe destacar los filmes de cineastas consagrados del experimental como Morgan Fisher, Gary Beydler, Robert Beavers, Gregory Markopoulos o Robert Fenz.

En este enlace se puede descargar el catálogo completo.

Seeking The Monkey King (2011) Ken Jacobs

Redemption (2013) Miguel Gomes

Utskor: Either / Or (2013) Laida Lertxundi

Am Meer (At The Sea) (1998) Ute Aurand

OVNI 2014 – in Limbo

Fall And Winter (2013) Matt Anderson

in Limbo es el título de la nueva edición del festival OVNI 2014, que se celebrará entre los días 27 de febrero y 2 de marzo, en el CCCB de Barcelona. Los programadores de los Archivos del Observatorio proponen una nueva cita, gratuita, que cuenta con una selección recomendable de vídeos de creación y documentales. El término Limbo con el que se identifica el programa de esta año remite al mundo situado entre los vivos y los muertos, al espacio de almacenamiento donde se envían los archivos borrados y a un cuento de Aldous Huxley. Durante cuatro días se proyectarán trabajos internacionales cuyo eje común es el hecho de cuestionar la situación socio-política y económica actual, exponiendo problemáticas particulares de alcance universal que trazan la posibilidad de visualizar otras realidades más esperanzadoras. La primera jornada viene marcada por iPhoneChina (2013), el nuevo ensayo audiovisual de Christian von Borries –director de The Dubai In Me (2010)– quien, junto a Liu Yan, propone una sociedad distópica donde la empresa Apple es el Estado. El 28 de febrero se muestra 4F (2013) de Xavier Artigas y Xapo Ortega, un documental sobre la ocupación de un antiguo cine –el antiguo "Palacio del Cine" de Via Laietana de Barcelona– reconvertido como "Cine Patricia Heras" en motivo de un grave caso de corrupción policial. Fall and Winter (2013) de Matt Anderson es el gran reclamo de la tercera jornada del festival. Este documental ensayístico expone un trayecto épico por Estados Unidos donde se cuestiona la idea de progreso, visualizando la crisis global y planteando, a la vez, nuevas perspectivas con las que afrontar los retos vitales que deparará el siglo XXI. El realizador Bernard Bloch es el director de De Chair Et De Lait (2013), una producción que reflexiona sobre el ser humano y su relación con los animales a partir de dieciséis casos que sitúan las vacas en en centro de la problemática. Decenas de piezas que van de los 48 minutos de Antibiografies (2014) a los dos minutos de Merry Chrismarker (2013) completan una programación más que sugerente.

iPhoneChina (2013) Christian von Borries & Liu Yan

4F (2013) Xavier Artigas y Xapo Ortega

Merry Chrismarker (2013) Terrorisme d'Auteur

From Deep – Brett Kashmere

From Deep (2013)

El programa de proyecciones Conversations at the Edge (CATE), organizado por el SAIC de Chicago junto al Gene Siskel Film Centre y el Video Data Bank, incluye la presentación del film-ensayo From Deep (2013) dirigido por Brett Kashmere. Este documental experimental es un largometraje que analiza la evolución del baloncesto en Estados Unidos en relación al espectáculo mediático y la práctica diaria por las calles de sus ciudades. Se trata de un trabajo de compilación de 85 minutos de duración que utiliza fragmentos audiovisuales de orígenes diversos para trazar un recorrido transversal cuyos puntos de fuga son tan variados como el poder de las marcas que patrocinan este deporte, los vínculos con la cultura hip-hop o la importancia de la ineludible figura de Michael Jordan. La proyección presentada por el mismo Kashmere, director de la revista INCITE, será el 24 de octubre en el Gene Siskel Film Center de Chicago.

From Deep (2013)

Sentido Común – Luke Fowler

Pilgrimage from Scattered Points (2007)

La Casa Encendida de Madrid empieza el curso con una exposición titulada Luke Fowler. Sentido común. Del 26 de septiembre hasta el 3 de noviembre el centro de arte madrileño acoge las películas de este cineasta escocés en una muestra comisariada por Andy Davis. Un encuentro con este artista distribuido por LUX, programado para el jueves 26 de septiembre, servirá para debatir su metodología, su proceso y su punto de vista a la hora de representar personajes paradigmáticos de la cultura, la historia y la política ingles de los años sesenta y setenta. El compositor de vanguardia Cornelius Cardew, el psiquiatra R. D. Lang y el educador E. R. Thompson son las tres figuras a las que Luke Fowler dedica los tres filmes presentados: Pilgrimage from Scattered Points (2007), All Divided Selves (2011) y The Poor Stockinger, the Luddite Cropper and the Deluded Followers of Joanna Southcott (2012). Como se ha indicado en la nota de prensa, Luke Fowler trabaja con material de archivo, experimentando "con distintos procedimientos sonoros y visuales, reinventando el formato tradicional del documenta (...) a la vez que indaga sobre las ideas de estas personalidades profundamente inquietas". Aquí se incluye una entrevista con el artista a raíz de la selección de títulos de la exposición.

Pilgrimage from Scattered Points (2007)