A Hollis Frampton Odyssey

El sello editorial Criterion acaba de anunciar la fecha de publicación del DVD y Blu-Ray dedicados a la filmografía del cineasta norteamericano Hollis Frampton. A principios de abril se pondrá a la venta A Hollis Frampton Odyssey, una recopilación de las películas más significativas de uno de los realizadores fílmicos más vinculados con lo que se dio a conocer como cine estructural. Esta serie de títulos demuestran coherentemente una concepción cinematográfica regida por nociones filosóficas y  estéticas, tan sistemáticas como tautológicas. Son veinticinco películas filmadas en 16mm, fechadas entre 1966 y 1979, de un artista interesado por el arte conceptual y el cruce de disciplinas, que también se dedicó a hacer fotografías, escribir poesía y ensayos fílmicos. El dispositivo narrativo memorístico empleado para definir las fotografías en llamas de (nostalgia) (1971), el texto escrito teatral desarrollado en Poetic Justice (1972) o la discusión desestructurada de una pareja en crisis en Critical Mass (1971), son algunos de sus mayores logros. Hace cuatro años el MACBA de Barcelona acogió una retrospectiva parcial de su obra, a partir de la cual se editó un libro titulado Especulaciones con algunos de sus análisis más lúcidos sobre el arte del cine.

Contenidos del DVD:

DISC ONE

Early Films Manual of Arms (1966, 17 minutes, Black & White, Silent)
Process Red (1966, 3 minutes, 30 seconds, Color, Silent)
Maxwell’s Demon (1968, 4 minutes, Color/Black & White, Silent)
Surface Tension (1968, 9 minutes, 30 seconds, Color, Monaural)
Carrots & Peas (1969, 5 minutes, Color, Monaural)
Lemon (1969, 5 minutes, Color, Silent)
Zorns Lemma (1970, 60 minutes, Color, Monaural)

DISC TWO

Films from Hapax Legomena
(nostalgia) (1971, 36 minutes, Black & White, Monaural)
Poetic Justice (1972, 31 minutes, 30 seconds, Black & White, Silent)
Critical Mass (1971, 25 minutes, 30 seconds, Black & White, Monaural)

Films from Magellan
The Birth of Magellan: Cadenza I (1977–1980, 6 minutes, Color, Monaural)
Pans 0–4 and 697–700 (1974, 1-minute each, Color, Silent)
INGENIVM NOBIS IPSA PVELLA FECIT, Part I (1975, 5 minutes, Color, Silent)
Magellan: At the Gates of Death, Part I: The Red Gate I, 0 (1976, 4 minutes, 20 seconds, Color, Silent)
Winter Solstice (1974, 33 minutes, Color, Silent)
Gloria! (1979, 9 minutes, 30 seconds, Color, Monaural)

Leer las imágenes, leer el tiempo - MNCARS

Del 6 al 22 de junio de 2011 el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid organiza un ciclo de proyecciones con películas de algunos de los nombres más relevantes del cine de vanguardia norteamericano. Hollis Frampton, Bruce Baillie, Robert Beavers, James Benning, Carolee Schneemann y el griego Gregory J. Markopoulos son algunos de los cineastas tomados en consideración en Leer las imágenes, leer el tiempo. Los comisarios Francisco Algarín, Alfredo Aracil y Abraham Rivera han elaborado seis sesiones para "...mostrar el devenir del tiempo más allá de toda lógica o efecto causal". Apoyándose en las tesis del teórico de la imagen Georges Didi-Huberman expuestas en Atlas, los programadores han seleccionado un conjunto heterogéneo de películas para reflexionar sobre la representación fílmica del pasado, el presente y el futuro de la Historia,

Programa completo:
Sesión 1. La imagen dialéctica: Hollis Frampton
6 de junio

Straits of Magellan: Drafts&Fragments (Panopticons), 1974, 16 mm, 27’.
Apparatus Sum (Studies For Magellan #1), 1972. 16 mm., 3’.
Winter Solstice (Solariumagelani), 1974. 16 mm., 33’.
Otherwise Unexplained Fires (Memoranda Magelani), 1976. 16 mm., 14’.
For Georgia O'Keefe (Pares Magelani), 1976, 16 mm., 3’.
Not The First Time (Tempera Magelani), 1976. 16 mm., 5’.
Tiger Balm (Memoranda Magelani #1), 1972. 16 mm., 10’.
Gloria!, 1979. 16 mm., 9’.

Straits of Magellan: Drafts&Fragments (1974) Hollis Frampton

Sesión 2. Moi est un autre.
9 de junio

Bruce Baillie. Quixote, 1965. 16 mm., 45’.
Sharon Lockhart. NÔ, 2003. 16 mm., 34’.
Robert Beavers. Early Monthly Segments, 1968-70/2002. 35 mm., 33’.
Jean Rouch. Les Maîtres fous, 1955. 16 mm., 36’.

NÔ (2003) Sharon Lockhart

Sesión 3: Pa(i)sajes.
13 de Junio

Peter Nestler. Die Nordkalotte [La Nordkalotte], 1991. 16mm., 90’.
Jem Cohen. The Passage Clock (For Walter Benjamin), 2008. DVD, 10’.
James Benning. One Way Boogie Woogie/27 Years Later, 2005. 16 mm., 121’.

One Way Boogie Woogie/27 Years Later (2005) James Benning

Sesión 4 - Representación de la historia, historia de la representación.
16 de Junio

David Gatten. Secret History of the Dividing Line, 1996-2002. 16 mm., 20’.
David Gatten. The Great Art of Knowing, 2004. 16 mm., 37’.
David Gatten. So Sure of Nowhere Buying Times to Come, 2010. 16 mm., 9’.
Robert Fenz. Crossings, 2006. 16 mm., 5’.
Robert Fenz. Meditations on Revolution, Part V: Foreign City, 2003. 16 mm., 32’.
Guy Sherwin. Portrait with Parents/Candle and Clock/Tap/Breathing/Metronome/Maya, 1976. 16mm., 20’.

Meditations on Revolution, Part V: Foreign City (2003) Robert Fenz

Sesión 5. Guerra y locura.
20 de Junio

Sergei Loznitsa. Blokada, 2006. 35 mm, 51’.
Carolee Schneemann. Viet Flakes, 1965. Vídeo, 7’.
John Gianvito. Profit Motive and the Whispering Wind, 2008. Vídeo, 58’.

Viet Flakes (1965) Carolee Schneemann

Sesión 6. El futuro ya ha pasado.
22 de Junio

Gregory J. Markopoulos. Twice a Man, 1963. 16mm., 49’.
Marguerite Duras. Agatha et les lectures illimitées, 1981. 35 mm., 90’.

 Twice a Man (1963) Gregory J. Markopoulos

Found Footage. Joseph Cornell, Hollis Frampton, Ken Jacobs, Ernie Gehr y Bruce Conner.

Si hay un nombre reconocido por el hecho de ser el primero en crear películas a partir de imágenes ya filmadas, y utilizarlas con otros propósitos completamente diferentes, éste es el artista norteamericano Joseph Cornell. Es cierto que muchos documentales de las primeras décadas del siglo XX, especialmente filmes realizados por cineastas rusos como Dziga Vertov, ya utilizan metraje de noticiarios no filmados por ellos, para introducirlos en sus nuevos montajes, pero el propósito de Cornell va un paso más allá.

La película fundacional del llamado found footage es Rose Hobart (1939), filme que parte de una copia del largometraje mudo titulado East of Borneo (1931), interpretado por la actriz Rose Hobart. Cornell realiza un montaje de cerca de veinte minutos donde se centra en las apariciones de la actriz, destacando el encanto de su presencia y eliminado cualquier tipo de continuidad causal y espacio-temporal de las acciones sucedidas en el film original. De este modo la narración de la anterior película queda relegada a un plano invisible para decantarse hacia el encanto de la actriz, hacia su espectro fotográfico, en un desarrollo inocuo de escenas que denotan un cierto sinsentido por la inconexión en la sucesión de acontecimientos. Rose Hobart se considera la pieza fundacional del cine de apropiación pero no es la única película de Cornell. Este artista surrealista, reconocido por la realización de cajas de madera adornadas enigmáticamente con objetos de toda índole, realizó una serie de montajes cinematográficos que a menudo hacían uso de las mismas escenas de filmes de ficción encontrados, cruzados entre ellos, para proponer una suerte de collage fílmico donde escenografías pintorescas, películas amateur, documentales de viajes y demás metraje se unían para desvelar otros significados ocultos.




Bruce Conner es el representante más destacado de los años cincuenta y sesenta de este tipo de práctica fílmica. Pero posteriormente, a finales de los años sesenta, toda una corriente de cineastas jóvenes residentes en el estado de Nueva York, y catalogados por P. Adams Sitney como cineastas del Structural Cinema, emprenden la idea de reciclar metraje ya filmado, para firmarlo con su nombre, ya sea realizando cambios sustantivos o dejando el montaje tal cual lo encontraron. Ken Jacobs y Hollis Frampton son algunos de los asiduos a la práctica del found footage. Y algunos de sus filmes resultan ser los más representativos por el hecho de eludir nuevos montajes y mostrarse tal y como han sido encontrados, con un título y unos créditos finales de más.

Works and Days (1965) de Hollis Frampton es un film que el fotógrafo, poeta y cineasta, licenciado en filosofía, decidió firmar dejándolo tal cual lo había encontrado. Un matrimonio mayor realizando las tareas de conrear su huerto, en una filmación meditada de planos estáticos en blanco y negro, y un montaje pausado y transparente, es el film que Frampton deja intacto para declararlo como una obra propia. Y Perfect Film (1986) de Ken Jacobs no es más que el metraje registrado por la televisión sobre las declaraciones de la gente presente en el discurso de Malcom X, y su posterior asesinato. Ken Jacobs se encontró el metraje en un container, años después del suceso, y lo firmó con su nombre sin realizar ninguna manipulación, más allá de un ligero ajuste sincrónico del sonido. Declarar este film como obra propia, sin haber hecho ninguna manipulación de las imágenes, ni del montaje, indica la perspicacia de Jacobs a la hora de demostrar lo que se ha rechazado por un medio de masas, de un acontecimiento tan decisivo para la comunidad afro americana como la de este acto criminal.




Estos dos filmes representan una apropiación que no ha sufrido cambio alguno, pero otras películas como Tom, Tom the Piper’s Son (1969) de Ken Jacobs o Eureka (1974) de Ernie Gehr parten de material encontrado para configurarse mediante una refilmación del celuloide original. Así el panorama filmado desde un tranvía de la ciudad de San Francisco en Eureka queda transformado y alargado por la suma de 8 fotogramas de cada una de las imágenes del film original. Los pocos minutos del metraje quedan transformados en un film de casi una hora donde la filmación queda suspendida en el tiempo. Tom, Tom the Piper’s Son es producto de una refilmación sucesiva de fragmentos reencuadrados de un film mudo con multiplicidad de actores y acciones simultáneas.

Estos últimos filmes, y otros realizados durante la década de los ochenta por realizadores cinematográficos que continúan haciendo películas artísticas en la actualidad (Craig Baldwin, Matthias Müller, Abigail Child, Jürgen Reble, Martin Arnold, Lewis Klahr, Peter Tscherkassky, Gustav Deutsch, Peter Delpeut y un largo etcétera), forman parte de una corriente consolidada en los círculos del cine de vanguardia, que en muchas ocasiones retoman ideas que en su día ya fueron concebidas por Bruce Conner.




El metraje encontrado que utiliza, cruza, yuxtapone y contrasta imágenes filmadas de ámbitos como el documental, la publicidad, los noticiarios, los documentales educacionales y las ficciones, para sugerir otras ideas, es una práctica iniciada con el filme A MOVIE (1959). El hecho de utilizar imágenes y sonidos jugando sucesivamente con la sincronía y la asincronía del metraje original, ya se encuentra en un film como Report (1963-67). La idea de la repetición de una misma secuencia, presentada en un bucle para destacar las reminiscencias, desvelar entresijos y promover nuevas lecturas temporales, ya está presente en Marilyn Times Five (1968-73). Y la ilustración de un tema musical de Ray Charles mediante imágenes frenéticas de los mass media, ya se muestra en Cosmic Ray (1961).

Por éstas y otras características la figura de Bruce Conner se erige como uno de los referentes más evidentes en la realización de películas de found footage, para realizadores posteriores de ámbitos artísticos alejados del cine comercial, pero también para aquellos introducidos en el campo televisivo publicitario de los videoclips, tan presentes en la cultura audiovisual, desde la década de los años ochenta.




(En las imágenes: fotogramas del film A MOVIE de Bruce Conner)

Hollis Frampton – Critical Mass

Critical Mass (1971) de Hollis Frampton

El Macba presenta a partir de este miércoles un programa de cine dedicado a la figura de Hollis Frampton (Ohio, 1936 – Nova York, 1984). Comisariado por George Stoltz el ciclo es una retrospectiva que deja en el tintero piezas como este Critical Mass hallado en el youtube por cortesía de Armeror (http://youtube.com/user/Armeror). Rectificación: Critical Mass también está en el programa.

"As a work of art I think (Critical Mass) is quite universal and deals with all quarrels (those between men and women, or men and men, or women and women, or children, or war. It is war!... It is one of the most delicate and clear statements - human relationships and the difficulties of them that I have ever seen. It is very funny, and rather obviously so. It is a magic film in that you can enjoy it, with greater appreciation, each time you look at it. Most aesthetic experiences are not enjoyable on the surface. You have to look at them a number of times before you are able to fully enjoy them, but this one stands up at once, and again and again, and is amazingly clear." - Stan Brakhage
7 de marzo:
Manual of Arms (1966, 17’)
Process Red (1966, 3’ 30’’)
Information (1966, 4’)
States (1967-1970, 17’ 30’’)
Heterodyne (1967, 7’)
Snowblind (1968, 5’ 30’’)
Maxwell's Demon (1968, 4’)
Surface Tension (1968, 10’)

14 de marzo:
Palindrome (1969, 22’)
Carrots & Peas (1969, 5’ 30’’)
Lemon (1969, 7’ 30’’)
Prince Ruperts Drops (1969, 7’)
Works and Day (1969, 12’)
Artificial Light (1969, 25’)

21 de marzo:
Zorns Lemma (1970, 60 min)

28 de marzo:
Hapax Legomena (I)
Nostalgia (1971, 36’)
Poetic Justice (1972, 31’ 30’’)
Critical Mass (1971, 25’ 30’’)

11 de abril:
Hapax Legomena (II)
Travelling Matter (1971, 33’ 30’’)
Ordinary Matter (1972, 36’)
Remote Control (1972, 29’)
Special Effects (1972, 10’ 30’’)

18 de abril:
Solariumagelani
Autumnal Equinox (1974, 27’)
Winter Solstice (1974, 33’)
Summer Solstice (1974, 32’)

25 dse abril:
Magellan: At the Gates of Death
The Red Gate (1976, 54’)
The Green Gate (1976, 52’)

(Más información: www.macba.es)

Hollis Frampton - Retrospectiva

A partir del día 7 de marzo el Macba inicia un programa de cine dedicado a la figura del cineasta americano Hollis Frampton. Representante del cine estructural estadounidense de finales de los sesenta y principios de los setenta, Hollis Frampton destacó dentro del círculo de vanguardia de Nueva York por su interés por la filosofía y la estrecha relación con artistas de tendencias minimal. Cercano a la obra de Michael Snow y Ernie Gehr por su rigor formal conectado con lo conceptual, sus obras más recordadas son el juego de imágenes calcinadas y descripciones orales de ellas en un desfase temporal en Hapax Legomena (I) Nostalgia (1971) y la idea visualmente expandida del abecedario en Zorns Lemma (1970). Siete sesiones programadas entre marzo y abril servirán para visionar todo el conjunto de obras de este filmmaker fallecido en 1984.

Más información: http://www.macba.es/

(En la imagen tres planos alfabéticos de Zorns Lemma, 1970)