Esto no es una película – Marcel Broodthaers

Cinéma Modèle (1970)

El MNCARS de Madrid organiza una sesión titulada Esto no es una película, con las películas del artista belga Marcel Broodthaers. Desarrolladas como una puesta en duda de los mecanismos que validan las propuestas artísticas mediante una extensión de su Musée d'Art Moderne, el poeta, periodista y artista visual trabaja los medios fílmicos desde una conceptualización que revela paradojas temporales, contradicciones representacionales, imposibilidades expresivas y dudas semánticas. Realizadas tanto en 16 mm como en 35 mm, el conjunto de piezas cinematográficas que figuran en el programa complementan una exposición retrospectiva organizada junto al MoMA donde la palabra escrita, la fotografía, la instalación y la imagen en movimiento se entrelazan para sugerir, continuamente, la reflexión en torno a la posibilidad de la crítica institucional. En 1997 la Fundació Tàpies de Barcelona, de la mano del mismo director Manuel J. Borja-Villel, ya dedicó una muestra a la obra fílmica de Broodthaers a partir de la cual se publicó el recomendable catálogo Marcel Broodthaers. Cinéma.

Programa:

Projet pour un film (1948) y Ma mémoire est un film en couleur (1958). Lectura de textos.
La Clef de l’horloge. Poème cinématographique en l’honneur de Kurt Schwitters (1957, 7’30’’, 16 mm)
Un voyage à Waterloo (Napoléon 1769-1969) (1969, 15’, 16 mm)
La Pluie (Projet pour un texte) (1969, 2’, 16 mm)
La Pipe (René Magritte) (1969, 3’, 35 mm)
Eau de Cologne (1974, 2’, 35 mm)
1970 La Lune (1970, 3’, 35 mm)
1974 Monsieur Teste. (1974, 2’, 35 mm)
Projet pour un Poisson (Projet pour un Film) (1971, 9’, 35 mm)
Crime à Cologne (1971, 1’30’’, 35 mm)
La Pipe Satire (1969, 3’, 35 mm)
Une Seconde d’éternité (D’après une idée de Charles Baudelaire) (1970, 1’’, 35 mm)
Analyse d’une peinture (1973, 6’, 16 mm)
A Film by Charles Baudelaire (2nd version) (1970, 6’30’’, 35 mm)
Berlin oder ein Traum mit Sahne (1974, 10’, 35 mm)
Un jardin d’hiver (ABC) (1974, 6’, 35 mm)
Exercise (Musée d’Art Moderne) (1971, 4’, 35 mm)
Figures of Wax (Jeremy Bentham) (1974, 15’, 16 mm)

Un voyage à Waterloo (Napoléon 1769-1969) (1969)

Un voyage à Waterloo (Napoleón 1769-1969) (1969)

Kubelka en bucle (2013)

Kubelka en bucle (2013)

Fragmento de dos segundos (48 fotogramas) de una copia de Arnulf Rainer (1960) de Peter Kubelka, cortesía del propio cineasta. Ancho: 25 cm, fondo: 4.5 cm, altura: 25 cm.

Das Schweigen (Silence) – Joseph Beuys

Das Schweigen (Silence) (1973), Joseph Beuys, Five reels of 35 mm film, galvanized, 26.3 x 38 x 38 cm.

Louise Lawler - A Movie Will Be Shown Without the Picture (1979)

Sin Imágenes – Josu Rekalde

Josu Rekalde - Sin Imágenes (1994)

Tree* Movie – Jackson Mac Low

Tree* Movie (1961):
Select a tree*. Set up and focus a movie camera so that the tree* fills most of the picture. Turn on the camera and leave it on without moving it for any number of hours. If the camera is about to run out of film, substitute a camera with fresh film. The two cameras may be alternated in this way any number of times. Sound recording equipment may be turned on simultaneously with movie cameras. Beginning at any point in the film, any length of it may be projected at a showing.

*) For the word "tree", one may substitute "mountain" , "sea", "flower", "lake", etc.

Jackson Mac Low
965 Hoe Avenue
New York 59, N.Y.
January 1961

A free interpretation by Cohetes Naranjas

VHS – David Herbert

David Herbert - VHS (2005-2006)
Espuma de poliestireno, plexiglás y pintura de látex
244 x 127 x 30.5 cm

"Political advertisement VII" (1952-2008) Antoni Muntadas y Marshall Reese

Publicado en BLOGS&DOCS


“It is one of the tasks of today’s artists to make visible the invisible side of the image”, Antoni Muntadas (1)

Policitical Advertisment VII es la séptima parte de un proyecto audiovisual planteado a modo de work in progress por los videoartistas Antoni Muntadas y Marshall Reese, durante el año 1984. La propaganda política estadounidense realizada desde 1952 para el ámbito televisivo es la materia prima de la que se sirven los dos autores para proponer una crítica mediática sutilmente reveladora. Cuestionando las estrategias utilizadas por los partidos políticos para promocionar sus dirigentes el vídeo demuestra la evolución histórica de las articulaciones ideológicas diseñadas durante las campañas políticas, con la finalidad de visibilizar la saturación del media landscape, la inocuidad de las proclamas políticas y el afán de demócratas y republicanos por convencer a sus posibles votantes.

El proyecto nace cuando Antoni Muntadas contacta con un analista mediático llamado Edward Diamond que, por aquél entonces, estaba trabajando en su libro The Spot: Rise of Political Advertising on Television. Tras interesarse por los análisis de Diamond y presenciar su colección de archivo publicitario, Muntadas decide plantear un proyecto con el que visibilizar la relación entre el poder de los mass media y el de las principales formaciones políticas. Apropiándose del material, tal y como hiciera posteriormente con Warnings (1988), Muntadas presenta la recopilación sin ningún comentario, mostrando tan solo un flujo continuo de candidatos a la presidencia de los Estados Unidos que van desde Eisenhower a Obama. Todos ellos quedan representados finalmente como productos comerciales, como objetos de consumo susceptibles de seducir el espectador televisivo mediante su imagen y sus promesas.

Sin necesidad de incluir una voz en off autoritaria que indique el punto de vista de los creadores, ni una edición elusiva que remarque sus consideraciones, Political advertisement VII se muestra como un conjunto de anuncios publicitarios presentados tal cual, editados uno detrás de otro sin manipulación de post-producción alguna. Tal y como indica Laurence Pantin en su artículo Fifty Years Of Political Ads: “Mientras Diamond describe y analiza la evolución de los anuncios políticos para sus lectores, Muntadas y Reese dejan que el material hable por sí mismo” (2). El mensaje que se intuye a lo largo del visionado del conjunto de piezas audiovisuales viene determinado por su inclusión en el entramado general. Con la selección se configura el discurso de los autores. Esta antología escogida -aparentemente arbitraria- de algunos de los spots más representativos de la historia de la carrera política norteamericana permite presenciar un diálogo compartimentado entre las estrategias políticas y su reflejo publicitario. Las capacidades de persuasión de cada uno de ellos viene determinada por el modo en el que venden su imagen y presentan su ideario. En esta séptima edición se incluyen piezas publicitarias que abarcan desde 1952 hasta la actualidad. Y es que la tarea de Muntadas y Reese es también la de revisar y ampliar las referencias audiovisuales con cada nueva campaña presidencial.

Una serie de intertítulos indican las décadas o los años a las que pertenecen los anuncios publicitarios. Eisenhower, Nixon, Ford, Reagan, Bush, Clinton y Obama son algunos de los protagonistas estelares. Eisenhower responde a un afroamericano sobre el precio de la vivienda, la ropa y los alimentos, Nixon trata de convencer sobre la fuerza del ejército estadounidense frente a una posible amenaza comunista, Kennedy representa el cambio político con un collage musical hecho de fotomontajes y proclamas escritas algo naïf, y Johnson se muestra catastrofista presentando una niña pequeña que cuenta los pétalos de un flor para dar paso a una cuenta atrás que hace estallar una bomba atómica. Entre todos los anuncios destaca el duelo de acusaciones entre Richard Nixon y Jimmy Carter, acerca de las irregularidades en la administración del poder público en sendas legislaturas. El realizado por Tony Schwartz en 1968 para el candidato Hubert Humphrey también tiene en Nixon su principal imputado. Ante la imposibilidad de hallar ninguna respuesta positiva por parte de Humphrey a la pregunta “What has Richard Nixon ever done for you?” se ataca irónicamente la anterior presidencia buscando a la vez la empatía del espectador.

Convencer al electorado es el fin último de unos anuncios de propaganda electoral que marcan etapas en la articulación de la publicidad a nivel ideológico. La visión retrospectiva realizada desde el presente transforma el sentido inicial de un producto audiovisual que resulta funcional, sólo durante un periodo concreto de tiempo. Con el paso de los años su carácter estético y conceptual queda inevitablemente desfasado o, si más no, desviado hacia otras consideraciones. Son documentos que atestiguan la progresiva importancia del medio audiovisual para dar a conocer el ideario de republicanos y demócratas en su lucha incesante por instalarse en la Casa Blanca. En general se observa el progresivo abandono de un discurso plano e ingenuo, por uno más esteticista y directo, pero a su vez más superficial. Utilizando voces en off con afirmaciones hiperbólicas, montajes ingeniosos o temas musicales sentimentalistas se acercan a concepciones del mundo del vídeo arte y de los videoclips. Todo vale para vender el producto, porque como indica Muntadas en las notas promocionales del vídeo: “Al principio los anuncios daban información. Con la evolución de la publicidad, los anuncios dieron menos información sobre el producto y pasaron a ser más una estrategia. Lo que quieren es que la gente compre el producto – el candidato”. El lado invisible de estas imágenes publicitarias es el que se halla detrás de ese esteticismo retórico pretendidamente consecuente con lo que espera su posible votante. En el fondo lo que se amaga es una limitación, no ya publicitaria sino ideológica.
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(1) “Behind the Image”, Antoni Muntadas en Illuminating Video. An Essential Guide to Video Art (Ed. Doug Hall and Sally Jo Fifer, Aperture, New York, 1990).

(2) Laurence Pantin, Fifty Years Of Political Ads. Consultado el mes de julio en: http://www.mediachannel.org/arts/perspectives/pol_ads/index.shtml

Isabell Heimerdinger

D.I.Y - Maya Stendhal Gallery

Del 7 de mayo al 25 de julio de 2009 se expone en la Maya Stendhal Gallery de Nueva York una muestra representativa del arte Do It Yourself, desarrollado por los artistas del entorno Fluxus. Durante los años sesenta, artistas plásticos y artistas visuales como Jonas Mekas, Paul Sharits, Ben Vautier, George Brecht, Yoko Ono y George Maciunas emplearon una filosofía DIY dentro del arte para ejercitar manifestaciones multidisciplinares (películas, happenings, música, arte objetual) decantadas hacia presupuestos provocadores, anti-artísticos, performativos, utópicos y decididamente festivos. Archivos, documentos, pósters, filmes, diagramas y dibujos varios se expondrán para plantear una revisión de un arte entusiasta y vital, radicalmente crítico con las instituciones culturales y sus mecanismos de difusión y legitimación.

El universo fílmico de Joan Brossa. Cine-cabaret

"Una nueva mirada sobre el cine desde la frondosidad poética de Brossa, recuperando algunos de los títulos preferidos de su filmoteca".

Programación en el del marco de las actividades Barribrossa 2009.
16, 18, 23 y 25 de marzo, a las 19.30h.

Lunes, 16 de marzo
Foc al càntir / Frederic Amat
Presentado por Frederic Amat,
con la participación, entre otros,
de Perejaume y Enric Cassasses

Miércoles, 18 de marzo
Brossa-Portabella-Santos
Presentado por Manel Guerrero

Lunes, 23 de marzo
Els primitius / Abans dels Marx
Presentado por Joan Maria Minguet

Miércoles, 25 de marzo
Calaix de sastre brossià
Presentado por Fèlix Fanés

Auditori MACBA.

Thomas Bayrle – Film Loop (2008)

Joan Rabascall. Producció 1964-1982

El MACBA presenta del 23 de enero al 19 de abril una elogiable exposición de Joan Rabascall que muestra la obra gráfico-plástica realizada durante el período 1964-1982. Su arte representa una singular variante del arte conceptual, heredera del Pop-Art a nivel visual. Este artista catalán recupera recortes de periódicos, fotografías de la publicidad y todo tipo de fragmentos escritos y visuales extraídos de los medios de comunicación para plantear cuestiones como el autoritarismo de la representación mediática bajo un gobierno represor. Lo hace decantándose hacia la práctica del collage, el fotomontaje, la fotografía, el cine y la instalación audiovisual (dedicada a los Juegos Olímpicos). Descontextualizando imágenes impresas a gran tamaño el artista hace patente la dimensión de la manipulación, la influencia de los medios de masas sobre el imaginario colectivo de la sociedad. Entre esbozos y representaciones de diversa factura destacan las fotografías que denuncian la urbanización masificada y el deterioro paisajístico de la Costa Brava, las carteleras cinematográficas fotocopiadas que evidencian el peligro que suponen ciertas películas narrativas y, sobretodo, las decenas de grafismos que describen el estado de una época concreta, marcada por el final de la dictadura y la supuesta apertura cultural de la Transición.

Con la película Bio-Dop (1974) Joan Rabascall desarrolla su mismo discurso bajo el parámetro de la imagen en movimiento. Partiendo de las imágenes de un anuncio de publicidad de un fijador de cabello llamado Bio Dop el artista su une a Benet Rosell para reflexionar y cuestionar las estrategias que invoca un medio masivo como el de la televisión. Lástima que en su instalación expositiva esta excelente película de cinco minutos, pionera del found footage en nuestro país, pase desapercibida por su mala ubicación (en medio de una sala circular luminosa) y su pésima conceptualización (un pequeño monitor de televisión situado a ras de suelo y un par de bafles). Hecho que contrasta sobremanera con las proyecciones planteadas en la exposición del artista pop alemán Thomas Bayrle (salas independientes, oscuridad, conjunto de sillas, proyector de 16mm y película en bucle -eso sí, una de ellas inevitablemente desenfocada-).

"All You Need For A Movie Is A Girl And A Gun"

Póster diseñado por Samantha Hamerness-Coombs
para la película Amerika (1972-1983) de Al Razutis.

Emiliano Cano - Ceci n'est pas une pipe

PIEZAS CORTAS DE EMILIANO CANO

Trying to imagine a film with an image

by Cohetes Naranjas

Olafur Eliasson - Protocinematic Visions

En el catálogo Take Your Time: Olafur Eliasson no sólo se da con un título revelador de la práctica artística de este autor danés e islandés (la espera, la paciencia recompensada y la percepción del tiempo dilatado), sino que también se formula la idea de obras artísticas de raigambre protocinemática. En uno de los textos incluidos Klaus Biesenbach y Roxana Marcoci trazan relaciones entre algunas de las obras emblemáticas de Olafur Eliasson y las visiones utópicas de El Lissitzky y László Moholy-Nagy, así como el arte lumínico conceptual de James Turrell y el land art cinemático de Robert Smithson (aunque también deben tener en consideración la obra de Dan Flavin y la de Gordon Matta-Clark). Todo ello para establecer una línea de investigación que conecta las instalaciones lumínicas y las series fotográficas de Eliasson cerca de un punto de vista cinematográfico que prioriza y da preeminencia a algunos elementos básicos que lo constituyen, como el de la sala oscura, el foco de luz, el espectador y el tiempo sublimado. Como obra singular mucho más cerca de la videoinstalación o, en este caso, de la videoescultura cabe mencionar TV lamp, donde un pequeño monitor de televisión que transmite los telediarios queda conectado a una circunferencia de cables y pequeños puntos lumínicos activados en función del tono dominante de la imagen electrónica.

La Fundació Miró acaba de inaugurar la exposición La Naturalesa de les Coses, una muestra algo escasa de la obra del artista. El arte participativo de construcciones, los conjuntos de fotografías de estructura conceptual y procesual, la puesta en escena de geometrías lumínicas y la búsqueda incesante del encuentro con las bases de la percepción ocular humana -como el papel de la persistencia retiniana- son algunas de las temáticas aquí presentes. Esta exposición viene acompañada por la que se lleva a cabo en el Centre Cultural Caixa Girona - Fontana d'Or.

Julie Becker - Preliminary Study (1998)

Antonio Artero - Del Tres al Once y Blanco sobre Blanco

"Yo creo que..." (1974-75) es la película más reconocida del cineasta maño Antonio Artero. De hecho a partir de ese título se halló el del libro "Yo filmo que... Antonio Artero en las cenizas de la representación" de Javier Hernandez y Pablo Pérez; biografía fílmica de donde se han extraído estas imágenes. "Del tres al once" (1968) y "Blanco sobre blanco" (1969) son sus películas más conceptuales, minimalistas y radicales. Son películas no rodadas, es cine sin cine. Filmes destinados a crear polémica, a increpar el espectador, haciéndole pensar sobre la especificidad del cine. Como dicen en la autobiografía: "la primera de ellas se reducía a la sucesión de colas de película que le había regalado el montador Pablo G. del Amo -del 3 al 11, como reza el título-, mientras la segunda excluía de su representación al celuloide al tratarse del mero encendido del proyector sobre una pantalla en blanco, una especie de estadio primitivo previo a la aparición de las sombras chinescas." Un cine cercano ideológicamente al situacionista, al letrista y al estructural, por servirse de los mínimos elementos fílmicos (en su discrepancia ante el hecho de mantener la narración en el centro de la representación): la sala oscura, el proyector, las colas de largometrajes y la pantalla en blanco. La primera tiene una duración determinada de 11 minutos, pero la segunda es de duración variable, hasta que el proyeccionista diga basta o hasta que los espectadores abucheen enfurecidos al programador, cansados de ver reflejado su propio aburrimiento existencial en la pantalla, incapaces de crear un discurso coherente acorde con lo observado.



(En las imágenes el cartel publicitario y los títulos de crédito de "Del Tres al Once")

Teching Hsieh - Speed #3 - IVAM

El Institut Valencià d'Art Modern (IVAM) presenta una exposición en tres partes titulada Speed, que se centra en la relación establecida entre el arte moderno y postmoderno, con el concepto de velocidad, de movimiento y desplazamiento sucedido en el tiempo. El tercer bloque expositivo establece un recorrido por el audiovisual, en obras que utilizan medios como el cinema, el video, los videojuegos o incluso la fotografía. Entre obras interactivas tan asombrosas como "Liquid Time" de Camille Utterback (donde una secuencia de imágenes de Tokio avanza o retrocede en función de los movimientos de los espectadores de la sala), destaca la proyección en vídeo de una obra realizada en formato cinematográfico por el taiwanés Teching Hsieh. Este artista afincado en Estados Unidos realizó en 1980 la segunda de sus acciones de un año de duración, la conocida como "Time Piece". El conjunto de performances se pueden encontrar en el DVD-Rom "One Year Performance". En la del período 1980-1981 se planteó la posibilidad de fotografiarse a sí mismo cada hora en punto, durante las veinticuatro horas de cada día, a lo largo de todo un año. Una cámara de 16mm filmó cada una de estas instantáneas en las que aparece el cuerpo de Hsieh, un reloj que indica la situación en punto de las agujas y una ficha, situada en la parte posterior, que informa de la hora y del día en el que sucede cada frame. El rostro, continuamente impertérrito y taciturno, sólo aprecia cambios estéticos en lo que respecta al crecimiento de su pelo y la infinitud de pequeñas variaciones en su colocación en el espacio y las arrugas de la chaqueta utilizada. A uno mismo, pensar en la realización de la obra, en la obligatoriedad de estar siempre ahí, en la necesidad de interrumpir el sueño, preparado para ser fotografiado por la cámara; sólo le produce angustia vital y escalofríos. Pero observar la obra resulta revelador, es un sacrificio que de algun modo recompensa. Para visionar el resultado se puede acceder a la web del Museum of the Seam. La imagen inferior muestra un texto con todas las horas en las que Teching Hsieh no pudo acudir a su cita, así como aquellas en las que se retrasó o se avanzó.