Rudy Burkhardt Filmstills

(Taylor Mead, Madeleine Almquist y Selina Strong en Tarzam de 1969, Rudy Burkhardt, Edwin Denby y Alex Katz en Shoot The Moon de 1962, Rochelle Krant en Good Evening Everybody de 1977 y fotogramas de las películas Under the Brooklyn Bridge de 1953 y Square Times de 1967)

Tony Martin – San Francisco Tape Music Center

Liquid Landscape in Motion (1965) y Silent Light (1967) son dos de las proyecciones líquidas del artista multimedia Tony Martin utilizadas como epicentro de happenings envolventes y light shows psicodélicos, con música electrónica pionera, sucedidos en la ciudad de San Francisco a mediados y finales de los años 60. Sonic es el nombre que escogieron Steve Reich, Terry Riley, Morton Subotnick, Pauline Oliveiros, Phil Winsor, Laurel Johnson y Ramon Sender para agruparse y expandir el fenómeno de los shows lumínicos. San Francisco Tape Music Center es como decidieron identificar, finalmente, sus experimentos musicales y visuales, realizados en espacios como el auditorio de Divisidero Street.

(He pensado que sería oportuno comentarlo, esta es la entrada número 100 del blog)

Antonio Artero - Del Tres al Once y Blanco sobre Blanco

"Yo creo que..." (1974-75) es la película más reconocida del cineasta maño Antonio Artero. De hecho a partir de ese título se halló el del libro "Yo filmo que... Antonio Artero en las cenizas de la representación" de Javier Hernandez y Pablo Pérez; biografía fílmica de donde se han extraído estas imágenes. "Del tres al once" (1968) y "Blanco sobre blanco" (1969) son sus películas más conceptuales, minimalistas y radicales. Son películas no rodadas, es cine sin cine. Filmes destinados a crear polémica, a increpar el espectador, haciéndole pensar sobre la especificidad del cine. Como dicen en la autobiografía: "la primera de ellas se reducía a la sucesión de colas de película que le había regalado el montador Pablo G. del Amo -del 3 al 11, como reza el título-, mientras la segunda excluía de su representación al celuloide al tratarse del mero encendido del proyector sobre una pantalla en blanco, una especie de estadio primitivo previo a la aparición de las sombras chinescas." Un cine cercano ideológicamente al situacionista, al letrista y al estructural, por servirse de los mínimos elementos fílmicos (en su discrepancia ante el hecho de mantener la narración en el centro de la representación): la sala oscura, el proyector, las colas de largometrajes y la pantalla en blanco. La primera tiene una duración determinada de 11 minutos, pero la segunda es de duración variable, hasta que el proyeccionista diga basta o hasta que los espectadores abucheen enfurecidos al programador, cansados de ver reflejado su propio aburrimiento existencial en la pantalla, incapaces de crear un discurso coherente acorde con lo observado.



(En las imágenes el cartel publicitario y los títulos de crédito de "Del Tres al Once")

Teching Hsieh - Speed #3 - IVAM

El Institut Valencià d'Art Modern (IVAM) presenta una exposición en tres partes titulada Speed, que se centra en la relación establecida entre el arte moderno y postmoderno, con el concepto de velocidad, de movimiento y desplazamiento sucedido en el tiempo. El tercer bloque expositivo establece un recorrido por el audiovisual, en obras que utilizan medios como el cinema, el video, los videojuegos o incluso la fotografía. Entre obras interactivas tan asombrosas como "Liquid Time" de Camille Utterback (donde una secuencia de imágenes de Tokio avanza o retrocede en función de los movimientos de los espectadores de la sala), destaca la proyección en vídeo de una obra realizada en formato cinematográfico por el taiwanés Teching Hsieh. Este artista afincado en Estados Unidos realizó en 1980 la segunda de sus acciones de un año de duración, la conocida como "Time Piece". El conjunto de performances se pueden encontrar en el DVD-Rom "One Year Performance". En la del período 1980-1981 se planteó la posibilidad de fotografiarse a sí mismo cada hora en punto, durante las veinticuatro horas de cada día, a lo largo de todo un año. Una cámara de 16mm filmó cada una de estas instantáneas en las que aparece el cuerpo de Hsieh, un reloj que indica la situación en punto de las agujas y una ficha, situada en la parte posterior, que informa de la hora y del día en el que sucede cada frame. El rostro, continuamente impertérrito y taciturno, sólo aprecia cambios estéticos en lo que respecta al crecimiento de su pelo y la infinitud de pequeñas variaciones en su colocación en el espacio y las arrugas de la chaqueta utilizada. A uno mismo, pensar en la realización de la obra, en la obligatoriedad de estar siempre ahí, en la necesidad de interrumpir el sueño, preparado para ser fotografiado por la cámara; sólo le produce angustia vital y escalofríos. Pero observar la obra resulta revelador, es un sacrificio que de algun modo recompensa. Para visionar el resultado se puede acceder a la web del Museum of the Seam. La imagen inferior muestra un texto con todas las horas en las que Teching Hsieh no pudo acudir a su cita, así como aquellas en las que se retrasó o se avanzó.

Marcel Broodthaers – La Pluie (Projet pour un texte)

El artista de origen belga Marcel Broodthaers, utilizó todo tipo de medios para manifestar una practica artística incansable, de sensibilidad conceptual. Su continua crítica a la institución museística y al artista romántico fueron obradas bajo medios como las instalaciones, la archivística y el cine, todos ellos como derivaciones del juego con el lenguaje. El ámbito cinematográfico estuvo representado en una exposición en la Fundació Tàpies, durante el año 1997, comisariada por el actual director del Macba, Manuel J. Borja-Villel.
Una de las obras expuestas fue La Pluie (Projet pour un texte). Ésta muestra la incapacidad de una persona a la hora de escribir un texto en tinta china. La lluvia del exterior le impide escribir coherentemente, pero aún así su ímpetu por expresarse de manera escrita, no decae. El negro intenso de la tinta china se diluye con el agua -aplicada intencionadamente- mientras el protagonista se mantiene sin inmutarse, ante la importante cantidad de agua que se le avecina. Actualmente esta y otras obras fílmicas de Broodthaers forman parte de la Colección del Macba, que a menudo exhibe las piezas en bucle, en proyectores de 16mm.

John Whitney Jr. - Side Phase Drift

John Whitney Jr., hijo del pionero de la animación por computadora John Whitney, creó en 1965 un film para tres pantallas de imágenes geométricas y mandalas de colores planos, que resultaba ser una experiencia inmersiva, característica de lo que Gene Youngblood dio en llamar Expanded Cinema. La complejidad abstracta de los motivos visuales, la fluidez de los movimientos y los sonidos electrónicos, eran un paso más hacia la consecución de una sinestesia, intuida para que los sonidos sugiriesen las imágenes. Una experiencia auditiva y visual entrecruzada, determinada y confundida, donde lo oído se observa y lo visto se escuha, simultáneamante.
Su padre y el hermano de éste, James Whitney, se especializaron, a lo largo de las décadas de los años '40,'50 y '60, en investigar las posibilidades visuales y motrices de imágenes no-figurativas realizadas con sistemas gráficos por ordenador. Five Film Exercises (1943-44), Yantra (1950-57) y Lapis (1963-66) son obras que proponen una música visual influenciada por filosofías orientales, la metafísica, la energía atómica y el uso de las nuevas tecnologías, dando lugar a formas orgánicas, cósmicas y mentales que remiten a la hipnagogia.

Empieza Unvisionary Clip

Unvisionary Clip es un nuevo blog dedicado a la relación establecida entre la música y las imágenes en movimiento, desde los inicios del cine; prestando especial atención al formato del videoclip.





(Imágenes de los filmes Subterranean Homesick Blues de D.A. Pennebaker, Exploding Plastic Inevitable de Ronald Nameth y del video Ashes To Ashes de David Mallet y David Bowie)

Jordan Belson - 5 Essential Films on DVD

Center For Visual Music acaba de editar un DVD con cinco de los trabajos más representativos del cine cósmico y expansivo del cineasta Jordan Belson, uno de lo máximos representantes de la Visual Music -término acuñado por el crítico Roger Fry en 1912-. Allures (1961), Samadhi (1967), Light (1973), Fountain of Dreams (1984) y Epilogue (2005) son las piezas escogidas para representar las abstracciones orgánicas en perpetuo movimiento que son las piezas cinamatográficas del realizador de San Francisco. Como dijo William Moritz en su momento se pueden interpretar como disecciones moleculares realizadas con microscopio o viajes interestelares presenciados en al más allá. Films que resultan ser fascinantes para la percepción, por la puesta en práctica de filosofías contemplativas de carácter místico junto al uso de imágenes no figurativas, controladas por cromatismos violentos y sonidos atmosféricos.
Los inicios de Belson fueron en el campo de la pintura, pero su interés por dar movimiento a sus creaciones le llevó a colaborar, entre los años 1957 y 1959, con el compositor Henry Jacobs para crear los llamados Vortex Concerts: proyeciones en el Planetario Morrison de San Francisco de abstracciones visuales en movimiento -de películas de Hy Hirsch, James Whitney y el propio Belson, entre otros- junto con música electrónica. Espectáculo que anticipa, como los órganos de colores, el concepto de los Light Shows, explotado definitivamente a finales de los años sesenta en los conciertos líquidos de bandas como Soft Machine, Pink Floyd o Frank Zappa and The Mothers of Invention.

(En la imágenes Samadhi, de 1967)

Hamaca - Media & Video Art Distribution

El jueves pasado se presentó en la Fundació Tàpies de Barcelona la nueva distribuidora de videoarte y artes electrónicas, Hamaca. Dirigida por la gente de YProductions bajo el encargo y el apoyo de la Associació d'Artistes Visuals de Catalunya. El nombre Hamaca: "responde al tipo de sistema operativo bajo el que pretendemos funcionar: ser una red horizontal unida por varios puntos. Nuestro objetivo principal es poder hacer llegar trabajos en formato vídeo a un gran número de personas o instituciones para facilitar de esta forma su difusión y visionado".
Ochenta artistas y cerca de cuatrocientas obras en formato video forman el catálogo inicial de un proyecto que intenta hacer una revisión histórica del medio en nuestro país y así poder mostrar propuestas de artistas visuales de carácter actual. Autores como María Cañas, Isaki Lacuesta, David Domingo, Raúl Arroyo, Luis Cerveró, Carles Congost y Dora García, vienen a dar el relevo generacional desde el videoarte, el documental, el videoclip, el found footage y lo cinematográfico a artistas como Antoni Muntadas o Benet Rossell.



(Imágenes de videos de María Cañas, Luis Cerveró y Marcelo Expósito)

Michel Gondry - White Stripes

"Icky Thump" es el título del inminente álbum de la banda The White Stripes. Los de Detroit estarán en la próxima edición del Festival de Música Independiente Primavera Sound, que se celebrará el 1 y el 2 de junio de este año en el Fòrum de Barcelona. Para apoyar visualmente la información nada mejor que ver, y volver a ver -porque en realidad este videoclip se ha visto mucho, hasta 327.109 contabilizaciones en el youtube-, la pieza que el director francés Michel Gondry realizó para el tema Fell In Love With A Girl. Editado por Director's Label, en uno de los DVDs dedicados a realizadores de videoclips, junto a los de Spike Jonze, Chris Cunningham, Anton Corbijn, Jonathan Glazer, Mark Romanek y Stéphane Sednaoui; el conjunto de videoclips de Gondry es un elogio a la capacidad inventiva en el campo de la animació, la rítmica entre imágenes y sonidos y, en definitiva, el hallazgo de imaginativos recursos en el terreno de la imagen en movimiento. Como ejemplo esta pieza de orfebrería construida a partir de un de material filmado en video, desglosado plano a plano en cuadrículas, y posteriormente ocupadas por piezas de Lego, debidamente situadas en cada una de las imágenes filmadas en 16 mm. En los extras del DVD explica más detenidamente el proceso de realización y la paciencia que supuso estar unos tres o cuatro meses colocando y filmando imagen por imagen piezas de colores.

Kill Your Timid Notion 2007

Del 12 al 15 de abril se celebra en la localidad de Dundee, Inglaterra, un festival dedicado a remarcar los trabajos artísticos del campo del cine y la música que presentan cruces estilísticos, temáticos y tecnológicos entre la imagen y el sonido, desde puntos de vista vanguardistas. Localizada en el centro de arte Dundee Contemporary Arts, esta muestra consta de una programación envidiable de sesiones cinematográficas -englobadas bajo los títulos In & Out, Humans, Earth, Beyond Image, Word, Contrast-, mesas redondas con artistas, críticos e historiadores, y workshops sobre el cine sin cámara, el arte sonoro y la creación de fotogramas. El cine expandido, el video arte, el media art, las instalaciones sonoras y la visual music quedan representados por autores como William Raban, Paul Sharits, William Moritz, Guy Sherwin, John Smith, Stan Vanderbeek, John Whitney, Peter Rose, Jozef Robakowski, Joe Colley, Kanta Horio, Eric La Casa y Ken Jacobs.
(Más información en: http://www.arika.org.uk/kytn/2007)

(En la imagen: Krypton Is Doomed, de Ken Jacobs. 2005)

Holga - 35 mm film

Las cámaras de fotografía Holga tienen estas cosas. Su construcción interior está pensada para insertar película de 6 por 6, es decir un formato con un tamaño de encuadre mucho mayor que el que ofrece la película de 35 mm habitual, de las cámaras de fotografía analógicas. Pero los trucajes que se les puede encontrar a las lomo (www.lomospain.com) permiten hallar soluciones como ésta: fotografiar sobre negativo color de 35 mm abarcando toda la superficie de la emulsión, incluso el espacio entre las perforaciones.
Hacer una película cinematográfica con este procedimiento no es mala idea, al menos las dobles exposiciones son de menor complicación que las de todas las cámara de cine de super 8, 8 mm, 16 mm y 35 mm.



(Las imágenes están realizadas por: http://www.flickr.com/photos/lori_an/)

Alice - Jan Svankmajer

Women & Experimental Filmmaking

Este libro editado por Jean Petrolle y Virginia Wright Wexman viene a subsanar el vacío existente, en el campo del cine experimental, de estudios rigurosos sobre la práctica fílmica femenina. Si criticar el influyente Visionary Film desde este punto de vista resulta moneda de cambio en la crítica especializada, es por el hecho de que el libro de P. Adams Sitney sólo trata profundamente las películas de Maya Deren y, muy tangencialmente, las figuras de autoras como Marie Menken o Carolee Schneemann. Este libro resuelve esta controversia con diez artículos que repasan las aportaciones más destacados de las cineastas de la cinematografía vanguardista. William C. Wees se centra en las figuras de Leslie Thornton, Su Friedrich y Abigail Child para continuar sus investigaciones en el campo del found footage y el reciclaje. Maureen Turim disecciona el tema de la violencia en las obras de Germaine Dulac, Maya Deren, Yvonne Rainer y una de las artistas plásticas más representativas del body art, Marina Abramovic. El cine de animación queda configurado por la presencia de Faith Hubley y Caroline Leaf en el artículo Two Sisters de Amy Lawrence, mientras Scott MacDonald aprovecha la ocasión para titular inteligentemente su artículo con el título de "Avant-Gardens" y así poder rastrear la relación cine-naturaleza(jardín) en la obra de Marie Menken, Marjorie Keller Anne, Charlotte Robertson y, cómo no, Rose Lowder.
Capítulos sobre el cine de Chantal Akerman, Trinh T. Minh-ha y Sally Potter definen una compilación de artículos que dan cuenta del gran espectro de actitudes, modos y técnicas utilizados por estas realizadoras, para expresar fílmicamente, videográficamente y digitalmente inquietudes, tanto estéticas como político-sociales.

D-Generación. Experiencias Subterráneas de la No Ficción Española

El Festival Internacional de Cine de Las Palmas de Gran Canaria ofrece una retrospectiva titulada D-Generación, que engloba a realizadores españoles actuales que entienden la etiqueta de cine documental como un espacio para la investigación, la experimentación y la conclusión de presupuestos artístico-creativos. Alejados del cine de ficción, autores como Oriol Sánchez, Jorge Tur, Isaki Lacuesta, María Cañas, Luís Escartín y Andrés Duque trazan recorridos novedosos entre el documental, el videoarte y la vanguardia cinematográfica.

Procesos y esperas:
De función (Jorge Tur, 2006)
El fulgor (Ramón Lluis Bance, 2002)

Cinefagias y cinefilias:
Alice in Hollywoodland (Jesús Pérez Miranda, 2004)
De la hospitalidad, derecho de autor (Oriol Sánchez, Miguel Amoría, 2006)
Flimmaker (about Victor Kossakovsky) (Carlos Esbert, Cristóbal Fernández, Antoni Pinent, 2004)

Descentramientos y extrañamientos:
Not the Person We Know (Xavier Gavín, 2006)
Amadeo. Una historia Real (Eduardo Guillot, 2004)
Ivan Istochnikov (Lluis Escartín Lara, 2001)
Texas Sunrise (Lluis Escartín Lara, 2002)
Terra Incógnita (Lluis Escartín Lara, 2004)
Me duele el chocho (Valeriano López, 2003)

Home Made Movies:
Bs.As (Alberte Pagán, 2006)
Detesto el sentimentalismo barato (Jesús Torregrosa, 2003)
En los márgenes de lo real
Salve Melilla (Óscar Pérez, 2005)
The Twisted Dreams of a Fixed Rider/Sueño a piñón fijo (Rafael Benito, 2005)

Sueños de la razón (i)lógica:
That’s My Impresión (Carles Congost, 2001)
Lucky Village (Pedro Pinzolas, 2003)
Key Concepts In the Modern World (Elías León Sininiani)

Indagaciones en femenino:
Lunares (Pilar Albarracín, 2004)
Prohibido el cante (Pilar Albarracín, 2000)
Más luz (Cristina Lucas, 2003)
Pero tú eres tú.....No, yo soy su.... (Alatitz Arenzana y María Ibarretxe)
The Face&The Face (Isabel María)
El perfecto cerdo (María Cañas, 2005)
La cosa nuestra (María Cañas, 2006)
Down With Reality (María Cañas, 2006)

Límites de lo visible, límites de lo comprensible:
Microscópicas (Isaki Lacuesta, 2003)
Resonancias magnéticas (Isaki Lacuesta, 2003)
Paralelo 10 (Andrés Duque, 2005)
Landscapes in a Truck (Andrés Duque, 2006)

Sesión Especial: El cielo en la Tierra (Pedro Pinzotas, 2006)




(Más información: http://www.festivalcinelaspalmas.com)

(En las imágenes: De la hospitalidad, derecho de autor de Oriol Sánchez)

Norman McLaren – Pequeñas historias animadas

Pequeñas historias del cine es el título escogido por el Macba para presentar las animaciones cinematográficas de Norman McLaren. Este realizador canadiense convertido en uno de los padres de la animación experimental, por el hecho de ser uno de los primeros en explotar la técnica de animación directa sobre el celuloide, forjó una obra desenfadada e inocente donde formas, colores y animaciones sencillas de personajes esquemáticos, se movían al son de una música tanto o más naïf. Estos primeros experimentos de aplicación de líneas y manchas de colores sobre el mismo soporte fílmico (Dots, Loops y Stars and Stripes de 1940) se expandieron hacia el descubrimiento del stop motion (la animación de personajes reales, filmados fotograma a fotograma en la celebrada Neighbours del 1952 -asombroso filme con mensaje pacifista, ganador de un Óscar-, y A Chairy Tale del 1957), el trabajo de laboratorio (la duplicación de capas en los bailarines de Pas de Deux del 1969) hasta llegar a propuestas como la combinación sincrónica entre colores (dispuestos geométricamente) y sonidos agudos en Synchromy de 1971. Algo así como una representación abstracta de cromatismos, puntuados por ruidos electrónicos, dibujados en la misma banda sonora óptica, recordando el mensaje extrañamente hipnótico de la nave espacial de Encuentros en la Tercera Fase.

El programa finaliza el día 24 de abril con cuatro filmes de René Jodin (Notes on a triangle), Evelyn Lambert (The town mouse and the country mouse), Pierre M. Trudean (Cuckoo, Mr Edgar!) y Caroline Leaf (The owl who married the goose: an eskino legend).

(Más información en http://www.macba.es)

(En las imágenes Neighbours de Norman Mclaren)

This is not a structural film

Lisl Ponger - Passagen

Passagen –o Passages en su traducción inglesa-, es una pieza de la cineasta y artista plástica austriaca Lisl Ponger. Describe rica y ambiguamente las filmaciones de viajes de gente anónima, a lo largo de la segunda mitad del siglo XX. La espalda de una mujer, filmando desde la azotea de un barco con una cámara de super 8, de cara a un cielo intensamente azul, es la primera imagen de un filme de found footage donde decenas de imágenes veraniegas, de ámbitos de toda la geografía mundial (Viena, Venecia, Cuba, Shangai…), crean un diario de viaje muy particular. Un caleidoscopio de estampas y postales en movimiento de gente diversa, donde se palpan las fascinaciones por conocer otros ambientes, otras culturas, otros mundos... (quizá como Will More). Aparecen travellings desde transportes y encuadres estáticos de espacios que se confunden, se superponen y se descontextualizan sutilmente, gracias a los comentarios en off de decenas de personas, de todas las edades, que expresan sus sentimientos a lo largo de esos trayectos, explican anécdotas de sus desplazamientos y reflexionan a posteriori sobre esos viajes iniciáticos.

El diario-web de viaje de Lisl Ponger (http://lislponger.com/) resume su ideario entorno al arte, la ciencia, la sociedad, las prácticas turísticas (exposición Tour-ismes. La derrota de la dissensió en http://www.fundaciotapies.org), la inmigración, la antropología y la etnología, trazando conexiones con todas sus obras cinematográficas, algunas de ellas editadas por Index, en el DVD Travelling Light (http://www.index-dvd.at/).

Passagen (1996). Found footage, 35 mm (blown up from super 8 and regular 8 mm), color, sound, 12 min.

Hollis Frampton – Critical Mass

Critical Mass (1971) de Hollis Frampton

El Macba presenta a partir de este miércoles un programa de cine dedicado a la figura de Hollis Frampton (Ohio, 1936 – Nova York, 1984). Comisariado por George Stoltz el ciclo es una retrospectiva que deja en el tintero piezas como este Critical Mass hallado en el youtube por cortesía de Armeror (http://youtube.com/user/Armeror). Rectificación: Critical Mass también está en el programa.

"As a work of art I think (Critical Mass) is quite universal and deals with all quarrels (those between men and women, or men and men, or women and women, or children, or war. It is war!... It is one of the most delicate and clear statements - human relationships and the difficulties of them that I have ever seen. It is very funny, and rather obviously so. It is a magic film in that you can enjoy it, with greater appreciation, each time you look at it. Most aesthetic experiences are not enjoyable on the surface. You have to look at them a number of times before you are able to fully enjoy them, but this one stands up at once, and again and again, and is amazingly clear." - Stan Brakhage
7 de marzo:
Manual of Arms (1966, 17’)
Process Red (1966, 3’ 30’’)
Information (1966, 4’)
States (1967-1970, 17’ 30’’)
Heterodyne (1967, 7’)
Snowblind (1968, 5’ 30’’)
Maxwell's Demon (1968, 4’)
Surface Tension (1968, 10’)

14 de marzo:
Palindrome (1969, 22’)
Carrots & Peas (1969, 5’ 30’’)
Lemon (1969, 7’ 30’’)
Prince Ruperts Drops (1969, 7’)
Works and Day (1969, 12’)
Artificial Light (1969, 25’)

21 de marzo:
Zorns Lemma (1970, 60 min)

28 de marzo:
Hapax Legomena (I)
Nostalgia (1971, 36’)
Poetic Justice (1972, 31’ 30’’)
Critical Mass (1971, 25’ 30’’)

11 de abril:
Hapax Legomena (II)
Travelling Matter (1971, 33’ 30’’)
Ordinary Matter (1972, 36’)
Remote Control (1972, 29’)
Special Effects (1972, 10’ 30’’)

18 de abril:
Solariumagelani
Autumnal Equinox (1974, 27’)
Winter Solstice (1974, 33’)
Summer Solstice (1974, 32’)

25 dse abril:
Magellan: At the Gates of Death
The Red Gate (1976, 54’)
The Green Gate (1976, 52’)

(Más información: www.macba.es)