Revista PAUSA

La revista digital PAUSA llega a su novena edición con un excelente monográfico dedicado a la obra de este admirable cineasta llamado Lluís Escartín. El singular modo de relacionarse con el mundo del realizador catalán y su cautivadora capacidad de observación quedan representados mediante una serie de películas documentales que experimentan con las formas audiovisuales, revelándose como ensayos videográficos extrañamente seductores. Viajando hacia geografías lejanas, capturando la esencia del lugar e intercalando su enunciación individual Lluís Escartín se interroga a sí mismo cuestiones como la representación de la realidad y la naturaleza de la imagen en movimiento. Josetxo Cerdán, Andrés Duque y Víctor Iriarte escriben unos textos personales sobre el conjunto de su trabajo y sus métodos de creación. Fenando Ganzo y Carmen Grimaud, Gabriel Villota, Jorge Oter, Germán Rodrígues, Jorge D. González y Félix García de Villegas Rey analizan cada uno de los títulos que componen el grueso de su obra. La edición se completa con una serie de fotografías del autor y el link de la Mediateca que incluye su producción.

En las imágenes: Tabú Maná (2009)

Thomas Bayrle – Film Loop (2008)

Joan Rabascall. Producció 1964-1982

El MACBA presenta del 23 de enero al 19 de abril una elogiable exposición de Joan Rabascall que muestra la obra gráfico-plástica realizada durante el período 1964-1982. Su arte representa una singular variante del arte conceptual, heredera del Pop-Art a nivel visual. Este artista catalán recupera recortes de periódicos, fotografías de la publicidad y todo tipo de fragmentos escritos y visuales extraídos de los medios de comunicación para plantear cuestiones como el autoritarismo de la representación mediática bajo un gobierno represor. Lo hace decantándose hacia la práctica del collage, el fotomontaje, la fotografía, el cine y la instalación audiovisual (dedicada a los Juegos Olímpicos). Descontextualizando imágenes impresas a gran tamaño el artista hace patente la dimensión de la manipulación, la influencia de los medios de masas sobre el imaginario colectivo de la sociedad. Entre esbozos y representaciones de diversa factura destacan las fotografías que denuncian la urbanización masificada y el deterioro paisajístico de la Costa Brava, las carteleras cinematográficas fotocopiadas que evidencian el peligro que suponen ciertas películas narrativas y, sobretodo, las decenas de grafismos que describen el estado de una época concreta, marcada por el final de la dictadura y la supuesta apertura cultural de la Transición.

Con la película Bio-Dop (1974) Joan Rabascall desarrolla su mismo discurso bajo el parámetro de la imagen en movimiento. Partiendo de las imágenes de un anuncio de publicidad de un fijador de cabello llamado Bio Dop el artista su une a Benet Rosell para reflexionar y cuestionar las estrategias que invoca un medio masivo como el de la televisión. Lástima que en su instalación expositiva esta excelente película de cinco minutos, pionera del found footage en nuestro país, pase desapercibida por su mala ubicación (en medio de una sala circular luminosa) y su pésima conceptualización (un pequeño monitor de televisión situado a ras de suelo y un par de bafles). Hecho que contrasta sobremanera con las proyecciones planteadas en la exposición del artista pop alemán Thomas Bayrle (salas independientes, oscuridad, conjunto de sillas, proyector de 16mm y película en bucle -eso sí, una de ellas inevitablemente desenfocada-).

Mock up on Mu (2008) - Craig Baldwin

Publicado en BLOGS&DOCS (febrero 2008)



Mofarse de la Luna es un ejercicio disparatado que a nivel cinematográfico solo tiene motivo de ser en manos de cineastas incomformistas como Craig Baldwin. Este realizador norteamericano, adalid del underground y especialista en el reciclaje y el desmontaje de archivos cinematográficos ajenos, ha elaborado un nuevo largometraje heterodoxo de found footage solo apto para iniciados.

Continuando su reflexión sobre la representación cinematográfica de la Historia, Mock up on Mu (C. Baldwin, 2008) se presenta como un delirio audiovisual, una burla saturada de estímulos sensoriales que, situándose entre el biopic intransigente y la ciencia ficción paranoica, utiliza cierta mitología recóndita para construir una película inabarcable de dos horas de duración. Contextualizado geográficamente entre el pasado de una California espiritual y el futuro de un imperio llamado Mu (la Luna), el filme extiende sus coordenadas temporales entre finales de los años ’50 y el año 2019. Y lo hace para establecer vínculos personales y conceptuales entre Jack Parsons, L.Ron Hubbard, Marjorie Cameron y el más allá.

Partiendo de un argumento hiperbólico que configura un recorrido inverosímil por las actividades fantasiosas y el carácter excéntrico de estos tres personajes emblemáticos de la California contracultural de los años sesenta, Craig Baldwin mantiene el proceso creativo que ya demostraba en Spectres of the Spectrum (1999). Pero aquí la magnitud de la empresa sobredimensiona los efectos colaterales. Cruzando insistentemente recursos del cine de vanguardia, elementos del cine de ficción y residuos documentales, Craig Baldwin articula un discurso que, aprovechando material de segunda mano (todo tipo de filmaciones en 16mm posteriormente transferidas a video digital, pertenecientes a su colección de reportajes, filmes educacionales, industriales, cine de animación y títulos de serie B de ciencia ficción, entre muchos otros), introduce un conjunto de personajes de la historia reciente interpretados con mayor o menor fortuna por actores no profesionales. Kal Spelletich, Damon Packard y Michelle Silva son los encargados de encarnar respectivamente tres figuras como Jack Parsons (investigador de la tecnología aeroespacial, fundador del Jet Propulsion Lab, el Aerojet Corp. y seguidor del escritor ocultista Aleister Crowley), L.Ron Hubbard (escritor de ciencia ficción conocido por ser el fundador de la Dienética y la Cienciología) y la artista beatnik Marjorie Cameron (“la madre del movimiento New Age”).





Las creencias y las vivencias de los tres quedan insistentemente ensambladas a lo largo de trece capítulos diferenciados con intertítulos digitales, cuyo principio constructivo es la acumulación. Es así como la propuesta demuestra una metodología consecuente con el desarrollo argumental que atestigua: un amalgama de microhistorias que especulan sobre la militarización del espacio, los entresijos de religiones alternativas y la creencia en ocultismos por parte de vidas situadas al margen. El resultado es un híbrido imposible que contiene características narrativas del cine de género (ciencia ficción, terror, western, etc), recursos formales del cine de vanguardia (found footage heterogéneo hasta la extenuación) y dejes documentales (uso de archivo supuestamente concordante a las explicaciones de unas voces en off caveronsamente tendenciosas). Todo ello queda expuesto como un ejercicio de bricolaje, un collage audiovisual solucionado como un cuerpo ideológico radical donde, lúdicamente, se privilegia la festividad de las posibilidades del medio a la exposición fidedigna y coherente de los hechos recreados.

Con su nueva apuesta el realizador de San Francisco se aleja de la unidad formal de Tribulation 99: Alien Anomalies under America (1991) y del carácter documental de títulos anteriores como Sonic Outlaws (1995). La celebrada indagación por las conspiraciones y las intervenciones políticas de Estados Unidos en territorio Latinoamericano de la primera, y la documentación de la escena musical experimental de apropiación (por parte de gente como John Oswald o Negativland) de la segunda, dan paso a una ácida aglomeración de opciones fílmicas inclinadas hacia la ficción. Una ficción ya presente en Spectres of the Spectrum pero introducida ahora con mayor osadía. Con Mock up on Mu Craig Baldwin juega sin miramientos con todo lo que encuentra a su alrededor, reinventando conceptualmente su cine para dar con una estética realmente agotadora que no entiende de términos medios.

Punto de Vista 2009

El Festival Internacional de Cine Documental de Navarra Punto de Vista llega a su quinta edición con una magnífica programación que tendrá lugar en la ciudad de Pamplona durante los días 13 y 21 de febrero. En la sección oficial compiten 13 largometrajes y 13 cortometrajes, entre los cuales se encuentran los nuevos títulos de Barbara Hammer, Audrius Stonys, Sergei Loznitsa, Jay Rosenblatt y Avi Mograbi; así como los últimos trabajos de Andrés Duque, Virginia del Pino y Elías León Siminiani. Entre las secciones paralelas destaca una retrospectiva esencial del cineasta James Benning que, parcialmente, recorre su trayectoria con una serie de películas que van desde "11 x 14" (1976) hasta "RR" (2008). La presentación de las películas del documentalista canadiense Peter Lynch y las del cineasta Ben Rivers (todas ellas en 16 mm) demuestran la apuesta del festival por mostrar una obra prácticamente desconocida.

Con "La Segunda Vida de las Imágenes" el historiador y teórico Antonio Weinrichter programa un conjunto de títulos más o menos paradigmáticos del cine de apropiación, reciclaje, remontaje y desmontaje, que ejemplifican el objeto de estudio de una tesis de inmediata publicación. Películas canónicas del found footage realizadas por autores como Joseph Cornell, Ken Jacobs, Ernie Gehr, Jay Rosenblatt, Mark Rappaport, Su Friedrich, Craig Baldwin, Matthias Müller, Alan Berliner, Martin Arnold o Iván Zulueta comparten sección con títulos recientes como "Must Read After My Death" de Morgan Dews (primera mención especial en la pasada edición).
"Triste", "Sarabande" y "Winter" son los tres filmes de Nathaniel Dorsky que se proyectarán bajo el apartado La Región Central, en la que también estará presente el "Tríptico del Paisaje" de F.J. Ossang, los "Hotel Diaries" de John Smith o la reciente "Lunch Break" de Sharon Lockhart.

Finalmente la sección Heterodocsias continúa su valiosa tarea de cartografiar lo más desconocido e indescriptible del cine documental y experimental nacional. Este año se reinventa con el proyecto Heterodocsias-Sin fin, un acercamiento al cine invisible protagonizado por aquellas películas cuyos autores han dejado inconclusas. "Evo, el hambre no puede esperar" de Manuel Martín Cuenca, "Dirección Única" de Felipe Vega, "Godard en las fallas" de Lola Salvador y Carlos Molinero, "eGolem" de Eugeni Bonet y "Encuentros 1972. Pamplona" de José Antonio Sistiaga serán los proyectos inacabados a presentar por sus mismos autores, en un ejercicio autoreflexivo que descubrirá a los espectadores creaciones sin finalizar. Una loable iniciativa para redondear nueve días que prometen, ante todo, largas veladas de cine documental y cine de vanguardia de calidad.







(En las imágenes: "Must Read After My Death" de Morgan Dews, "Lunch Break" de Sharon Lockhart, "RR" de James Benning, "Sink or Swim" de Su Friedrich, "Ah Liberty" de Ben Rivers y "Sarabande" de Nathaniel Dorsky)

Amazon - Recommendations For Today

(Portadas de los libros: "Chronophobia. On Time in the Art of the 1960s" de Pamela M. Lee; "Video. The Reflexive Medium" de Yvonne Spielmann, "The Cinematic" Documents of Contemporary Art" de David Campany y "California Video: Artists and Histories" de Glenn Phillips, Meg Cranston, Rita Gonzalez y Kathy Rae Huffmann").

Home Movie Holes (2008)

Home Movie Holes (2008)
3'44". color. sound. unvisionary film.
images and sound by Albert Alcoz

Jeff Keen - Flik Flak (1963)

(extract)

'Jeff Keen has been collecting props from dumpsters and toy shops, spray painting them, setting fire to them and animating the results for forty years. His underground films pre-date Warhol, his fans include some of the most notorious and legendary figures in the world of cinema. Forget the so called greats of the silver screen, the true cinematic visionaries are elsewhere, hidden away, woefully neglected by the bulk of historians, working like alchemists with their old super 8 cameras, chocking refrigerators full of nearly out of date stock and bizarre props made from scrap or purchased in bulk from the pound shop. Jeff keen is one such figure, a true great of the avant-garde, experimental and underground film...' Jack Sargeant

KINOBLATZ

Edwin S. Porter – The Great Train Robbery

Edwin S. Porter - The Great Train Robbery (1903)
35mm film, black and white with color tinting, silent,
11 minutes (approx.). Preserved with funding from the
Celeste Bartos Film Preservation Fund.
The Museum of Modern Art, New York

Exploding Plastic Inevitable (1966), Ronald Nameth

En abril de 1966 se sucede el primer espectáculo multimedia promovido por Andy Warhol. Bajo el título The Exploding Plastic Inevitable el artista propone un show de cine expandido, con la Velvet Underground como acompañamiento musical. Ocurre en la sala de baile The Dom, en la St. Mark’s Place de Nueva York. El anuncio que informa de esta innovadora actuación multidisciplinar dice así: “Superstars Gerard Malanga And Mary Woronov On Film On Stage On Vinyl: Live music, dancing, ultra sounds, visions, lightworks by Daniel Williams; color slides by Jackie Cassen, discoteque, refreshments, Ingrid Superstar, food, celebrities, and movies, including: Vinyl, Sleep, Eat, Kiss, Empire, Whips, Faces, Harlot, Hedy, Couch, Banana, Blow Job, etc., etc., etc., all in the same place at the same time.” (1)

Este reclamo publicitario prioriza el aspecto visual por encima del auditivo, pero en realidad el ruido ensordecedor, visionario y siniestramente bello de las canciones de la Velvet Underground y la cantante Nico, es el eje principal de una velada que tendrá continuidad a la largo de un año. Un tour por ciudades de Estados Unidos y el Canadá, durante el periodo 1966-67, así lo atestigua. Las proyecciones de las películas pre-estructuralistas del mismo Warhol (2), los pases de diapositivas y los juegos de luces parpadeantes envuelven de texturas, movimientos y colores un espacio escénico, plenamente identificado con las manifestaciones cinematográficas expansivas de la era psicodélica. Aquellas que pusieron en práctica artistas como Stan Vanderbeek (Movie-Drome, 1965) o John Cage y Lejaren Hiller (HPSCHD, 1967-69). Unas propuestas artísticas conceptualizadas por pensadores como Gene Youngblood (Expanded Cinema, 1970).

El fotógrafo y realizador Ronald Nameth documentó una de las performances de la Exploding Plastic Inevitable en una película que responde cinemáticamente a los estímulos sensoriales del show. En su banda sonora cuenta con la abrumadora electricidad de cinco temas interpretados por la Velvet Underground. La viola de John Cale, la guitarra de Lou Reed, la voz de Nico, la batería de Maureen Tucker y el bajo de Sterling Morrisson se conjuntan para interpretar dos temas del primer disco de la banda (I’ll Be Your Mirror y European Son), una canción del disco Chelsea Girl de Nico (It Was A Pleasure Then) y dos piezas registradas durante una actuación en la ciudad de Chicago (Heroin, y una Venus In Furs cantada por John Cale). Filmada en color y blanco y negro, con celuloide de 16 mm, la pieza de veintidós minutos (también existe una versión reducida de 12 minutos) es una réplica formalmente consecuente a las cadencias estroboscópicas y ensordecedoras del espectáculo multimedia. Las danzas espasmódicas de la troupe de la Factory (Gerard Malanga, Mary Woronov e Ingrid Superstar) son el motivo principal de un documento cargado de efectos visuales en el que apenas aparecen los músicos. Lo presenciado en directo queda magnificado por la capacidad de
Ronald Nameth en la captura de las imágenes y su posterior manipulación en el laboratorio. De este modo la combinación de luces parpadeantes, proyecciones fílmicas y diapositivas con filtros de colores aumentan de intensidad mediante el uso del optical print. Las superposiciones, los cambios de velocidad, el ralentí constante y las congelaciones de imágenes del final se acoplan perfectamente a los gestos poseídos de Malanga y al sonido particular de la viola de Cale. Imágenes en negativo, yuxtapuestas con otras en positivo color, confunden gráficamente hasta desvelar una abstracción cromática de sombras y manchas efímeras, aceleradas o pausadas según el tema musical.

El resultado es un trabajo cinematográfico que documenta musicalmente sin ser un documental musical, presencia un directo sin ser un concierto filmado. Más bien se erige como un film precursor del videoclip que, como las películas de John Stehura, Scott Bartlett o el primer Pat O’Neill, toman una base sonora para experimentar con la imagen mediante las posibilidades técnicas de la época.

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(1) Citado en el texto de Branden W. Joseph “My Mind Split Open” Andy Warhols Exploding Plastic Inevitable. En el catálogo X-SCREEN Film Installations and Actions in the 1960s and 1970s. MUMOK. Viena, 2004. p. 14.

(2) “The major precursor of the structural film was not Brakhage, or Kubelka, or Breer. He was Andy Warhol.” P. Adams Sitney. Visionary Film. The American Avant-Garde 1943-1978. Oxford University Press, New York, 1974. p. 371.

"All You Need For A Movie Is A Girl And A Gun"

Póster diseñado por Samantha Hamerness-Coombs
para la película Amerika (1972-1983) de Al Razutis.

Súper-8, pequeño gran formato

XCÈNTRIC

Proyecciones:
Jueves 8, 20 h.
Madame Winger Makes a Film: A Survival Guide for the 21st Century, Helen Hill.
Ofrenda, Claudio Caldini.
Gisele Kérozène, Jan Kounen.
Firefly, John Porter.
Les Sorties de Charlerine Dupas I: L'été, Joseph Morder.
With Wind and White Clouds, Dónal O'Céilleachair.
Trio, Stan Brakhage.
Alicia, Lewis Carroll y el tiempo, Daniela Cugliandolo.
4x8x3, Chris Kennedy.
October 25th and 26th, Kika Thorne.
Tandem: faux-raccords, Ricard Colas y Martin Gracineau.
Stadt in Flammen, Jürgen Reble.
Tabula rasa, Peter Tscherkassky.


Viernes 9, 21 h.
In the Shadow of the Sun, Derek Jarman.
T.G.: Psysic Rally in Heaven, Derek Jarman.


Sábado 10, 20 h.
Samoa, Ernesto Baca.


Domingo 11, 18.30 h.
El cine amateur, José Ernesto Díaz-Noriega.
Súper 8, David Domingo.
Arena, Juan Bufill.
La Boucle, Virginie Manuel.
Photomatons, Eugeni Bonet.
Bloodfilm, Marcel Pey.
Fragmentos, primera impresión en S8, Oriol Sánchez.
El Jurado, José Ernesto Díaz-Noriega.
Psychedelic Light Show, Albert Alcoz.
Copy Scream, Oriol Sánchez.
22arroba, Maxi Viale.
For / Against, Eugènia Balcells.
Dramatis Personae, Pere Ginard y Laura Ginès.
Brutal Ardour, Manuel Huerga.



(Imágenes: "Stadt in Flammen" de Jürgen Reble, "In the Shadow of the Sun" de Derek Jarman, "Samoa" de Ernesto Baca, "Psychedelic Light Show" de Albert Alcoz y "Brutal Ardour" de Manuel Huerga).

Instalaciones y concierto:
Días 8, 9, 10 y 11, de 18 a 22 h.

Mobileskino: High Noon & other games

Pantalla Scopitone

Maratón súper-8
Souvenir, Manuel Huerga, 1985, 65 min
En la ciudad, VVAA. 1977, 60 min,
Glitterbug, Derek Jarman, 1994 60 min
Selección de cortometrajes de autores como Pablo Morales, Pere Ginard y Laura Ginès o Ignasi Julià.

Open Screen

Sábado 10, 21 h.
ESPECTÁCULO AUDIOVISUAL. Los Superocheros Pinchapelis extraordinarios

Más información: CCCB, Súper-8, pequeño gran formato.

Eyes – Koichiro Tsujikawa

GETTY IMAGES: EYES (2004)
Music: Cornelius

Koichiro Tsujikawa es un diseñador gráfico y realizador audiovisual japonés especializado en la creación de anuncios de publicidad y videoclips. Ha trabajado para marcas publicitarias como Toyota y Sapporo, pero su faceta más destacada ha sido la de acompañar visualmente los temas del músico japonés Cornelius. La factura preciosista de las imágenes y el carácter experimental de las planificaciones dotan sus piezas de un sentido particular ingeniosamente desarrollado.

"Eyes" está a medio camino del videoclip (Cornelius) y la publicidad (gettyimages) pero parece ser un vídeo hecho por iniciativa propia, que no parte de ningún encargo. La música ensoñadora de Keigo Oyamada acompaña un montaje calidoscópico de capturas de ojos en un continuo parpadeo postproducido. El resultado no anda muy lejos de las visiones ópticas del pintor húngaro Victor Vasarely, los montajes faciales del vídeoartista catalán Juan Pueyo o los fotomontajes corporales del realizador norteamericano Chris Cunningham.

Recycle Web 2.0

Security Anthem (2003)
by Kent Lambert

The Church of the Future (2006)
by Javier Alberto Morales and John Michael Boling

Holga 868

by Lori_an

LA MANO QUE MIRA - Siete ensayos, un objetivo

Libro + DVD
Disponible en Publicaciones del Gobierno de Navarra

Incluye los textos:

-Presentación, por Juan Ramón Corpas Mouleón
-De la génesis del proyecto, por Carlos Muguiro
-De los participantes
-De la realización, por Juan Zapater
-Del encuentro. Debate sostenido durante el Festival Punto de Vista
-De las conclusiones. Aportaciones finales de los artistas participantes.

El DVD incluye las 7 piezas realizadas por los participantes:

-Life between worlds not in fixed reality, de Andrés Duque
-L'último paradiso, de Albert Alcoz
-Por un puñado de yuanes, de María Cañas
-Apuntes para una película de espías, de Víctor Iriarte
-La educación sentimental, de Gonzalo de Lucas
-Y se me escapa la vida, de Rafael R. Trache
-Gora terra film, de Lluís Escartín

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LA LLAMADA DE LAS IMÁGENES

Capturar imágenes con un móvil sólo tiene un inconveniente: si te llaman, se para. La función cámara de vídeo deja de operar y el aparato realiza su tarea principal, establecer una comunicación telefónica entre dos personas. Las imágenes en movimiento registradas inicialmente, durante un intervalo de tiempo determinado, dejan paso al ruido de las voces. Esos planos grabados con la intención de documentar un suceso, explicar una historia, comunicar una idea, sugerir una sensación o transmitir un estado de ánimo quedan substituídos por las palabras. Se establece una comunicación oral que amaga infinitud de limitaciones. Algunas de ellas fáciles de substituir por la puesta en imágenes. Algún día será habitual enviar y recibir mediante teléfonos móviles capturas de vídeos digitales como hoy en día sucede con los mensajes de texto. Serán mensajes de vídeo unidireccionales, registrados específicamente por unos para que sean visionados exclusivamente por otros. Las palabras cederán el lugar a la combinación de imágenes y sonidos. El componente visual hará acto de presencia e inevitablemente será el primer signo comunicativo.

Utilizar el móvil como una cámara de vídeo digital es otra posibilidad más de un artilugio que permite conectarse a internet, escuchar música, jugar a videojuegos o activar el GPS. Si a esas muestras de vídeo le sumamos la facilidad con la que se pueden manipular en cualquier programa de ordenador ya tenemos un aparato más inscrito en el conjunto del audiovisual. Me comentaba un amigo que una cosa es realizar una pieza sólo con el móvil y otra muy diferente ayudarse de un Mac para montar, modificar, pulir y sonorizar esas imágenes. Pero incluso el teléfono consta de una opción para editar esas imágenes, de modo que lo específico del aparato tampoco es dejar esas imágenes en bruto. Es decir que las particularidades de la realización de una pieza audiovisual con un móvil son el tamaño, la portabilidad, la instantaneidad y la “maneabilidad” de la herramienta. Y de ahí un título como La Mano que Mira. La desaparición del visor, la transmisión instantánea del espacio profílmico a la pantalla del celular, la inestabilidad, la sensibilidad a los cambios lumínicos y, sobretodo, la presupuesta baja definición de los píxels son sus características principales. La calidad de las imágenes resulta ser al final el elemento formal más remarcable si le añadimos el hecho de que muchas piezas artísticas hechas con móvil se proyectan en un contexto artístico (galerías, muestras, festivales, etc.), donde el cuadro de la imagen se amplía considerablemente. Quizás sea el espacio virtual de internet uno de los más adecuados para exhibir este tipo de piezas audiovisuales, o al menos uno de los más consecuentes (la pantalla del propio móvil sería otro). Y qué mejor muestra de todo ello que el blog La Mano que Mira (la Mano). Es ahí donde el proyecto ha hecho sus primeros pasos hasta presentarse como un amalgama de visiones particulares, de juegos y experimentos, dubitativos y precisos.

L’Último Paradiso surge del hallazgo de un material fílmico en soporte super 8, una película de Folco Quilici dirigida en 1955. El largometraje L’Último Paradiso es una ficción (aunque cierta información de internet etiqueta el filme como un documental) que sucede en una isla del Pacífico. Ahí la pesca y la danza se desarrollan como rituales comunitarios, decisivos para garantizar la supervivencia y el devenir del pueblo. Las playas de Bora Bora, el cerco, la celebración, las percusiones, el baile, la sensualidad y el juego de atracciones son lo elementos iniciales de una obra que en su reducción de metraje a una sola bobina de super 8 lleva el título de El Gran Pescado. Mediante ese material y con la ayuda del móvil se realiza una grabación de una proyección cinematográfica. Una refilmación que en realidad es una regrabación. A partir de ahí se re-encuadran, se aíslan, se eluden, se ensalzan y se resignifican detalles, principalmente rojizos, de lo que va sucediéndose en la pantalla. El móvil sonoriza unas imágenes mudas, las tiñe de rojo y se pasea entre ellas hasta dar con el aparato que las activa. El encuentro con el proyector es una tergiversación de lo observado hasta ese momento. El deseo por acercarse choca con la invisibilidad, con la incapacidad de entender el devenir de los fotogramas, si éstos no se observan de espaldas y a cierta distancia. El parpadeo estroboscópico, la intermitencia de la ventanilla, el continúo arrastre del celuloide mediante el giro de las muescas y el reflejo del objetivo del móvil en el vidrio del objetivo del proyector abren nuevos significados a lo que sucede en ese espacio.

El resultado es un found footage proyectado, grabado, editado y sonorizado bajo parámetros concretos que trata de añadir cuestiones sobre el encuentro entre lo cinematográfico y lo digital. Es una puesta en imágenes que se desplaza entre el plano estético y el narrativo, entre lo presente y lo ausente, entre lo implícito del material original y lo que se invoca con ello. La cuestión final es proponer una reflexión, ciertamente ambigua, sobre las relaciones entre el grano de la imagen fotográfica y el píxel digital, el super 8 y el móvil, el silencio y el ruido, lo original y la copia, lo diegético y lo no diegético, el tiempo dilatado y lo efímero, lo visible y lo invisible, la ficción y el documento.

Más información:
Festival Punto de Vista
LA MANO QUE MIRA (LA MANO)

Jugando con la muerte (del celuloide)

"Jugando con la Muerte" es el título de la película que aparece en la claqueta de los primeros tres fotogramas. Las imágenes en soporte negativo color pertenecen a descartes del filme. Su procedencia resulta difícil de ubicar: podría ser "I saw what you did (1965) de William Castle o "Playing God" (1997) de Andy Wilson -traducidas al castellano como "Jugando con la muerte"-. Aunque lo cierto es que resulta poco probable que sea alguna de las dos porque lo escrito en la claqueta está en castellano. De todos modos es la primera apropiación de un servidor en 35mm. Ya queda poco para el CinemaScope.

Pat O'Neill - Runs Good

Runs Good (1971), 16mm, color/sound, 15 min.

Gary Hill – Around & About

AROUND & ABOUT (1980)



"I'm sure it could have gone on another way, a completely different way, a way that doesn't ever come to mind but that's a given. One can never observe all the possibilities and still go on to the next. Sometimes one just exits and enters again. I think I can agree with myself that it is not a matter of choice. You might think that a green is a kind of choice, even a (blain...) choice, but that's not all you are interested in either. There's another determining factor and that's what we have to concentrate on, at least I do. I agree it is easy to get (psy...). It's not even that there's a lot going on. We are just busy. I mean it's not complicated. You can go on, I can go on. We can assume there's something happening, or not something happening. I don't know perhaps it is unfair to go on, maybe we should take our minds of it and think about something else. Maybe it is not worth thinking about at all, but that leads to other things just as problematic. Maybe it should be more complicated. We are looking at it too simply. Look, we don't have to consider all the possibilities but instead really complicate one, if that's what you want to do. I don't know, maybe it's my fault. I came unprepared. I'm not ready to be complex. I don't think that's the answer though. I don't think it's an answer we are looking for. In certain ways that's probably obvious by now. Even knowing that you're a little uneasy with it and I am too. But I think it's a way I can work with now. And maybe you can and maybe you can't. I mean I'm thinking about that, there's time involved here and it's yours as much as mine. I ceirtanly don't want to threaten your time or make you feel you have to be decided yet I want you to be here. I mean I assume you are here but I don't want to back you into a corner and by the same talking I don't want you to start from that corner. That's a particular relationship I would like to put aside for now. I know this isn't free a bullshit I mean I'm coming from somewhere of a selfcounscious place. It's a kind of staking I mean the ideas just pull up but are interwoven. They're no connected or disconnected. It's a thought at least. I can see it. Decent (bod...) ideas being thrown against a wall. But that isn't fair. That isn't fair for me or you. That really kind of loads things down and that's not my intention. I can assure you of that. I want you to be with me. I mean you don't have to listen. Just hear me out. I don't want you to be involved into (...) or anything. But then that's your prerrogative and I don't want to get in your way. There's something I can be sad for that and I here you but I don't want to listen to it. I realize it's easy for one to say that I'm being ambiguous. But I don't think so. I mean if you want to leave you can do that or you can just turn off. I'm not trying to say i'm indiferent, I just think there's a way here. Maybe you really do here me and I'm going on and on, but we have to continue for some time. I'm mean I think that's part of it. It would be easy to stop at this point, it would just be unarresting and over and possibly boring. But that isn't even the issue, is important that we go on. This is the way I think it has to be right now. If it wasn't this it would be that and there's still this area that we have to get through, so that the "this" and the "that" won't become significant to this. I mean what I'm talking about isn't important in that way that important through ours attention. You might even think this is a game of some sort but really you've tried ways that were (...) to this one when you weren't thinking about the consequences. You may even have heard this before in so many words. But I want to go on, I'm not interested in this kind of talking. It has its pourpose but it can get very sticky. I would rather settle with you, some way that's non reversible, a way of being with you when it's the only way. When I arrived here I have no way of knowing it would be this way. I thought about it a lot in the begginning. I tried different ways in thinking of you. What you response would be? And that has to be considered now too. I've never lost sight of that. I don't think there's been a lost of anything, it's just that I haven't been accumulating things for me or you. There's always time for a sense of urgency. I want to avoid that for now. I don't know though, maybe you are waiting for that, waiting and listening."

Structural Views

by COHETES NARANJAS