15 de mayo de 2009
14 de mayo de 2009
Michael Snow - 05.05.09 > 13.06.09
La galeria àngels barcelona presenta hasta el 13 de junio tres piezas del cineasta canadiense Michel Snow. El máximo referente del cine estructural y uno de los artistas multidisciplinares más emblemáticos del arte contemporáneo (su obra abarca la fotografía, la pintura, la música, el cine y el vídeo; a menudo desde un punto de vista conceptual) exhibe tres obras en formato videográfico. "The Corner of Braque and Picasso Streets" se engloba dentro de la noción de videoinstalación. Encuadrando con la cámara la confluencia de las dos calles del exterior de la galería, Snow documenta ininterrumpidamente el flujo incesante de personas y automóviles, proyectando el resultado sobre una estructura volumétrica de cubos blancos. La imagen resultante queda desfragmentada a modo de cubismo analítico. La descomposición de la imagen y el modo de presentarla le permite reflexionar sobre nociones de site specific, time specific, screen art y videovigilancia. "Condensation- A Cove Story" utiliza el recurso tecnológico del time lapse para representar un paisaje que fluctúa entre el estaticismo del marco y el dinamismo de los cambios metereológicos. Las transformaciones lumínicas sucedidas en las montañas y la costa de un paisaje idílico canadiense quedan acelerados y comprimidos junto al oleaje del mar. El dispositivo captura el devenir del tiempo, expandiendo y extendiendo su huella. "See You Later / Au revoir" continúa el estudio de las capacidades perceptivas de la cámara para trazar una pieza que admite consideraciones sobre la capacidad de interpretación.
La exposición se complementa con una serie de proyecciones que muestran algunos de los trabajos más representativos de Michael Snow y algunas de sus creaciones recientes. El ciclo de proyecciones incluye películas clásicas del cine experimental como Wavelenght (1967), y piezas más recientes como Reverberlin (2007) o Triage (2005).
(En las imágenes "The Corner of Braque and Picasso Streets" y "Condensation- A Cove Story")
10 de mayo de 2009
IMÁGENES DE ESPECTROS
VISUAL 09 - MÁRGENES - AMALGAMA
Festival Audiovisual de Majadahonda. 23/29 de mayo.
Martes 26 de mayo. 20h.
Biblioteca de la Universidad Madrid.
-Eumig 80/60, Isaac Gimeno (2005), super 8 + dv, 4'
-Fascinación, Javier Otaduy (1999-2009), super 8 + dv, 3'
-ABC pornographique, Sonia Armengol Teixidó (2007), super 8 + dv, 2’
-La materia, Ramón Ayala (2008), dv, 1'
-La mort de Marat, Ramón Ayala (2008), super 8 + dv, 3'
-Propiedad particular, David d'Ors (2006), dv, 5'
-Cinco películas breves, Víctor Iriarte (2007), 16mm + dv, 9’
-Tabla aérobica nº4, Gonzalo de Pedro (2007), super8 + dv, 8'
-El chaleco salvavidas está debajo de su asiento, Daniel Cuberta (2008), dv, 10’
-The end, Fernando Franco (2008), dv, 6'
-No es la imagen, es el objeto, Andrés Duque (2008), dv, 10'
-A spanish delight, Eugeni Bonet (2007), super 8 + dv, 5'
-Moza de ánimas, Oriol Sánchez (2009), dv, 15'
Más información: AMALGAMA
Cartel realizado por Gloria Vilches
Festival Audiovisual de Majadahonda. 23/29 de mayo.
Martes 26 de mayo. 20h.
Biblioteca de la Universidad Madrid.
-Eumig 80/60, Isaac Gimeno (2005), super 8 + dv, 4'
-Fascinación, Javier Otaduy (1999-2009), super 8 + dv, 3'
-ABC pornographique, Sonia Armengol Teixidó (2007), super 8 + dv, 2’
-La materia, Ramón Ayala (2008), dv, 1'
-La mort de Marat, Ramón Ayala (2008), super 8 + dv, 3'
-Propiedad particular, David d'Ors (2006), dv, 5'
-Cinco películas breves, Víctor Iriarte (2007), 16mm + dv, 9’
-Tabla aérobica nº4, Gonzalo de Pedro (2007), super8 + dv, 8'
-El chaleco salvavidas está debajo de su asiento, Daniel Cuberta (2008), dv, 10’
-The end, Fernando Franco (2008), dv, 6'
-No es la imagen, es el objeto, Andrés Duque (2008), dv, 10'
-A spanish delight, Eugeni Bonet (2007), super 8 + dv, 5'
-Moza de ánimas, Oriol Sánchez (2009), dv, 15'
Más información: AMALGAMA
Cartel realizado por Gloria Vilches
4 de mayo de 2009
Tesoros preservados. Treasures IV: American Avant-Garde Film, 1947-1986
Publicado en BLOGS&DOCS
Con la cuarta publicación en DVD de la serie Treasures From American Film Archives, la National Film Preservation Foundation (NFPF) prosigue su imprescindible tarea de recuperar una parte esencial de la historia del cine norteamericano. La compilación Treasures III: Social Issues in American Film deja paso a un volumen titulado Treasures IV: American Avant-Garde Film, 1947-1986, que evidencia la excepcional calidad del legado vanguardista estadounidense de la segunda mitad del siglo XX. Con el conjunto de películas presentadas se recupera un cine experimental, excepcional, realizado como expresión personal. Artistas y cineastas practican un cine inquieto de naturaleza singular, realizado al margen de las productoras. Rechazando los mecanismos de la industria cinematográfica buscan cobijo en el sistema de cooperativas. Las dificultades económicas de estos organismos perjudican la conservación de las copias. Resulta pues necesario preservarlo, para conservar y difundir el valor que atesoran.
Los 26 títulos recogidos ejemplifican películas de algunos de los cineastas más destacados del cine experimental de Estados Unidos. Stan Brakhage, Jonas Mekas y Andy Warhol son los nombres propios más representativos de una selección que incluye alguna que otra sorpresa agradable, como son las aportaciones de Jane Conger Belson Shimane, Robert Nelson y William T. Willey. Esta lujosa edición viene acompañada por un libro de 72 páginas que disecciona la procedencia de cada uno de los títulos, así como el proceso de restauración llevado a cabo. El resultado son cinco horas de visionado repartidos en dos discos, a los que se ha añadido nuevas composiciones musicales del saxofonista neoyorquino John Zorn. Las películas seleccionadas pertenecen a la los archivos fílmicos del Anthology Film Archives, el MoMA, la Academy of Motion Picture Arts and Sciences, la New York Public Library y el Pacific Film Archive. En su mayoría son filmes realizados con equipos de 16mm y 8mm que transitan entre la animación abstracta, el cine lírico, el cine de found footage, el cine estructural, el documental heterodoxo y la ficción inusual.
El primer programa empieza con la figura de Harry Smith. Su "Film No. 3: Interwoven" (1947-49) es un hermoso ejemplo de Visual Music resuelto como una animación abstracta de geometrías cromáticas, incesantemente dinámicas. La música jazz de Dizzy Gilespie las acompaña festivamente. El collage parpadeante de Robert Breer en "Eyewash" (1959) es otro ejemplo de animación experimental. Sus dibujos y recortes, sucedidos como parpadeos perpetuos en fotogramas individuales, contrastan con el anacronismo de las figuras recortadas de Lawrence Jordan. En "Hamfat Asar" (1965) los movimientos interrumpidos de ilustraciones añejas describen una narración surrealista de movilidad limitada. Todo lo contrario que los asombrosos juegos ópticos de Pat O'Neill en "7362" (1967). El especialista en efectos especiales dibuja formas simétricas de colores saturados con el optical print, componiendo ágiles cuadros abstractos de impresiones estroboscópicas y oscilaciones metronómicas.
El carácter lírico y poético de registros documentales viene representado por un conjunto de películas que, por su textura fotográfica en formatos sub-estándard, se acerca al encanto de las home movies y a la frescura del cine amateur. "Go! Go! Go!" (1962-64) es una de las piezas más fascinantes del cofre. En la película de Marie Menken, la factura artística de las imágenes queda elevada a un nivel superior por la vivacidad de sus colores y su valor documental. Es un reportaje de calle por Nueva York, intuitivamente perspicaz. La práctica del frame a frame y el time-lapse como inscripción personal del espacio pro-fílmico también se manifiesta en los apuntes ininterrumpidos de Jonas Mekas en "Notes on the Circus" (1966) –fragmento perteneciente a "Walden. Diaries Notes and Sketches" (1969)-. "Bridges-Go-Round" (1958) de Shirley Clarke documenta los puentes de la ciudad de NYC interviniendo sobre la realidad. Zooms y filtros de colores distorsionan las dimensiones, desestabilizando los elementos representados. "The Riddle of Lumen" (1972) de Stan Brakhage y "Note to Pati" (1969) de Saul Levine filman el entorno más cercano para elogiar el espacio doméstico, solemnizar la luz y alabar las cualidades plásticas del celuloide.
Uno de los hallazgos de la recopilación es la presencia de "Aleph" (1956-66), la única pieza filmográfica del artista plástico Wallace Berman. Su película es un collage insólito hecho de inscripciones gráficas, fragmentadas, convenientemente tintadas. Se sitúa, por derecho propio, en un lugar privilegiado dentro de la técnica del found footage, del que Joseph Cornell es su principal precursor. Su "By Night with Torch and Spear" (1940s) es un desmontaje de capturas cinematográficas de fluctuaciones enigmáticamente discontinuas. "Peyote Queen" (1965) de Storm De Hirsch y "Chumlum" (1964) de Ron Rice manifiestan la vigencia psicodélica de la época con un entusiasmo alucinógeno por los efectos lumínicos, las dobles exposiciones y las soluciones caleidoscópicas. Son visiones de apariciones fantasmales, formalmente impecables, situadas al lado opuesto de la comicidad irreverente de Jack Smith y Ken Jacobs en "Little Stabs at Happiness" (1959-63). Título eminentemente cercano al divertimento absurdo e intransigente de George Kuchar, en ese cásting, hilarante pero también insufrible, titulado "I, An Actress" (1977).
El carácter exhibicionista de tendencias homosexuales del cine underground queda perfectamente demostrado en "Mario Banana (No. 1)" (1964) de Andy Warhol. Pieza que conecta serenamente con la estética del delirio de Jack Smith y la ficción amanerada de los hermanos Kuchar. Pero lo hace desde un presupuesto autolimitado (un único encuadre, una sola bobina) que le acerca al cine estructural. Éste viene representado por la incineración de fotografías y el recitado de textos descriptivos, sucedidos como ejercicio memorístico, en "(nostalgia)" (1971) de Hollis Frampton, y por el filme de Larry Gottheim. Su "Fog Line" (1970) es una de las piezas más destacables del cofre, en tanto que recupera un cine verdaderamente invisible –su nombre no acostumbra a aparecer en los programas de cine de centros artísticos ni el de las filmotecas-. Los cambios meteorológicos del paisaje filmado y la presencia humana, inevitablemente capturada por el aparato tecnológico, testimonian la variabilidad del entorno y la consecuente alteración del plano. Sin duda el carácter contemplativo de los lagos y los cielos de James Benning parten de aquí. "Necrology" (1969-70) de Standish Lawder mantiene puntos de confluencia con las autolimitaciones del cine estructural. Aún así, el continuo devenir de personas elevándose místicamente hacia el más allá, contiene unos créditos finales que, voluntariamente, rompen la trascendencia inicial para alcanzar, sutilmente, la ocurrencia.
Entre todas estas muestras de cine lírico, poético, underground, amateur, estructural, de animación abstracta y de apropiación resulta sorprendente, y gratificante, hallar dos títulos como "The End" (1953) de Christopher Maclaine y "Fake Fruit Factory" (1986) de Chick Strand. "The End" es una visión apocalíptica que anuncia el final de la civilización durante la Guerra Fría. Seis personajes diferentes protagonizan el último día de sus vidas en una película de ficción, realizada durante la proliferación de alarmas gubernamentales ante la amenaza de una guerra nuclear. "Fake Fruit Factory" elabora un ensayo cautivante que denuncia las condiciones opresivas de unas trabajadores mejicanas, encargadas de realizar frutas decorativas, mediante escayola y pintura. La insistencia en las planos de detalle permite una inmersión en la sumisión que, delicadamente se inscribe en el documental etnográfico. Dos películas cuyo componente crítico queda magníficamente equilibrado con la búsqueda estética. Ideología y forma en armonía para esquivar las críticas al esteticismo, con el que a menudo se desacreditan estas conmovedoras prácticas artísticas.
En las imágenes: "Fake Fruit Factory" de Chick Strand, "Aleph" de Wallace Berman y "Film No. 3: Interwoven" de Harry Smith.
Con la cuarta publicación en DVD de la serie Treasures From American Film Archives, la National Film Preservation Foundation (NFPF) prosigue su imprescindible tarea de recuperar una parte esencial de la historia del cine norteamericano. La compilación Treasures III: Social Issues in American Film deja paso a un volumen titulado Treasures IV: American Avant-Garde Film, 1947-1986, que evidencia la excepcional calidad del legado vanguardista estadounidense de la segunda mitad del siglo XX. Con el conjunto de películas presentadas se recupera un cine experimental, excepcional, realizado como expresión personal. Artistas y cineastas practican un cine inquieto de naturaleza singular, realizado al margen de las productoras. Rechazando los mecanismos de la industria cinematográfica buscan cobijo en el sistema de cooperativas. Las dificultades económicas de estos organismos perjudican la conservación de las copias. Resulta pues necesario preservarlo, para conservar y difundir el valor que atesoran.
Los 26 títulos recogidos ejemplifican películas de algunos de los cineastas más destacados del cine experimental de Estados Unidos. Stan Brakhage, Jonas Mekas y Andy Warhol son los nombres propios más representativos de una selección que incluye alguna que otra sorpresa agradable, como son las aportaciones de Jane Conger Belson Shimane, Robert Nelson y William T. Willey. Esta lujosa edición viene acompañada por un libro de 72 páginas que disecciona la procedencia de cada uno de los títulos, así como el proceso de restauración llevado a cabo. El resultado son cinco horas de visionado repartidos en dos discos, a los que se ha añadido nuevas composiciones musicales del saxofonista neoyorquino John Zorn. Las películas seleccionadas pertenecen a la los archivos fílmicos del Anthology Film Archives, el MoMA, la Academy of Motion Picture Arts and Sciences, la New York Public Library y el Pacific Film Archive. En su mayoría son filmes realizados con equipos de 16mm y 8mm que transitan entre la animación abstracta, el cine lírico, el cine de found footage, el cine estructural, el documental heterodoxo y la ficción inusual.
El primer programa empieza con la figura de Harry Smith. Su "Film No. 3: Interwoven" (1947-49) es un hermoso ejemplo de Visual Music resuelto como una animación abstracta de geometrías cromáticas, incesantemente dinámicas. La música jazz de Dizzy Gilespie las acompaña festivamente. El collage parpadeante de Robert Breer en "Eyewash" (1959) es otro ejemplo de animación experimental. Sus dibujos y recortes, sucedidos como parpadeos perpetuos en fotogramas individuales, contrastan con el anacronismo de las figuras recortadas de Lawrence Jordan. En "Hamfat Asar" (1965) los movimientos interrumpidos de ilustraciones añejas describen una narración surrealista de movilidad limitada. Todo lo contrario que los asombrosos juegos ópticos de Pat O'Neill en "7362" (1967). El especialista en efectos especiales dibuja formas simétricas de colores saturados con el optical print, componiendo ágiles cuadros abstractos de impresiones estroboscópicas y oscilaciones metronómicas.
El carácter lírico y poético de registros documentales viene representado por un conjunto de películas que, por su textura fotográfica en formatos sub-estándard, se acerca al encanto de las home movies y a la frescura del cine amateur. "Go! Go! Go!" (1962-64) es una de las piezas más fascinantes del cofre. En la película de Marie Menken, la factura artística de las imágenes queda elevada a un nivel superior por la vivacidad de sus colores y su valor documental. Es un reportaje de calle por Nueva York, intuitivamente perspicaz. La práctica del frame a frame y el time-lapse como inscripción personal del espacio pro-fílmico también se manifiesta en los apuntes ininterrumpidos de Jonas Mekas en "Notes on the Circus" (1966) –fragmento perteneciente a "Walden. Diaries Notes and Sketches" (1969)-. "Bridges-Go-Round" (1958) de Shirley Clarke documenta los puentes de la ciudad de NYC interviniendo sobre la realidad. Zooms y filtros de colores distorsionan las dimensiones, desestabilizando los elementos representados. "The Riddle of Lumen" (1972) de Stan Brakhage y "Note to Pati" (1969) de Saul Levine filman el entorno más cercano para elogiar el espacio doméstico, solemnizar la luz y alabar las cualidades plásticas del celuloide.
Uno de los hallazgos de la recopilación es la presencia de "Aleph" (1956-66), la única pieza filmográfica del artista plástico Wallace Berman. Su película es un collage insólito hecho de inscripciones gráficas, fragmentadas, convenientemente tintadas. Se sitúa, por derecho propio, en un lugar privilegiado dentro de la técnica del found footage, del que Joseph Cornell es su principal precursor. Su "By Night with Torch and Spear" (1940s) es un desmontaje de capturas cinematográficas de fluctuaciones enigmáticamente discontinuas. "Peyote Queen" (1965) de Storm De Hirsch y "Chumlum" (1964) de Ron Rice manifiestan la vigencia psicodélica de la época con un entusiasmo alucinógeno por los efectos lumínicos, las dobles exposiciones y las soluciones caleidoscópicas. Son visiones de apariciones fantasmales, formalmente impecables, situadas al lado opuesto de la comicidad irreverente de Jack Smith y Ken Jacobs en "Little Stabs at Happiness" (1959-63). Título eminentemente cercano al divertimento absurdo e intransigente de George Kuchar, en ese cásting, hilarante pero también insufrible, titulado "I, An Actress" (1977).
El carácter exhibicionista de tendencias homosexuales del cine underground queda perfectamente demostrado en "Mario Banana (No. 1)" (1964) de Andy Warhol. Pieza que conecta serenamente con la estética del delirio de Jack Smith y la ficción amanerada de los hermanos Kuchar. Pero lo hace desde un presupuesto autolimitado (un único encuadre, una sola bobina) que le acerca al cine estructural. Éste viene representado por la incineración de fotografías y el recitado de textos descriptivos, sucedidos como ejercicio memorístico, en "(nostalgia)" (1971) de Hollis Frampton, y por el filme de Larry Gottheim. Su "Fog Line" (1970) es una de las piezas más destacables del cofre, en tanto que recupera un cine verdaderamente invisible –su nombre no acostumbra a aparecer en los programas de cine de centros artísticos ni el de las filmotecas-. Los cambios meteorológicos del paisaje filmado y la presencia humana, inevitablemente capturada por el aparato tecnológico, testimonian la variabilidad del entorno y la consecuente alteración del plano. Sin duda el carácter contemplativo de los lagos y los cielos de James Benning parten de aquí. "Necrology" (1969-70) de Standish Lawder mantiene puntos de confluencia con las autolimitaciones del cine estructural. Aún así, el continuo devenir de personas elevándose místicamente hacia el más allá, contiene unos créditos finales que, voluntariamente, rompen la trascendencia inicial para alcanzar, sutilmente, la ocurrencia.
Entre todas estas muestras de cine lírico, poético, underground, amateur, estructural, de animación abstracta y de apropiación resulta sorprendente, y gratificante, hallar dos títulos como "The End" (1953) de Christopher Maclaine y "Fake Fruit Factory" (1986) de Chick Strand. "The End" es una visión apocalíptica que anuncia el final de la civilización durante la Guerra Fría. Seis personajes diferentes protagonizan el último día de sus vidas en una película de ficción, realizada durante la proliferación de alarmas gubernamentales ante la amenaza de una guerra nuclear. "Fake Fruit Factory" elabora un ensayo cautivante que denuncia las condiciones opresivas de unas trabajadores mejicanas, encargadas de realizar frutas decorativas, mediante escayola y pintura. La insistencia en las planos de detalle permite una inmersión en la sumisión que, delicadamente se inscribe en el documental etnográfico. Dos películas cuyo componente crítico queda magníficamente equilibrado con la búsqueda estética. Ideología y forma en armonía para esquivar las críticas al esteticismo, con el que a menudo se desacreditan estas conmovedoras prácticas artísticas.
En las imágenes: "Fake Fruit Factory" de Chick Strand, "Aleph" de Wallace Berman y "Film No. 3: Interwoven" de Harry Smith.
1 de mayo de 2009
Piedra, papel y tijera. El collage en el documental.
Edición a cargo de
Laura Gómez Vaquero y Sonia García López
ÍNDICE
-Presentación. Antonio Delgado Liz
-Introducción. Laura Gómez Vaquero y Sonia García López
-Notas sobre collage y cine. Antonio Weinrichter
-¡Rayógrafos y centellas! Usos del collage en los primeros documentales de vanguardia. Sonia García López
-Guernica, de Alain Resnais, el collage y la memoria: un arte de la revelación. Nancy Berthier
-De la certeza a la incertidumbre: collage, documental y discurso político de América Latina. María Luisa Ortega
-Contactos y con-textos: relaciones entre imagen, collage y escritura. Laura Gómez Vaquero
-De la compilación al collage: las películas de apropiación de Arthur Lipsett. William C. Wees
-Una estética del collage: documental, ensayo y vanguardia en la obra de Sergei Paradjanov. Alberto Elena
-Fragmentos y alegorías de la tragedia alemana. Montaje y collage en las imágenes de Alexander Kluge. Àngel Quintana
-El archivo alternativo en las películas amateur: el collage y la huella en "Az Örvény". Malin Wahlberg
-Ensayos-collage en la era del culture jamming. El cine de Craig Baldwin. Albert Alcoz
-El documental melodramático de María Cañas. Ética y estética del collage. Josep Mª Català
Presentación del libro en los Cines Princesa
Jueves 7de mayo a las 20:30h
Documenta Madrid 09
Laura Gómez Vaquero y Sonia García López
ÍNDICE
-Presentación. Antonio Delgado Liz
-Introducción. Laura Gómez Vaquero y Sonia García López
-Notas sobre collage y cine. Antonio Weinrichter
-¡Rayógrafos y centellas! Usos del collage en los primeros documentales de vanguardia. Sonia García López
-Guernica, de Alain Resnais, el collage y la memoria: un arte de la revelación. Nancy Berthier
-De la certeza a la incertidumbre: collage, documental y discurso político de América Latina. María Luisa Ortega
-Contactos y con-textos: relaciones entre imagen, collage y escritura. Laura Gómez Vaquero
-De la compilación al collage: las películas de apropiación de Arthur Lipsett. William C. Wees
-Una estética del collage: documental, ensayo y vanguardia en la obra de Sergei Paradjanov. Alberto Elena
-Fragmentos y alegorías de la tragedia alemana. Montaje y collage en las imágenes de Alexander Kluge. Àngel Quintana
-El archivo alternativo en las películas amateur: el collage y la huella en "Az Örvény". Malin Wahlberg
-Ensayos-collage en la era del culture jamming. El cine de Craig Baldwin. Albert Alcoz
-El documental melodramático de María Cañas. Ética y estética del collage. Josep Mª Català
Presentación del libro en los Cines Princesa
Jueves 7de mayo a las 20:30h
Documenta Madrid 09
30 de abril de 2009
La Risa Oblicua. Tangentes, paralelismos e interesecciones entre documental y humor
Edición a cargo de
Elena Oroz y Gonzalo de Pedro Amatria
ÍNDICE:
·Presentación. Antonio Delgado Liz
·La risa oblicua. O cuando el humor desvió al documental de su rígido canon. Elena Oroz y Gonzalo de Pedro Amatria
I - POSTDOCUMENTAL: MUTACIONES EN LOS DISCURSOS DE SOBRIEDAD
·Límites de lo risible: ética y estética del documental humorístico. Josep Mª Català
·Humores posmodernos. Hacia una epistemología de la risa en la (supuesta) Era del Vacío. David Roas
·Reflexivo, subjetivo e híbrido. El uso estratégico del humor en el documental. Craig Hight
·Cuando el documentalista se ríe de sí mismo. La estética del fracaso y el documental performativo en Avi Mograbi, Ross McElwee y Alan Berliner. Laia Quílez Esteve
·Guía de campo de perfecto “mockumentalista”. Teoría y práctica del falso documental en la era del escepticismo escópico. Fernando de Felipe
·Documental y comedia. La extraña pareja. Sonia Gómez Gómez
II - HUMOR, POLÍTICA Y REPRESENTACIÓN
·En estado de epigrama contra el destino. Humor y panfleto documental en el cine francés de los años sesenta. Nicole Brenez
·Archivo expiatorio. Dos momentos en la tradición del remontaje político. Antonio Weinrichter
·El humor y la risa en el cine etnográfico. Elisenda Ardèvol
·La risa, el fuego de mi intelecto. Humor en documentos feministas y queer. Laida Lertxundi
·Documentando la estética del delirio. La comicidad en el cine underground norteamericano. Albert Alcoz
III - EL HUMOR COMO ESPEJO DEFORMANTE
·Freak out! O de cómo un cierto documental ha matado al cine (y a nadie debería importarle). Carlos Losilla
·Documental y esperpento o algunos films singulares del arte español. José Luis Castro de Paz y Jaime Pena
IV - FRICCIONES EN LAS PEQUEÑAS PANTALLAS
·It’s funny because it’s true: la comedia de situación se abre a lo real. José Manuel López
·Así en el cine como en la tele. El humor como elemento de impacto. Jaime Iglesias
·La exhibición de micro-atrocidades. Pervivencias mondo en la era YouTube. Jordi Costa
Presentación del libro en los Cines Princesa
Jueves 7 de mayo a las 18:15h
Documenta Madrid 09
La Risa Oblicua Sala 2.0
Elena Oroz y Gonzalo de Pedro Amatria
ÍNDICE:
·Presentación. Antonio Delgado Liz
·La risa oblicua. O cuando el humor desvió al documental de su rígido canon. Elena Oroz y Gonzalo de Pedro Amatria
I - POSTDOCUMENTAL: MUTACIONES EN LOS DISCURSOS DE SOBRIEDAD
·Límites de lo risible: ética y estética del documental humorístico. Josep Mª Català
·Humores posmodernos. Hacia una epistemología de la risa en la (supuesta) Era del Vacío. David Roas
·Reflexivo, subjetivo e híbrido. El uso estratégico del humor en el documental. Craig Hight
·Cuando el documentalista se ríe de sí mismo. La estética del fracaso y el documental performativo en Avi Mograbi, Ross McElwee y Alan Berliner. Laia Quílez Esteve
·Guía de campo de perfecto “mockumentalista”. Teoría y práctica del falso documental en la era del escepticismo escópico. Fernando de Felipe
·Documental y comedia. La extraña pareja. Sonia Gómez Gómez
II - HUMOR, POLÍTICA Y REPRESENTACIÓN
·En estado de epigrama contra el destino. Humor y panfleto documental en el cine francés de los años sesenta. Nicole Brenez
·Archivo expiatorio. Dos momentos en la tradición del remontaje político. Antonio Weinrichter
·El humor y la risa en el cine etnográfico. Elisenda Ardèvol
·La risa, el fuego de mi intelecto. Humor en documentos feministas y queer. Laida Lertxundi
·Documentando la estética del delirio. La comicidad en el cine underground norteamericano. Albert Alcoz
III - EL HUMOR COMO ESPEJO DEFORMANTE
·Freak out! O de cómo un cierto documental ha matado al cine (y a nadie debería importarle). Carlos Losilla
·Documental y esperpento o algunos films singulares del arte español. José Luis Castro de Paz y Jaime Pena
IV - FRICCIONES EN LAS PEQUEÑAS PANTALLAS
·It’s funny because it’s true: la comedia de situación se abre a lo real. José Manuel López
·Así en el cine como en la tele. El humor como elemento de impacto. Jaime Iglesias
·La exhibición de micro-atrocidades. Pervivencias mondo en la era YouTube. Jordi Costa
Presentación del libro en los Cines Princesa
Jueves 7 de mayo a las 18:15h
Documenta Madrid 09
La Risa Oblicua Sala 2.0
28 de abril de 2009
Internationale Kurzfilmtage Oberhausen
Del 30 de abril al 5 de mayo se celebra en la ciudad alemana de Oberhausen la 55 edición del Kurzfilmtage, el Festival Internacional de Cortometrajes. La retrospectiva al cineasta japonés Matsumoto Toshio es una sección de la muestra que contrasta con las demás: una programación dedicada específicamente a la presentación de trabajos actuales de cine y vídeo experimental, documental y de ficción. Dividida en cuatro competiciones encabezadas por los títulos International Competition, German Competition, NRW Competition y Children's and Youth Film Competition, la selección permite entrever el interés de los organizadores por promover la realización de piezas a nivel local, en cualquiera de los géneros posibles. Hecho que se constata con la introducción de la sección NRW (obras realizadas en la zona de North Rhine-Westphalia, donde se ubica Oberhausen) y el premio mejor videoclip de producción alemana otorgado en el apartado MuVi. Sin duda, datos a tener en cuenta para la difusión y el apoyo de un cine minoritario.
En las imágenes: "Terminal" de Jörg Wagner, "Morakot (Emerald)" de Apichatpong Weerasethakul y "My Absolution" de Victor Alimpjev).
24 de abril de 2009
D.I.Y - Maya Stendhal Gallery
Del 7 de mayo al 25 de julio de 2009 se expone en la Maya Stendhal Gallery de Nueva York una muestra representativa del arte Do It Yourself, desarrollado por los artistas del entorno Fluxus. Durante los años sesenta, artistas plásticos y artistas visuales como Jonas Mekas, Paul Sharits, Ben Vautier, George Brecht, Yoko Ono y George Maciunas emplearon una filosofía DIY dentro del arte para ejercitar manifestaciones multidisciplinares (películas, happenings, música, arte objetual) decantadas hacia presupuestos provocadores, anti-artísticos, performativos, utópicos y decididamente festivos. Archivos, documentos, pósters, filmes, diagramas y dibujos varios se expondrán para plantear una revisión de un arte entusiasta y vital, radicalmente crítico con las instituciones culturales y sus mecanismos de difusión y legitimación.
22 de abril de 2009
EXPRMNTL
El domingo 3 de mayo de 2009 se celebra en el Casino de la ciudad de Knokke-Heist, en Bélgica, una nueva edición del EXPRMNTL. En el contexto del International Fotofestival de Knokke-Heist, se presenta una muestra de cine experimental que viene a homenajear las cinco ediciones que se hicieron durante los años 1949 y 1974, en ese mismo local. Esos cinco eventos fueron un lugar de encuentro idóneo para cineastas de vanguardia interesados en forjar vínculos con representantes de cooperativas, laboratorios, salas de exhibición y festivales, así como críticos, historiadores, otros cineastas, estudiantes y espectadores. El programa consta de charlas, proyecciones y conciertos.
Programa:
-Introduction by Xavier Garcia Bardon
-The Big Shave (Martin Scorsese, USA, 1967, 6’)
-21/87 (Arthur Lipsett, Canada, 1963, 11')
-Schwechater (Peter Kubelka, Austria, 1957-58, 2’)
-Wavelength (Michael Snow, Canada, 1966-67, 45’)
-CHARLEMAGNE PALESTINE – live performance
-Line Describing a Cone (Anthony McCall, 1973, 30’)
-Le corbeau et le renard (Marcel Broodthaers, Belgium, 1967, 10’) introduced by Maria Gilissen.
-Unedited Material from the Star (John Latham, UK, 1960, 12’)
-Talk Mr Bard (John Latham, UK, 1968, 7’)
-Speak (John Latham, UK, 1968-69, 11’)
-Le Vampire de la Cinémathèque (Roland Lethem, Belgium, 1971, 24’). Live soundtrack by DOLPHINS INTO THE FUTURE.
-Flaming Creatures (Jack Smith, USA, 1963, 45’)
-Ray Gun Virus (Paul Sharits, USA, 1966, 14‘)
-Pêche de nuit (Henri Chopin, Tjerk Wicky, Luc Peire, France, Switzerland, Belgium, 1963, 12’) .
-Beatles Electroniques (Nam June Paik & Jud Yalkut, USA, 1966-72, 1992, 3’)
-Towers Open Fire (Anthony Balch & William Burroughs, UK, 1963, 10’)
-Saturnus (Ludo Mich, Belgium, 1971, 30’) introduced by Ludo Mich.
-LUDO MICH – live performance
19 de abril de 2009
Película Sudorosa en Canada
El jueves 23 de abril de 2009 a las 21:30 se proyectará en el Cuartel General de CANADA la nueva realización cinematográfica de David Domingo, titulada Película Sudorosa. Tras el aclamado estreno mundial en la ciudad de Madrid, el nuevo filme llega a la ciudad Condal en esplendoroso super 8, para encandilar y arrebatar a sus más fervientes seguidores. Desde Visionary Film hemos aprovechado la ocasión para hacerle un breve cuestionario a David Domingo aka Stanley Sundey aka Davidson. En cierto modo, el conjunto de preguntas y respuestas remite a las entrevistas a realizadores de videoclips del dvd "Eclectia, un panorama del videoclip nacional contemporáneo", grabado y editado por Luís Cerveró, uno de los tres canadienses.
1 - Di un color
El marrón
2 - Ahora un animal
Los gatos
3 - ¿Cuándo empezaste a hacer pelis experimentales en súper 8?
A mediados de los 90 en casa de mis padres, mi estudio de rodaje de entonces.
4 - ¿Por qué tu último trabajo se titula Película Sudorosa?
Se titula Película Sudorosa porque cuando ves una proyección en súper 8 parece que puedes acercarte a la pantalla y rascar una capa de sudor.
5 - "¿De qué va la peli?"
Es una película que no va de nada. Es así, porque ella lo vale.
6 - ¿Tiene mucha animación, juegos ópticos, efectos especiales y pixilación?
Sí, bastantes, quizás no tantos como otras veces, pero eso sí, excelentemente rudimentarios.
7 - ¿La consideras narrativa o abstracta?
Psiquedélica.
8 - ¿Sigue siendo Iván Zulueta uno de tus más inmediatos referentes?
Sí, sin duda, aunque en esta he plagiado más a Bruce Conner.
9 - ¿Te consideras un cineasta experimental, un videoartista, un cineasta de animación, un director de películas, un superochista, un realizador audiovisual, un artista o nada de lo contrario?
Un superochista cuando filmo en súper 8 y un director de cine casero con mis otras películas.
10 - ¿Cuántos carretes en super 8 has utilizado para completar Película Sudorosa?
Alrededor de 12 carretes. Normalmente monto en cámara, pero esta se ha resistido. Llevaba tiempo sin filmar en súper 8 y había perdido la disciplina.
11 - ¿Qué medios has utilizado? (Tipo de emulsión, cámara, laboratorio, telecinado)
He filmado con una Nizo Professional, una Sankyo 320xl supertronic y una Canon 310XL. He utilizado súper 8 Kodachrome 40, Tri-X y Ektachrome 64T y lo he revelado en Andec Filmtechnik y Dwayne's Photo. Lo he montado con la ayuda de una mesa de luz, un proyector Bolex SM8, una cortadora Agfa F8s y pegatinas Rowi. El telecine me lo ha hecho en Madrid Speed de Ochoypico.
12 - ¿Crees que la edición en digital desvirtúa la naturaleza fotográfica del súper 8?
Creo que en el súper8 está enfrentarse antes o después a los dientes del proyector. Pero un buen telecine siempre es precioso.
13 - ¿Cuáles fueron las sensaciones entre el público durante su estreno mundial?
Se tuvieron que agarrar el corazón para que no se les saliese del pecho y se pusieron morados de aguantar tanto la respiración.
14 - ¿Cómo crees que va a ser recibida por el público canadiense?
Con los pies descalzos seguro, y espero que no sudorosos, aunque no me importa porque no tengo olfato.
15 - ¿Vas a mover Película Sudorosa por festivales? ¿La veremos editada pronto en DVD por una gran compañía junto a tus otras películas? ¿Va a haber una edición para coleccionistas?
Por ahora la estoy proyectando en casa y en estrenos mundiales en lugares selectos. Estoy fabricando en casa un dvd con la película para aquellos que la quieran ver y no tengan la suerte de poder asistir a un estreno.
Amazon Recommendations For Today
(En las imágenes: portadas de los libros “Between film and screen. Modernism’s photo synthesis” de Garrett Stewart, “On the camera arts and consecutive matters. The writings of Hollis Frampton”, “Uncredited” de Gemma Solana y Antonio Boneu; y carátula del dvd “13 most beautiful - songs for Andy Warhol's screen tests”).
15 de abril de 2009
Expanded Cinema: Activating the Space of Reception
Del 17 al 19 de abril de 2009 se celebra en Londres la muestra Expanded Cinema: Activating the Space of Reception. Concentradas alrededor de la Tate Modern, la larga serie de conferencias programadas durante estos tres días servirán para debatir el concepto de Expanded Cinema para dialogar sobre sus prácticas y sus significación. Multiproyecciones, instalaciones, performances, live-cinema y demás manifestaciones cinematográficas de naturaleza heterogénea acompañaran las lecturas para discutir unas perspectivas fílmicas herederas del contexto artístico de finales de los años sesenta. Fue Stan Vanderbeek quien hizo célebre el término, pero Gene Youngblood lo teorizó con acierto visionario en su escrito de 1970 titulado precisamente "Expanded Cinema" -disponible en pdf en la web de los Vasulka-. El concepto Expanded Cinema viene a definir un campo ecléctico caracterizado por unas obras fílmicas y videográficas que rompen la noción tradicional de la sala de cine, para investigar otros modos de recepción; ampliando la experiencia cinemática del espectador hacia nuevas conexiones sensoriales de inusitadas vinculaciones espacio-temporales.
(En las imágenes: "Untitled" de Sandra Gibson + Luis Recoder, "Light Music" de Lis Rhodes , "Monitor" de Stephen Partridge y "Point Source" de Tony Hill).
10 de abril de 2009
Clandestí: Forbidden Catalan Cinema Under Franco
"Clandestí: Forbidden Catalan Cinema Under Franco" es un programa de películas comisariado por Marta Sánchez y Manuel Barrios bajo la organización Pragda de Nueva York. Entre el 8 y el 12 de mayo la Film Society of Lincoln Center proyectará un conjunto de títulos cinematográficos producidos en Catalunya, durante los años sesenta y setenta, por realizadores independientes, marginales, clandestinos y militantes. Películas documentales de denuncia y ficciones subversivas de rupturas formales se distribuyen en cinco sesiones que retratan una situación histórica convulsa y aterradora como la del franquismo.
PROGRAM I: MORALITY AND SOCIETY
Happy Parallel (1964, 32 ’) Enric Ripoll i Freixes, Josep Maria Ramon
Far from the Trees (1963-70, 103’) by Jacinto Esteva-Grew.
PROGRAM II: COUNTRYSIDE AND THE CITY: THE STRUGGLE TO MAKE A LIVING
52 Sundays (1966, 29 ’) by Llorenc Soler.
Long Journey to Rage (1969, 26 ’) by Llorenc Soler
Field for Men (Helena Lumbreras, Maria Lisa), 1973; Spain, 49 min.
PROGRAM III: THE ONGOING POLITICAL STRUGGLE
Protest February 1/8 1976, Anonymous, 1976; Spain, 20 min.
Mountain, Anonymous, 1970; Spain, 10 min.
The Sopar, Pere Portabella, 1974; Spain, 50 min.
PROGRAM IV: AESTHETIC SUBVERSION: ANARCHY AND ABSURDITY
Lock Out, Antoni Padros, 1973; Spain, 127 min.
PROGRAM V: OVER THE EDGE: THE AESTHETICS OF OUTRAGE
…and then none will laugh, Manel Esteban, 1968; Spain,16 min.
Sexperiencias, Jose Maria Nunes, 1968; Spain, 94 min.
(En la imagen "Lock-Out" de Antoni Padrós)
9 de abril de 2009
NYC SYNC (2008)
NYC SYNC (2008)
3'44". B/W. sound. unvisionary film.
images and sound by Albert Alcoz
BLOGGS&DOCS Abril 2009
La prestigiosa revista online Blogs&Docs ofrece este mes de abril un buen número de entrevistas y artículos dedicados a analizar el trabajo de cineastas excepcionales que, bajo parámetros documentales y experimentales, elaboran películas personales con inquietudes formales. Craig Baldwin, José Val del Omar, James Benning, Jay Rosenblatt, Santiago Álvarez y Ben Rivers son algunos de los protagonistas del nuevo número de esta imprescindible publicación.
5 de abril de 2009
3 de abril de 2009
eGolem - C3Bar
El viernes 3 de abril a las 18:30 Eugeni Bonet presentará en el C3Bar del CCCB una versión inicial de su proyecto cinematográfico "eGolem" (2006-2009...). Un filme inacabado de 36 minutos cuya finalización es aún una incógnita. Recientemente se presentó en la sección "Heterodocsias / Sin Fin" de Punto de Vista, el Festival de Cine Documental de Pamplona.
"Una versión del Golem a partir de extractos del libro de Gustav Meyrink (Der Golem, 1915) y con algunas imágenes del film de Paul Wegener y Carl Boese (Der Golem, wie er in die Welt kam, 1920), las cuales se solapan con otras propias, tomadas a lo largo de un recorrido por las principales juderías de la geografía española.
Los residuos y vestigios de la antigua Sefarad –de los judíos expulsados de España en 1492 y en el intervalo de la convivencia de tres culturas y religiones en la época medieval– son tomados como un decorado vacío y ucrónico para narrar de nuevo el mito perenne del Golem.
Originalmente el proyecto apuntaba más allá de dicha premisa, y el motivo del Golem era entendido como un pretexto y una metáfora para introducir además otros asuntos y microrrelatos.
Arrancado en circunstancias un tanto accidentadas, el proyecto ha naufragado luego ante un horizonte supuestamente más factible e inmediato. Y, entre las razones por las que se mantiene interrumpido (¡pero también abierto!), una es que su destino no tendría que consumarse necesariamente en una pantalla única". Eugeni Bonet
1 de abril de 2009
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