Shiho Kano - Videoinstallations

Shiho Kano
"Atelier" (2005) Two channel videoinstallation





"A book" (2004) Two channel videoinstallation

"Political advertisement VII" (1952-2008) Antoni Muntadas y Marshall Reese

Publicado en BLOGS&DOCS


“It is one of the tasks of today’s artists to make visible the invisible side of the image”, Antoni Muntadas (1)

Policitical Advertisment VII es la séptima parte de un proyecto audiovisual planteado a modo de work in progress por los videoartistas Antoni Muntadas y Marshall Reese, durante el año 1984. La propaganda política estadounidense realizada desde 1952 para el ámbito televisivo es la materia prima de la que se sirven los dos autores para proponer una crítica mediática sutilmente reveladora. Cuestionando las estrategias utilizadas por los partidos políticos para promocionar sus dirigentes el vídeo demuestra la evolución histórica de las articulaciones ideológicas diseñadas durante las campañas políticas, con la finalidad de visibilizar la saturación del media landscape, la inocuidad de las proclamas políticas y el afán de demócratas y republicanos por convencer a sus posibles votantes.

El proyecto nace cuando Antoni Muntadas contacta con un analista mediático llamado Edward Diamond que, por aquél entonces, estaba trabajando en su libro The Spot: Rise of Political Advertising on Television. Tras interesarse por los análisis de Diamond y presenciar su colección de archivo publicitario, Muntadas decide plantear un proyecto con el que visibilizar la relación entre el poder de los mass media y el de las principales formaciones políticas. Apropiándose del material, tal y como hiciera posteriormente con Warnings (1988), Muntadas presenta la recopilación sin ningún comentario, mostrando tan solo un flujo continuo de candidatos a la presidencia de los Estados Unidos que van desde Eisenhower a Obama. Todos ellos quedan representados finalmente como productos comerciales, como objetos de consumo susceptibles de seducir el espectador televisivo mediante su imagen y sus promesas.

Sin necesidad de incluir una voz en off autoritaria que indique el punto de vista de los creadores, ni una edición elusiva que remarque sus consideraciones, Political advertisement VII se muestra como un conjunto de anuncios publicitarios presentados tal cual, editados uno detrás de otro sin manipulación de post-producción alguna. Tal y como indica Laurence Pantin en su artículo Fifty Years Of Political Ads: “Mientras Diamond describe y analiza la evolución de los anuncios políticos para sus lectores, Muntadas y Reese dejan que el material hable por sí mismo” (2). El mensaje que se intuye a lo largo del visionado del conjunto de piezas audiovisuales viene determinado por su inclusión en el entramado general. Con la selección se configura el discurso de los autores. Esta antología escogida -aparentemente arbitraria- de algunos de los spots más representativos de la historia de la carrera política norteamericana permite presenciar un diálogo compartimentado entre las estrategias políticas y su reflejo publicitario. Las capacidades de persuasión de cada uno de ellos viene determinada por el modo en el que venden su imagen y presentan su ideario. En esta séptima edición se incluyen piezas publicitarias que abarcan desde 1952 hasta la actualidad. Y es que la tarea de Muntadas y Reese es también la de revisar y ampliar las referencias audiovisuales con cada nueva campaña presidencial.

Una serie de intertítulos indican las décadas o los años a las que pertenecen los anuncios publicitarios. Eisenhower, Nixon, Ford, Reagan, Bush, Clinton y Obama son algunos de los protagonistas estelares. Eisenhower responde a un afroamericano sobre el precio de la vivienda, la ropa y los alimentos, Nixon trata de convencer sobre la fuerza del ejército estadounidense frente a una posible amenaza comunista, Kennedy representa el cambio político con un collage musical hecho de fotomontajes y proclamas escritas algo naïf, y Johnson se muestra catastrofista presentando una niña pequeña que cuenta los pétalos de un flor para dar paso a una cuenta atrás que hace estallar una bomba atómica. Entre todos los anuncios destaca el duelo de acusaciones entre Richard Nixon y Jimmy Carter, acerca de las irregularidades en la administración del poder público en sendas legislaturas. El realizado por Tony Schwartz en 1968 para el candidato Hubert Humphrey también tiene en Nixon su principal imputado. Ante la imposibilidad de hallar ninguna respuesta positiva por parte de Humphrey a la pregunta “What has Richard Nixon ever done for you?” se ataca irónicamente la anterior presidencia buscando a la vez la empatía del espectador.

Convencer al electorado es el fin último de unos anuncios de propaganda electoral que marcan etapas en la articulación de la publicidad a nivel ideológico. La visión retrospectiva realizada desde el presente transforma el sentido inicial de un producto audiovisual que resulta funcional, sólo durante un periodo concreto de tiempo. Con el paso de los años su carácter estético y conceptual queda inevitablemente desfasado o, si más no, desviado hacia otras consideraciones. Son documentos que atestiguan la progresiva importancia del medio audiovisual para dar a conocer el ideario de republicanos y demócratas en su lucha incesante por instalarse en la Casa Blanca. En general se observa el progresivo abandono de un discurso plano e ingenuo, por uno más esteticista y directo, pero a su vez más superficial. Utilizando voces en off con afirmaciones hiperbólicas, montajes ingeniosos o temas musicales sentimentalistas se acercan a concepciones del mundo del vídeo arte y de los videoclips. Todo vale para vender el producto, porque como indica Muntadas en las notas promocionales del vídeo: “Al principio los anuncios daban información. Con la evolución de la publicidad, los anuncios dieron menos información sobre el producto y pasaron a ser más una estrategia. Lo que quieren es que la gente compre el producto – el candidato”. El lado invisible de estas imágenes publicitarias es el que se halla detrás de ese esteticismo retórico pretendidamente consecuente con lo que espera su posible votante. En el fondo lo que se amaga es una limitación, no ya publicitaria sino ideológica.
_________________

(1) “Behind the Image”, Antoni Muntadas en Illuminating Video. An Essential Guide to Video Art (Ed. Doug Hall and Sally Jo Fifer, Aperture, New York, 1990).

(2) Laurence Pantin, Fifty Years Of Political Ads. Consultado el mes de julio en: http://www.mediachannel.org/arts/perspectives/pol_ads/index.shtml

Steina and Woody Vasulka - Electromediascope

El Nelson-Atkins Museum of Art de Kansas City ofrece del 11 al 25 de septiembre una muestra de los trabajos más representativos de la pareja de videortistas Steina y Woody Vasulka. Estos dos creadores audiovisuales, pioneros en las investigaciones tecnológicas del medio videográfico y la imagen electrónica, serán objeto de tres sesiones en las que se proyectarán parte de su legado. The Commission, Activities, Land of Timoteus, Orbital Obsessions, Violin Power, Bad, Lilith, A So Desu Ka, In the Land of the Elevator Girls, Trevor y Warp son los títulos escogidos para representar una obra centrada principalmente en las posibilidades técnicas del medio y su traducción visual/sonora al soporte vídeo. También se proyectará Participation, un documental sobre la escena artística de Nueva York de finales de los años sesenta. La última jornada contará con la presencia de los autores para presentar y discutir las vicisitudes de la obra Studies for Brotherhood and Brotherhood – 6 Media Constructions. Algunas de sus piezas pueden visionarse directamente en su página web, un espacio virtual donde las imágenes estáticas dialogan con el sonido y las imágenes en movimiento, creando un cuadro perceptivo de formas inusitadas.




En las imágenes: "Trevor" (1999), "In the land of the Elevator Girls" (1989) y "Land of Timoteus" (1975)

Click. click, click

Fotografías de Blanca Viñas (cohetesnaranjas)
Exposición del 3 de septiembre al 1 de octubre
Gogoko - Milà i Fontanals nº 44, local 2. Barcelona.
Inauguración jueves 3 de septiembre a partir de las 19h

Muestra Itinerante de Cine Playtime - Programa Found Footage

Programa audiovisual comisariado por Playtime Audiovisuales.
Obras:
"The End" de Fernando Franco
"Alone" de Gerard Freixes
"Jean Claude Van Dance" de Left Hand Rotation
"La Cosa Nuestra" de María Cañas
"¿Quién puede matar a un hombre?" de Enrique Piñuel
"Tabla aeróbica nº4 (entrenamiento para pintores)" de Gonzalo de Pedro
"Matar a Hitchcock" de Alberto Cabrera
"NIF FIN" de Albert Alcoz

Más información:
Playtime Audiovisuales

Cameraless films – Jennifer West

Jennifer West es una artista norteamericana afincada en Los Ángeles que destaca por llevar al límite de sus posibilidades las técnicas del cine sin cámara. Experimentando (jugando, probando, tanteando) con todo tipo de sustancias líquidas, productos alimenticios o elementos naturales aplicados sobre el celuloide, es como la cineasta modifica la textura visual del soporte cinematográfico hallando abstracciones expresionistas y matéricas para estos tiempos líquidos. El proceso seguido en cada una de las piezas queda indicado en el mismo título, definiendo así el carácter lúdico, performativo y participativo que propone con sus películas enterradas, cocinadas, pintadas, tintadas o directamente destrozadas. Vilma Gold de la ciudad de Londres y Marc Foxx de Los Ángeles son dos de las galerías de arte que apoyan su trabajo, proyectando en DVD sus resultados telecinados o mostrando fotografías de las prácticas y los mismos fragmentos fílmicos manipulados.

Por cierto, el fotograma de 16mm adjuntado hace unos días por aquí abajo forma parte de una de sus piezas titulada Nirvana Alchemy Film (16mm black & white film soaked in lithium mineral hot springs, pennyroyal tea, doused in mud, sopped in bleach, cherry antacid and laxatives - jumping by Finn West & Jwest), 2007 , 2 minutes 51 seconds. Está disponible para visionar en youtube junta a la hermosa Rainbow Party on 70mm.


Nirvana Alchemy Film (16mm black & white film soaked in lithium mineral hot springs, pennyroyal tea, doused in mud, sopped in bleach, cherry antacid and laxatives - jumping by Finn West & Jwest), 2007.

Rainbow Party on 70MM Film (70MM film leader kissed with lipstick & impressed with teeth marks by Jwest and her former students- Mariah Csepanyi, Maggie Romano & Roxana Eslemiah), 2008.

Naked Deep Creek Hot Springs Film (16mm film neg soaked in lithium hot springs water, Jack Daniels and pot - exposed with flashlights - skinnydipping by Karen Liebowitz, Benjamon Britton & Jwest).

Whatever Film (16mm film leader soaked in lots of coffee, espresso & tumeric, taken on power walk, rubbed with sweat and inscribed with the word, "whatever" written in purple metallic eyeliner), 2007.

Popped Cherry Film (16mm film leader stained with cherry juice, popped with hole puncher), 2007.

Idyllwild Campfire Smell Film ( 16mm film neg lit by the campfire and treated with bug spray, white gas, gin, sweat, smoke, pitch, marshmallow, beer, wine, pit toilet, dirt, sap, tent & sleeping bag – featuring marshmallow roasting by a bunch of friends), 2008.

Regressive Squirty Sauce Film (16mm film leader squirted and dripped with chocalate sauce, ketchup, mayonnaise & apple juice), 2007.

Overeating – Cécile Fontaine

Cécile Fontaine - Lightcone

El Siglo del Jazz (y sus imágenes en movimiento)

Hasta el 18 de octubre se puede visitar en las salas del Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB) la exposición "El Segle del Jazz". Una amplia selección de temas musicales, amplificados en equipos de sonido de dudosa calidad, quedan distribuidos a lo largo del espacio expositivo para producir una cacofonía abigarrada entre cubículos adornados con cuadros, fotografías, carteles, portadas de discos, documentos escritos, escenas de películas de ficción, fragmentos de actuaciones en directo, piezas de cine experimental y vídeo-instalaciones monocanal (menuda paradoja). La historia del jazz queda representada cronológicamente con ímpetu multidisciplinar. Músicos y artistas visuales participan conjuntamente del desarrollo de esta manifestación artística tan relevante para la historia del siglo XX. La música Jazz y todas sus implicaciones culturales, sociales y políticas quedan planteadas en la muestra bajo parámetros algo caprichosos que privilegian ciertas etapas, aligerando (o directamente ninguneando) otras tantas.




Por lo que refiere al apartado audiovisual destaca la inclusión de secuencias de películas de ficción que incluyen música jazz con cierta relevancia, como es el caso de "Ascensor para el cadalso" (1959) de Louis Malle, "La Noche" (1961) de Michelangelo Antonioni y "Ditirambo" (1969) de Gonzalo Suárez. "Begone Dull Care" (1949), del cineasta de animación Norman Mclaren, y "Tops" (1969), de la pareja de diseñadores y realizadores fílmicos Charles Eames y Ray Eames son dos muestras asombrosas de películas breves, perfectamente sincronizadas visualmente con los ritmos frenéticos de Oscar Peterson y los pasajes líricos de Elmer Bernstein. La primera consta de un sinfín de formas coloreadas, pintadas y rascadas directamente sobre el celuloide, que cambian perpetuamente, bajo esquemas no figurativos. La segunda es una hermosa y sencilla documentación del perpetuo movimiento circular de unas peonzas, alegremente danzarinas.




Pero sin duda la pieza más atractiva y demoledora es ese apabullante "Guitar Drag" (2000) de Christian Marclay, vídeo monocal que ya pudo verse en el PS1 de Nueva York durante una expsoición del 2007 consecuentemente titulada Organizing Chaos. El artista suizo -reconocido como uno de los autores más emblemáticos de lo que se ha dado en llamar Sound Art; es decir arte sonoro objetual y/o conceptual- elabora un dispositivo particular para denunciar la xenofobia que sufren los afroamericanos (lo hace recordando el terrible homicidio sufrido por James Byrd, Jr en el estado de Texas). Con la ayuda de un amplificador y una guitarra Fender Stratocaster sujetada en la parte trasera de un camión, Marclay realiza una acción que consiste en arrastrar el instrumento por carreteras de tierra y asfalto, hasta sus últimas consecuencias, registrando en vídeo el proceso hasta su práctica destrucción. El resultado es un aullido ensordecedor hecho de capas de ruido blanco, emitido velozmente por el amplificador. Disonancias eléctricas confundidas con el motor. Berrinches conmovedores en perfecta sincronía con el trazado. Free noise envolvente. Jazz del siglo XXI.

En las imágenes: "Begone Dull Care" de Norman McLaren, "Tops" de Charles & Ray Eames y "Guitar Drug" de Christian Marclay.

A 16mm frame

Un fotograma en color de película 16mm puede remitir al expresionismo abstracto de Morris Louis, Mark Rothko o Barnett Newman; pero existe algo orgánico en sus formas que señala otras vías de percepción, más allá de las puramente matéricas. Los aspectos estéticos vienen determinados por el aparato tecnológico utilizado, y en la cinematografía la presencia de un instante -la escritura lumínica de un fragmento de tiempo-, siempre deja un espacio para la libre ensoñación, para la imaginación de ese posible instante registrado en algún lugar.
El paso del tiempo ha deteriorado la cualidad fotográfica del referente filmado (¿parecen las ramas de un árbol?) pero ha aportado unas texturas y tonalidades imposibles de capturar exclusivamente con el espacio pro-fílmico. La imagen adquiere otras cualidades perceptivas: la del frame congelado, la del fotograma extraído de su continuo devenir temporal, la huella de un fragmento de duración apto para crear la ilusión de movimiento. Un fotograma de cualidades plásticas como éste indica su pertenencia al medio cinematográfico, pero al verse influenciado por las apreciaciones pictóricas (y teniendo en cuenta la naturaleza de su soporte; específicamente fotográfico) adquiere otras vías de análisis que se ubican entre la huella, la ruina, el arte objetual, el arte procesual y el devenir temporal. "Tiempo como materia", como anuncia la presentación de la colección del MACBA.
La imagen sin identificar forma parte de la web del centro de Leeds Lumen, responsables del festival Evolution que se celebra cada año durante el mes de mayo.

Amazon - Recommendations For Today

Portadas de los libros: "Appropriation (Documents of Contemporary Art)" editado por David Evans, "Cut: Film as Found Object in Contemporary Video", "Archive Fever: Uses of the Document in Contemporary Art" editado por Okwui Enwezor y "Postproducción" de Nicolas Bourriaud.

SCREEN-PLAY - James Taylor Gallery

SCREEN-PLAY es un programa de cine comisariado por Marialaura Ghidini y Gaia Tedone bajo el nombre de ping-pong. La galería de arte londinense James Taylor es el lugar escogido para que el domingo 26 de julio se proyecten una serie de trabajos cinematográficos y videográficos que plantean normas particulares acerca de la presencia de la pantalla y el encuadre de la imagen en movimiento. Lo hace proponiendo otros modos de encarar la narración audiovisual, alterando el desarrollo de la acción, el protagonismo de los sujetos y el tiempo en que suceden los eventos. Como indican en las notas del programa: "Es donde las acciones y los contextos pierden su original significación, que se crean nuevos espacios interpretativos - espacios que van más allá de cualquier lectura presupuesta".
La sesión cuenta con las siguientes obras:

Emanuel Almborg, Newsreel, 2008, 10 min
George Barber, Absence of Satan, 1985, 5 min
Slater Bradley, Recorded Yesterday, 2004, 2 min
Matthew Noel-Tod, Bicycle Thief, 1998/2001, 4 min
Maria Domenica Rapicavoli, My Ideal House, 2007, 2 min
Brian Rhodes, Glenn Branca Solo Phaseshift, 2009, 7 min
Zbig Rybczynski, New Book (Nowa Ksiazka), 1975, 10 min
Jozef Robakowski, The Market, 1970, 6 min
Sepideh Saii, Buffalo 66, 2008, 2 min
Alessandro Sambini, Presidents, 2009, 9 min
Patrick Ward, Reception, 2004, 5 min

Screen-Play está organizado por ping pong como parte del proyecto "A
Cinema" (23-26 Julio 2009). James Taylor Gallery





En las imágenes: "Recorded Yesterday" de Slater Bradley, "The Market" de Jozef Robakowski, "New Book (Nowa Ksiazka)" de Zbig Rybczynski, "Reception" de Patrick Ward y "Newsreel" de Emanuel Almborg.

tank.tv – Lisa Oppenheim

"The Sun is Always Setting Somewhere Else" (2006) by Lisa Oppenheim, now showing at tank.tv








"35mm slide projection using images downloaded from the internet of sunsets taken by soldiers in Iraq, then positioned in front of the setting sun in New York".

Selected Films (1977-2008) – Henry Hills

MONEY (1985)

La discográfica musical Tzadik, especializada en música de vanguardia, improvisación y jazz contemporáneo, continua su tarea de publicar DVDs que apoyen visualmente algunas de las propuestas musicales que defienden. El directo de Masada grabado por Antonio Ferrera, la compilación de documentos del director teatral Richard Foreman, los documentales musicales de Claudia Heuermann sobre la figura de John Zorn, el concierto "Sabbath in Paradise", las animaciones de Ikue Mori al son de música electrónica y la colaboración entre Pierre Hébert y Bob Ostertag son algunas de las ediciones audiovisuales de este singular sello. Las películas "Celestial Subway Lines/Salvaging Noise" y "New York Ghetto Fishmarket 1903" de Ken Jacobs son las que más se han acercado al cine de vanguardia estadounidense más reivindicativo. Con la nueva publicación de piezas presentan una selección de filmes del realizador Henry Hills, afincado en Nueva York desde 1978. La compilación contiene trabajos emblemáticos como "Money", una película de 14 minutos cuya fragmentada edición sonora y visual plantea un discurso crítico del dinero en la sociedad capitalista. Con un tono cómico documenta rítmicamente la escena musical, poética y escénica del Downtown neoyorquino de finales de los años setenta (John Zorn, Abigail Child, Derek Bailey, Fred Frith, Christian Marclay, Arto Lindsay, Diane Ward, Carmen Vigil, Susie Timmons y Sally Silvers son algunos de su desmontados protagonistas). "The Little Lieutenant", "Bali Mechanique" y el videoclip "Gotham" para la banda Naked City (compuesta por John Zorn, Bill Frisell y Fred Frith) son otras de las piezas incluidas en una compilación que abarca el periodo 1977-2008. Para ver más películas de Henry Hills acceder a la web de Pennsound.

GOTHAM (1990)

Robert Frank Film Retrospective

Después de la completa retrospectiva cinematográfica de Robert Frank organizada por el Museo de Arte Moderno de San Francisco (SFMoMA), la Filmforum de Los Ángeles acoge tres proyecciones para conmemorar el cincuenta aniversario de la publicación de su libro fotográfico "The Americans". Estas tres sesiones comisariadas por Adam Hyman son una muestra de sus primeras películas en cine, sus incursiones en el vídeo y un pequeño documental que repasa su trayectoria artística. El retrato desencajado de los escritores beatniks titulado "Pull My Daisy" (1959) y ese largometraje poderosamente reflexivo titulado "Me and My Brother" (1965-68) -donde todo queda continuamente puesto en duda: imagen fotográfica-imagen en movimiento, actuación-vivencia, realidad-ficción- son las encargadas de iniciar el ciclo. "Fire in the East: A Portrait of Robert Frank" (1986), "O. K. End Here" (1963), "Flamingo" (1997) y "In Sanyu" (1999) conforman una segunda sesión titulada "Films by and about Robert Frank". Con "The Present" (1996), "I Remember" (1998), "Paper Route" (2002) y "True Story" (2004) se da paso al carácter ensayístico de unos vídeos que funcionan como palimpsestos perpetuamente reinventados. Son piezas en las que su autor dialoga sobre la fascinación que producen las imágenes en movimiento y sobre el carácter fúnebre de esa huella embalsamada que es la fotografía. La memoria, el recuerdo y el paso del tiempo son algunos de los conceptos que trabaja de modo creativo, tomando como punto de partida su entorno más inmediato, el de sus lugares, sus amigos, su familia y él mismo.



En las imágenes: "Paper Route" y "True Story".