Carles Comas i Barrabin (1957-2009)

Carles Comas i Barrabin (Barcelona 1957) ha fallecido a los 52 años. Durante la década de los setenta fue uno de los cineastas más relevantes del cine visionario nacional. Realizó decenas de películas experimentales en soporte super 8, ficciones y documentales que a día de hoy continúan siendo, lamentablemente, invisibles. En "Práctica fílmica y vanguardia artística en España, 1925-1981" Eugeni Bonet y Manuel Palacio escribieron: "Visualmente, toda su obra mantiene un atractivo grado de elaboración, apoyado en distintos recursos formales y, particularmente, en procesos de refilmación." Piezas de breve duración como "Tarzan's Day" (1976), "Fotos de espectros" (1977), "La inevitable caiguda d'un ull" (1979), "Poliorama" (1980), "Dan (1982) y largometrajes como "Parabellum" (1977), "Hotel Paradís" (1981) y "Caequi ridiculi sensum non habent" (1982) fueron algunos de sus trabajos. Su inquietud artística se amplió hacia el campo de la instalación, las multiproyeciones, el vídeo y la televisión. Recuperar su obra y visualizar sus hallazgos es una tarea necesaria para poder redescubrir un cine insólito que permanece enigmáticamente oculto; como el de tantos otros.





En las imágenes: "Fotos de espectros" (1977), "Dan" (1982) -piezas realizadas en super 8- y dos fotogramas de "Hotel Paradís" (1981) -super 8, diapositivas y vídeo-.

El arte del vídeo online

Publicado en el suplemento Cultura/s de La Vanguardia

TANK.TV Una pantalla global para artistas que trabajan en cine y vídeo; un espacio virtual modélico para la imagen en movimiento.




El videoarte creció a remolque del cine experimental. Aprendió la práctica del cine más singular, subversivo y marginal para desarrollar unas formas y unos discursos enfocados, hábilmente, hacia la institución artística. Proyectar películas vanguardistas había sido una tarea específica de filmotecas y salas cinematográficas no comerciales. Con el dispositivo videográfico la exhibición quedaba relegada exclusivamente al contexto galerístico o museístico. De este modo los artistas introducían el nuevo medio en el conjunto de debates estéticos e ideológicos del arte de los años sesenta y setenta, mientras los cineastas experimentales seguían creando a contracorriente de la industria cinematográfica. Los conflictos por identificar las obras como cine experimental o videoarte resultaron inocuos ante la aparición de un término como Expanded Cinema –recientemente desviado hacia los de Screen Art o Experimental Media–. En la actualidad la mutación del soporte físico de las obras (la continua conversión entre el celuloide, la cinta magnética y el soporte digital) evita una catalogación específicamente tecnológica en favor de otras taxonomías más fructíferas. El contexto en el que se articulan las piezas es, finalmente, el que acaba definiendo la naturaleza de los discursos. Y una plataforma universal como internet es uno de los medios más aptos para difundir una praxis inevitablemente delimitada por la extensión de la pantalla.




Tank.tv se define como una galería online para artistas que trabajan en cine y vídeo, analógico y digital. Fundada por la Tank Magazine en 2003, la web se ha convertido en uno de los refugios más estimulantes para hallar propuestas novedosas en el campo del cine y el vídeo experimental. Autores como Ken Jacobs, Steve Reinke o Christoph Rütimann han sido objeto de retrospectivas online: exposiciones virtuales de dos semanas, complementadas con entrevistas, cuestionarios y actividades paralelas organizadas en centros de arte. Artistas contemporáneos reconocidos como Vito Acconci, Martha Rosler, John Smith, Issac Julien, Anri Sala o Philippe Parreno han participado en un conjunto de muestras comisariadas por especialistas como Mark Webber. Instituciones como la Tate Modern de Londres y el ZKM de Kalrsruhe han secundado el proyecto tras entender la importancia de la red como espacio expositivo generalista, apto para descubrir insólitos puntos de vista. De este modo los diaporamas y filmes estructuralistas diseñados sistemáticamente por Lisa Oppenheim, las animaciones de pinturas figurativas encadenadas digitalmente por Jacco Olivier o las performances enfermizas editadas bizarramente por John Bock pueden consultarse indefinidamente en un archivo permanente que incluye todo lo expuesto hasta el momento. Con una suscripción gratuita se puede acceder a un catálogo de piezas audiovisuales que en breve acogerá las de Paul McCarthy y Mark Aerial Waller.

En la era de la pantalla global, elaborar depósitos ciberespaciales que sugieran referencias y elaboren recepciones con rigurosidad es una tarea pedagógica tan necesaria como la explicación de la obra por parte del artista. Plataformas televisivas online como Tank.tv pueden guiar críticamente la navegación del usuario, a lo ancho de ese contenedor del audiovisual que es la pantalla de un ordenador conectado a internet.


Imágenes de piezas de Ken Jacobs, Jacco Olivier y Lisa Oppenheim.

Film sin nombre – Llorenç Soler

Maratón de la muestra itinerante de cine Playtime

El próximo 20 de septiembre se celebra una Maratón de la muestra itinerante de cine Playtime, con motivo de la Fiesta Mayor del Poble Nou (Barcelona). Se proyectarán los programas especiales de videodanza, videoclip y cortometrajes en el NIU - espai artistic contemporani (Calle Almogàvers 208, Metro Llacuna - Barcelona)

18.30 horas Programa Videodanza
-A.P.A.A.I. de Guillem Morales
-Anestesia de Paulo Fernández y Sebastian Parada
-The dancer's cut de Enrique Piñuel
-Dreaming Awake de José Carrasco
-Paraoffelias de Beatriz Sánchez
-Aprop de Aitor Echeverría

19.30 horas Programa Videoclip
-Liar to love [Christina Rosenvinge] de Luis Cerveró
-The art of walking [Blockhead] de Joan Guasch
-Mal al cor [Le petit Ramon] de Ferran Calvó
-Espacios muchos [Manuvers] de Santi Aguado
-Es feo [Manos de topo] de Kike Maillo
-Lies [Oniric] de Eduardo Rhoppe
-La soledad comienza [Xhelazz] de Alberto Blanco
-La niña inmantada [Love of lesbian] de José Luis Cañadas
-Running away [Undo] de Craptom
-Dona estrangera [Manel] de Sergi Pérez
-Last time [We are standard] de Marc Lozano

20.45 horas Programa Cortometrajes
-El ataque de los robots de nebulosa - 5 de Chema García
-Today is Sunday de Isaac Berrokal
-Dibujo de David de Iván Morales
-Chino de Rogelio Sastre
-Avant Petalos Grillados de Velasco Broca
-18 segundos de Zacharías y Macgregor

En las imágenes: El ataque de los robots de nebulosa - 5 de Chema García y Paraoffelias de Beatriz Sánchez.

A, ante, bajo, cabe, con, contra, de, desde

LA NOCHE EN BLANCO presenta:
Venusplutón!com: el nuevo videoclip español




Madrid 19 de septiembre
Plaza de Chueca
Pases cada hora entre las 21h y la 1h

"Pese a la agonía de la industria de la música, el videoclip vive uno de sus momentos más dulces y creativos gracias a Internet y sus usuarios, reconvertidos en una figura híbrida entre creadores, programadores y espectadores. Bajo formas diversas, mestizas, nostálgicas y algunas subversivas, un grupo de realizadores, músicos y críticos ha puesto en marcha venuspluton!com. Un portal de vídeos musicales producidos al margen de la industria, que busca reinventar un género que parecía sometido a los dictados de la televisión, y dar a conocer a toda una renovada escena musical que no aparece en los medios".

Programación:
·Víctor Iriarte con "Hey River" para Saioa
·Luis Segura y Marc Anglès con "La estatua de la libertad" para Manos de Topo
·Albert Alcoz con "Planta carnívora" para ZA
·Marc Prades con "En Espagne" para The Apalins
·Sergi Portabella con "Temperatura" para Centella
·Luis Cerveró con "Un hotel en el desierto" para Lidia Damunt
·Víctor Iriarte con "Tontín" para Internet2
·Marc Prades con "What is Beauty" para The Apalins
·Marc Lozano con "Amenaza" para Centella
·Lope Serrano con "Soportables de la Chinata" para Triple A
·Albert Alcoz con "La canción de Buridán" para Hans Laguna y La Sintaxis
·Marc Anglès con "El suro de l’amo" para Bedroom
·Joan Carles Martorell con "Extraño corte de pelo" para Tihuya Cats
·Raúl Cuevas con "Mientras tú duermes tranquilo" para Espaldamaceta




En las imágenes: "Amenaza" de Marc lozano,"En Espagne" de Marc prades, "Hey River" de Víctor Iriarte y "Extraño corte de pelo" de Joan Carles Martorell.

Shiho Kano - Videoinstallations

Shiho Kano
"Atelier" (2005) Two channel videoinstallation





"A book" (2004) Two channel videoinstallation

"Political advertisement VII" (1952-2008) Antoni Muntadas y Marshall Reese

Publicado en BLOGS&DOCS


“It is one of the tasks of today’s artists to make visible the invisible side of the image”, Antoni Muntadas (1)

Policitical Advertisment VII es la séptima parte de un proyecto audiovisual planteado a modo de work in progress por los videoartistas Antoni Muntadas y Marshall Reese, durante el año 1984. La propaganda política estadounidense realizada desde 1952 para el ámbito televisivo es la materia prima de la que se sirven los dos autores para proponer una crítica mediática sutilmente reveladora. Cuestionando las estrategias utilizadas por los partidos políticos para promocionar sus dirigentes el vídeo demuestra la evolución histórica de las articulaciones ideológicas diseñadas durante las campañas políticas, con la finalidad de visibilizar la saturación del media landscape, la inocuidad de las proclamas políticas y el afán de demócratas y republicanos por convencer a sus posibles votantes.

El proyecto nace cuando Antoni Muntadas contacta con un analista mediático llamado Edward Diamond que, por aquél entonces, estaba trabajando en su libro The Spot: Rise of Political Advertising on Television. Tras interesarse por los análisis de Diamond y presenciar su colección de archivo publicitario, Muntadas decide plantear un proyecto con el que visibilizar la relación entre el poder de los mass media y el de las principales formaciones políticas. Apropiándose del material, tal y como hiciera posteriormente con Warnings (1988), Muntadas presenta la recopilación sin ningún comentario, mostrando tan solo un flujo continuo de candidatos a la presidencia de los Estados Unidos que van desde Eisenhower a Obama. Todos ellos quedan representados finalmente como productos comerciales, como objetos de consumo susceptibles de seducir el espectador televisivo mediante su imagen y sus promesas.

Sin necesidad de incluir una voz en off autoritaria que indique el punto de vista de los creadores, ni una edición elusiva que remarque sus consideraciones, Political advertisement VII se muestra como un conjunto de anuncios publicitarios presentados tal cual, editados uno detrás de otro sin manipulación de post-producción alguna. Tal y como indica Laurence Pantin en su artículo Fifty Years Of Political Ads: “Mientras Diamond describe y analiza la evolución de los anuncios políticos para sus lectores, Muntadas y Reese dejan que el material hable por sí mismo” (2). El mensaje que se intuye a lo largo del visionado del conjunto de piezas audiovisuales viene determinado por su inclusión en el entramado general. Con la selección se configura el discurso de los autores. Esta antología escogida -aparentemente arbitraria- de algunos de los spots más representativos de la historia de la carrera política norteamericana permite presenciar un diálogo compartimentado entre las estrategias políticas y su reflejo publicitario. Las capacidades de persuasión de cada uno de ellos viene determinada por el modo en el que venden su imagen y presentan su ideario. En esta séptima edición se incluyen piezas publicitarias que abarcan desde 1952 hasta la actualidad. Y es que la tarea de Muntadas y Reese es también la de revisar y ampliar las referencias audiovisuales con cada nueva campaña presidencial.

Una serie de intertítulos indican las décadas o los años a las que pertenecen los anuncios publicitarios. Eisenhower, Nixon, Ford, Reagan, Bush, Clinton y Obama son algunos de los protagonistas estelares. Eisenhower responde a un afroamericano sobre el precio de la vivienda, la ropa y los alimentos, Nixon trata de convencer sobre la fuerza del ejército estadounidense frente a una posible amenaza comunista, Kennedy representa el cambio político con un collage musical hecho de fotomontajes y proclamas escritas algo naïf, y Johnson se muestra catastrofista presentando una niña pequeña que cuenta los pétalos de un flor para dar paso a una cuenta atrás que hace estallar una bomba atómica. Entre todos los anuncios destaca el duelo de acusaciones entre Richard Nixon y Jimmy Carter, acerca de las irregularidades en la administración del poder público en sendas legislaturas. El realizado por Tony Schwartz en 1968 para el candidato Hubert Humphrey también tiene en Nixon su principal imputado. Ante la imposibilidad de hallar ninguna respuesta positiva por parte de Humphrey a la pregunta “What has Richard Nixon ever done for you?” se ataca irónicamente la anterior presidencia buscando a la vez la empatía del espectador.

Convencer al electorado es el fin último de unos anuncios de propaganda electoral que marcan etapas en la articulación de la publicidad a nivel ideológico. La visión retrospectiva realizada desde el presente transforma el sentido inicial de un producto audiovisual que resulta funcional, sólo durante un periodo concreto de tiempo. Con el paso de los años su carácter estético y conceptual queda inevitablemente desfasado o, si más no, desviado hacia otras consideraciones. Son documentos que atestiguan la progresiva importancia del medio audiovisual para dar a conocer el ideario de republicanos y demócratas en su lucha incesante por instalarse en la Casa Blanca. En general se observa el progresivo abandono de un discurso plano e ingenuo, por uno más esteticista y directo, pero a su vez más superficial. Utilizando voces en off con afirmaciones hiperbólicas, montajes ingeniosos o temas musicales sentimentalistas se acercan a concepciones del mundo del vídeo arte y de los videoclips. Todo vale para vender el producto, porque como indica Muntadas en las notas promocionales del vídeo: “Al principio los anuncios daban información. Con la evolución de la publicidad, los anuncios dieron menos información sobre el producto y pasaron a ser más una estrategia. Lo que quieren es que la gente compre el producto – el candidato”. El lado invisible de estas imágenes publicitarias es el que se halla detrás de ese esteticismo retórico pretendidamente consecuente con lo que espera su posible votante. En el fondo lo que se amaga es una limitación, no ya publicitaria sino ideológica.
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(1) “Behind the Image”, Antoni Muntadas en Illuminating Video. An Essential Guide to Video Art (Ed. Doug Hall and Sally Jo Fifer, Aperture, New York, 1990).

(2) Laurence Pantin, Fifty Years Of Political Ads. Consultado el mes de julio en: http://www.mediachannel.org/arts/perspectives/pol_ads/index.shtml

Steina and Woody Vasulka - Electromediascope

El Nelson-Atkins Museum of Art de Kansas City ofrece del 11 al 25 de septiembre una muestra de los trabajos más representativos de la pareja de videortistas Steina y Woody Vasulka. Estos dos creadores audiovisuales, pioneros en las investigaciones tecnológicas del medio videográfico y la imagen electrónica, serán objeto de tres sesiones en las que se proyectarán parte de su legado. The Commission, Activities, Land of Timoteus, Orbital Obsessions, Violin Power, Bad, Lilith, A So Desu Ka, In the Land of the Elevator Girls, Trevor y Warp son los títulos escogidos para representar una obra centrada principalmente en las posibilidades técnicas del medio y su traducción visual/sonora al soporte vídeo. También se proyectará Participation, un documental sobre la escena artística de Nueva York de finales de los años sesenta. La última jornada contará con la presencia de los autores para presentar y discutir las vicisitudes de la obra Studies for Brotherhood and Brotherhood – 6 Media Constructions. Algunas de sus piezas pueden visionarse directamente en su página web, un espacio virtual donde las imágenes estáticas dialogan con el sonido y las imágenes en movimiento, creando un cuadro perceptivo de formas inusitadas.




En las imágenes: "Trevor" (1999), "In the land of the Elevator Girls" (1989) y "Land of Timoteus" (1975)

Click. click, click

Fotografías de Blanca Viñas (cohetesnaranjas)
Exposición del 3 de septiembre al 1 de octubre
Gogoko - Milà i Fontanals nº 44, local 2. Barcelona.
Inauguración jueves 3 de septiembre a partir de las 19h

Muestra Itinerante de Cine Playtime - Programa Found Footage

Programa audiovisual comisariado por Playtime Audiovisuales.
Obras:
"The End" de Fernando Franco
"Alone" de Gerard Freixes
"Jean Claude Van Dance" de Left Hand Rotation
"La Cosa Nuestra" de María Cañas
"¿Quién puede matar a un hombre?" de Enrique Piñuel
"Tabla aeróbica nº4 (entrenamiento para pintores)" de Gonzalo de Pedro
"Matar a Hitchcock" de Alberto Cabrera
"NIF FIN" de Albert Alcoz

Más información:
Playtime Audiovisuales

Cameraless films – Jennifer West

Jennifer West es una artista norteamericana afincada en Los Ángeles que destaca por llevar al límite de sus posibilidades las técnicas del cine sin cámara. Experimentando (jugando, probando, tanteando) con todo tipo de sustancias líquidas, productos alimenticios o elementos naturales aplicados sobre el celuloide, es como la cineasta modifica la textura visual del soporte cinematográfico hallando abstracciones expresionistas y matéricas para estos tiempos líquidos. El proceso seguido en cada una de las piezas queda indicado en el mismo título, definiendo así el carácter lúdico, performativo y participativo que propone con sus películas enterradas, cocinadas, pintadas, tintadas o directamente destrozadas. Vilma Gold de la ciudad de Londres y Marc Foxx de Los Ángeles son dos de las galerías de arte que apoyan su trabajo, proyectando en DVD sus resultados telecinados o mostrando fotografías de las prácticas y los mismos fragmentos fílmicos manipulados.

Por cierto, el fotograma de 16mm adjuntado hace unos días por aquí abajo forma parte de una de sus piezas titulada Nirvana Alchemy Film (16mm black & white film soaked in lithium mineral hot springs, pennyroyal tea, doused in mud, sopped in bleach, cherry antacid and laxatives - jumping by Finn West & Jwest), 2007 , 2 minutes 51 seconds. Está disponible para visionar en youtube junta a la hermosa Rainbow Party on 70mm.


Nirvana Alchemy Film (16mm black & white film soaked in lithium mineral hot springs, pennyroyal tea, doused in mud, sopped in bleach, cherry antacid and laxatives - jumping by Finn West & Jwest), 2007.

Rainbow Party on 70MM Film (70MM film leader kissed with lipstick & impressed with teeth marks by Jwest and her former students- Mariah Csepanyi, Maggie Romano & Roxana Eslemiah), 2008.

Naked Deep Creek Hot Springs Film (16mm film neg soaked in lithium hot springs water, Jack Daniels and pot - exposed with flashlights - skinnydipping by Karen Liebowitz, Benjamon Britton & Jwest).

Whatever Film (16mm film leader soaked in lots of coffee, espresso & tumeric, taken on power walk, rubbed with sweat and inscribed with the word, "whatever" written in purple metallic eyeliner), 2007.

Popped Cherry Film (16mm film leader stained with cherry juice, popped with hole puncher), 2007.

Idyllwild Campfire Smell Film ( 16mm film neg lit by the campfire and treated with bug spray, white gas, gin, sweat, smoke, pitch, marshmallow, beer, wine, pit toilet, dirt, sap, tent & sleeping bag – featuring marshmallow roasting by a bunch of friends), 2008.

Regressive Squirty Sauce Film (16mm film leader squirted and dripped with chocalate sauce, ketchup, mayonnaise & apple juice), 2007.

Overeating – Cécile Fontaine

Cécile Fontaine - Lightcone

El Siglo del Jazz (y sus imágenes en movimiento)

Hasta el 18 de octubre se puede visitar en las salas del Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB) la exposición "El Segle del Jazz". Una amplia selección de temas musicales, amplificados en equipos de sonido de dudosa calidad, quedan distribuidos a lo largo del espacio expositivo para producir una cacofonía abigarrada entre cubículos adornados con cuadros, fotografías, carteles, portadas de discos, documentos escritos, escenas de películas de ficción, fragmentos de actuaciones en directo, piezas de cine experimental y vídeo-instalaciones monocanal (menuda paradoja). La historia del jazz queda representada cronológicamente con ímpetu multidisciplinar. Músicos y artistas visuales participan conjuntamente del desarrollo de esta manifestación artística tan relevante para la historia del siglo XX. La música Jazz y todas sus implicaciones culturales, sociales y políticas quedan planteadas en la muestra bajo parámetros algo caprichosos que privilegian ciertas etapas, aligerando (o directamente ninguneando) otras tantas.




Por lo que refiere al apartado audiovisual destaca la inclusión de secuencias de películas de ficción que incluyen música jazz con cierta relevancia, como es el caso de "Ascensor para el cadalso" (1959) de Louis Malle, "La Noche" (1961) de Michelangelo Antonioni y "Ditirambo" (1969) de Gonzalo Suárez. "Begone Dull Care" (1949), del cineasta de animación Norman Mclaren, y "Tops" (1969), de la pareja de diseñadores y realizadores fílmicos Charles Eames y Ray Eames son dos muestras asombrosas de películas breves, perfectamente sincronizadas visualmente con los ritmos frenéticos de Oscar Peterson y los pasajes líricos de Elmer Bernstein. La primera consta de un sinfín de formas coloreadas, pintadas y rascadas directamente sobre el celuloide, que cambian perpetuamente, bajo esquemas no figurativos. La segunda es una hermosa y sencilla documentación del perpetuo movimiento circular de unas peonzas, alegremente danzarinas.




Pero sin duda la pieza más atractiva y demoledora es ese apabullante "Guitar Drag" (2000) de Christian Marclay, vídeo monocal que ya pudo verse en el PS1 de Nueva York durante una expsoición del 2007 consecuentemente titulada Organizing Chaos. El artista suizo -reconocido como uno de los autores más emblemáticos de lo que se ha dado en llamar Sound Art; es decir arte sonoro objetual y/o conceptual- elabora un dispositivo particular para denunciar la xenofobia que sufren los afroamericanos (lo hace recordando el terrible homicidio sufrido por James Byrd, Jr en el estado de Texas). Con la ayuda de un amplificador y una guitarra Fender Stratocaster sujetada en la parte trasera de un camión, Marclay realiza una acción que consiste en arrastrar el instrumento por carreteras de tierra y asfalto, hasta sus últimas consecuencias, registrando en vídeo el proceso hasta su práctica destrucción. El resultado es un aullido ensordecedor hecho de capas de ruido blanco, emitido velozmente por el amplificador. Disonancias eléctricas confundidas con el motor. Berrinches conmovedores en perfecta sincronía con el trazado. Free noise envolvente. Jazz del siglo XXI.

En las imágenes: "Begone Dull Care" de Norman McLaren, "Tops" de Charles & Ray Eames y "Guitar Drug" de Christian Marclay.