Magic Lintern Cinema - The Food Show

Corn (1970) Larry Gottheim

El miércoles 29 de junio Magic Lantern Cinema presenta una nueva sesión dentro de su programación de cine y vídeo experimental. Bajo el título de The Food Show se mostrarán en Providende, Rhode Island, una serie de títulos en 16 mm que dialogan sobre la comida mediante "vegetales, carnes y cereales, el hábito alimenticio de los animales, la industria gastronómica, el uso transgresivo de las natillas y otros tópicos deliciosos". Para visualizar estos aspectos se proyectarán películas de pioneros del arte fílmico como D.W. Griffith, experimentalistas lírico/trascendentales como Stan Brakhage o cineastas estructurales y accionistas como Kurt Kren.

Corn de Larry Gottheim, 1970, 16mm, color, silent, 10.5 min
A Corner in Wheat de D.W. Griffith, 1909, 16mm, b&w, silent, 14 min
Eat de Vivian Ostrovsky, 1988, 16mm, color, sound, 15 min.
Catfood de Joyce Wieland, 1968, 16mm, color, sound, 13 min
The Lion and the Zebra Make God’s Raw Jewels de Stan Brakhage, 1999, 16mm, color, silent, 7 min
Asparagus de Suzan Pitt, 1979, 16mm, color, sound, 20 min
9/64: O Tannenbaum de Kurt Kren, 1964, 16mm, color, silent, 3 min.
Meat Packing House de Eduardo Darino, 1981, 16mm, color, sound, 17 min.
No Sir, Orison! de Owen Land, 1975, 16mm, color, sound, 2.75 min

Eat (1988) Vivian Ostrovsky

Onion City Film Festival 2011

Ouverture (2010) Christopher Becks

Del 23 al 26 de junio la Chicago Filmmakers organiza la vigésima tercera edición del Onion City Experimental Film and Video Festival. Este festival dirigido por Patrick Friel lleva desde 1980 centrándose exclusivamente en las propuestas audiovisuales más experimentales. La programación de este año consta de una noche inaugural, seis sesiones de cortometrajes y tres proyecciones de largometrajes. En la primera se presenta la última realización animada de los hermanos Quay, la documentación ensayística sobre la automoción en la ciudad de Los Ángeles por parte de Thom Andersen y una de las últimas piezas del cineasta alemán Jürgen Reble. Los tres largometrajes presentados son: All Things Were Now Overtaken by Silence (2009) de Nicolás Pereda, Color Series (2010) de Madison Brookshire y Alice in Wonderland (2010) de James Fotopoulos –que se proyectará la noche de clausura–.

La noche de presentación se proyectarán los siguientes filmes:

Maska (2010, 23 min., Video, Poland) by The Quay Brothers.
Zwerk (2004, 8 min., 35mm, The Netherlands) by Bart Vegter.
Get Out of the Car (2010, 34 min., 16mm, US) by Thom Andersen.
Atlantique (2009, 15 min., Video, France/Senegal by Mati Diop.
Slave Ship (2010, 6 min., Video, US) by T. Marie.
Zagreb Tram Station (2009, 8 min., Video, Germany) by Jürgen Reble.
House of Days (2011, 3 min., 35mm widescreen, Austria/Germany) by Peter Miller.
Ouverture (2010, 5 min., 35mm widescreen, Canada) by Christopher Becks.
Toads (1997/2008, 6 min., Super-8mm blowup to 35mm, Germany) by Milena Gierke.

La programación completa del festival puede descargarse aquí.

Zwerk (2004) Bart Vegter

Slave Ship (2010) T. Marie

Millennium Film Journal Nº54 - Carolee Schneemann

Plum Line (1971) Carolee Schneemann

El Millennium Film Workshop de Nueva York anuncia una nueva publicación de su revista Millenium Film Journal, dedicada a la vida y la obra de la artista, cineasta y performer norteamericana Carolee Schneemann. La edición de este número 54 corre a cargo del profesor Kenneth White de la Universidad de Stanford. Entre los artículos incluidos se halla uno escrito por Bruce Elder alrededor del contexto cultural y filosófico de las manifestaciones artísticas de Schneemmann. Películas experimentales en formatos fílmicos bajo técnicas del cine sin cámara –como Fuses (1965)–, performances explícitas sobre el nudismo y la sexualidad –como Meat Joy (1964)– e instalaciones multimedia –como More Wrong Things (2001)– son algunas de las piezas estudiadas.
El volumen también incluye análisis escritos sobre el valor del loop como elemento estructural en el cine, y las connotaciones creativas del sonido sintético en el cine de vanguardia.

Cut and Run Tour

SAVE (2006) Roger Beebe

Cut and Run es el nombre de un festival itinerante de piezas experimentales breves, que este año llega a su tercera edición. El tour preparado para este año incluye decenas de proyecciones en microcinemas, filmotecas y espacios artísticos situados, principalmente, en Estados Unidos y Europa. The Autonomy of Place es el título bajo el que han englobado un conjunto de cortometrajes que, según la web, investigan "las políticas y las filosofías de lo olvidado, lo pasado por alto y los paisajes silenciados, de nuestro tiempo y espacio". PANKE, en colaboración con LaborBerlin, acogerá el programa el 18 de junio en la ciudad de Berlín. Las siguientes sesiones serán en Londres, San Francisco, Portland y Los Ángeles.

El programa está formado por las siguientes películas:
Gathering by Robert Todd
How to Draw Clouds by Salise Hughes
SAVE by Roger Beebe
Irma by Charles Fairbanks
5 Lessons and 9 Questions about Chinatown by Shelly Silver
Cusps by Sara Zia Ebrahimi
Passeggiata by Rick Bahto

Passeggiata (2004) Rick Bahto

Recomendaciones para hoy

Portadas de los libros: Fields of View: Art, Film and Spectatorship de A. L. Rees; The Place of Artists' Cinema Space, Site and Screen de Maeve Connolly; The Cinema Effect de Sean Cubitt y Expanded Cinema: Art, Performance and Film editado por A. L. Rees.

Pantallas de la era digital

Fluid Screens, Expanded Cinema de Janine Marchessault y Susan Lord (Ed.). University of Toronto Press. Canada, 2008.

Publicado en la Revista Secuencias. Primavera, 2011.

Existen estudios que reconocen la tradición teórica en la que se insertan desde el mismo título que los identifica. Es una estrategia que sirve como reclamo para aquellos lectores ya iniciados, interesados en recorridos críticos concretos, que varían en función de los momentos históricos en los que se debaten. Este es el caso del volumen Fluid screens, expanded cinema. El conjunto de textos seleccionados por Janine Marschessault y Susan Lord mantiene un vínculo directo con la situación cinematográfica analizada por el teórico Gene Youngblood en el contexto estadounidense de 1970. Las reflexiones que Gene Youngblood escribió en su imprescindible Expanded cinema son el punto de partida de una nueva recopilación de artículos analíticos que sitúan, sobre el papel, las cuestiones principales que atañen al desarrollo de la tecnología digital, en relación al cine y los medios de masas del escenario actual. Es un cine entendido en su mayor amplitud que inevitablemente moldea el espacio público de la contemporaneidad. Si Expanded cinema dibujaba una amplia concepción cinematográfica que abrazaba todas y cada una de las iniciativas artísticas realizadas con las nuevas tecnologías de la época, Fluid screens, expanded cinema hace lo propio, meditando sobre el papel de la imagen digital y sus ilimitadas potencialidades; haciendo especial hincapié en las iniciativas surgidas en una plataforma especialmente fructífera como es internet. Uno de los puntos de partida de esta compilación de artículos es la idea de que el espacio mediático de la actualidad está dominado por una multitud de medios que dominan la política económica, las prácticas culturales y las nuevas articulaciones de identidad. Gracias a la fluidez de la imagen digital se pone a prueba el espectáculo cinematográfico tradicional, traspasando las fronteras de lo interactivo y lo performativo en los networks media. Todos los análisis aquí incluidos quedan englobados bajo los cultural studies, la teoría post-fílmica, los estudios de comunicación y la teoría de los nuevos media. La multiplicidad de puntos de vista dispuestos en ellos demuestran cómo las tecnologías digitales transforman la cultura visual, moldeando la esfera pública en la que se insertan.

Las primeras películas por computadora realizadas por cineastas como Jordan Belson o los hermanos Whitney, los experimentos televisivos de artistas como Nam June Paik o Aldo Tambellini, las metamorfosis videográficas de John Stehura y Jud Yalkut, las performances multimedia de Carolee Schneemann o Robert Whitman, las arquitecturas sensoriales envolventes −como el Movie Drome diseñado por el cineasta Stan VanDerBeek−, y los espectáculos expansivos de proyecciones múltiples −como el celebrado HPSCHD de John Cage y Ronald Namerth−, eran algunas de las manifestaciones artísticas estudiadas por Gene Youngblood en su ensayo Expanded cinema. Tomando como referencia lo cinematográfico, el autor exploraba la estética de los medios de comunicación audiovisuales en relación a nuevas dimensiones fenomenológicas, de resonancias epistemológicas. El arquitecto y ensayista Buckminster Fuller era el encargado de escribir la introducción de un libro, que él mismo identificaba como “el principio de una nueva era del sistema educacional”. Era una manera de entender unas reflexiones que ponían las bases para una pedagogía interactiva, apta para el desarrollo del conocimiento y la apertura de la conciencia. Esas palabras visualizaban la importancia de las herramientas basadas en la emisión y recepción de sonidos e imágenes en movimiento, para el futuro de la humanidad. La extensión de los límites de la pantalla hacia formas culturales interconectadas, envolventes e interactivas, quedaban estructuradas por Gene Youngblood mediante tres ejes principales: la sinestesia, lo intermedial y lo global.

El cine es el arte de organizar una corriente de eventos audiovisuales en el tiempo. Es un evento temporal, tal y como sucede con la música. Para Gene Youngblood la tecnología audiovisual es un dispositivo que permite ampliar la conciencia del espectador y ensanchar las capacidades de su mente. Ese nexo común entre medio y mente es uno de los puntos concretados por especialistas de la evolución de la imagen electrónica y el vídeo, de finales de los años sesenta. Fluid screens, expanded cinema retoma estas consideraciones casi cuarenta años más tarde. Lo hace para evidenciar nuevas perspectivas surgidas en un contexto radicalmente distinto −no solo a nivel temporal, sino también a nivel geográfico−. En esta ocasión los artículos redactados toman como referencia los desarrollos acaecidos en Canadá y, especialmente, en las ciudades de Toronto y Montreal. Tal y como indican las editoras en la introducción del libro, la iniciativa de compilar esta serie de textos surge durante un simposio celebrado en una de las últimas ediciones del Images Festival for Independent Film and Media de Toronto. Por esta razón la mayoría de autores participantes son de procedencia canadiense. Así, muchos de sus objetos de estudio pertenecen a los desarrollos estéticos y conceptuales concentrados en este basto espacio geográfico. Es en esta misma introducción donde se establece el marco teórico que gira alrededor de los tres capítulos que dividen el libro. Si el título del mismo remite a concepciones como el de la modernidad líquida descrita por el ensayista Zygmunt Bauman, es por el paralelismo que establece entre la convergencia espacio-temporal de las sociedades occidentales regidas por el sistema capitalista, y las manifestaciones fílmicas que surgen de ella. Según Bauman la fluidez de los estados líquidos sirve como metáfora para entender la flexibilidad de espacios desplazados y tiempos ilimitados, perceptibles en la actualidad. Es un modo de identificar la fragmentación, la maleabilidad y la fugacidad de lo presente.

Expanded cinema – Inmersion es el título de la primera parte del libro. Los seis ensayos de los que consta esta sección tratan sobre la influencia que los soportes arquitectónicos diseñados para proyecciones fílmicas provocan sobre las experiencias sensoriales de los espectadores que se sumergen en ellas. Partiendo de las innovaciones introducidas en la exposición internacional de Montreal de 1967, Janine Marchessault considera en su texto Multi-screen and future cinema: The Labyrinth Project at Expo 67 la relevancia de las aportaciones cinematográficas realizadas para los pabellones de la muestra, concentrando su interés en el proyecto The Labyrinth. Esta multiproyección diseñada por Colin Low, junto a Roman Kroitor, fue una de las piezas más complejas de una Expo 67 plagada de obras fílmicas, identificadas por parte de los técnicos y artistas mediante términos como Circle Vision, Polyvision, Kino-Automat o Diapolyecran. Descrita por Marchessault, la instalación Labyrinth consta de tres salas que muestran lo fílmico como ambiental, introduciendo nuevas consideraciones sobre la vivencia de la simultaneidad. Es un film site specific de cuarenta y cinco minutos que narra, a modo de ritual, la autorealización de un individuo a lo largo de toda su vida. Multiproyecciones discontinuas invitan a una divagación de los sentidos que, a la vez, activan la imaginación sin renunciar a la memoria –acciones que, según Gene Youngblood, conjugan el paseo del espectador con el cine sinestésico–. Marchessault finaliza su texto recalcando que la omnipresencia de instalaciones fílmicas en la Expo 67 es un claro precedente de la ubicuidad de pantallas y la maleabilidad de la imagen del presente. Sounds complicated: what sixties audio experiments can teach us about the new media environments es otro de los textos destacados de esta primera parte. Aquí Stephen Crocker se encarga de estudiar cómo el sonido estructura los espacios que nos rodean, alterando, de un modo prácticamente imperceptible, nuestra conciencia. Lo hace atendiendo a cuestiones como la naturaleza omnidireccional del sonido y la pasividad con el que lo recibe el ser humano. Transitando entre conceptos como el arte de los ruidos de Luigi Russolo, la escucha reducida de Michel Chion y Pierre Schaeffer, y las reflexiones del montador y sound designer Walter Murch, Stephen Crocker se decanta, como Marshall McLuhan y John Cage, hacia el estudio del sonido atendiendo a las estructuras organizadas de las sensaciones, y no a sus fuentes sonoras. The network screen: moving images, materiality, and the aesthetics of size de Haidee Wasson repasa la evolución tecnológica de las pantallas, para revelar lo que subyace en dos ejemplos paradigmáticos: IMAX y QuickTime. La espectacularidad global de un dispositivo y la pequeñez individual del otro permiten establecer comparaciones, que concluyen con apreciaciones como el hecho de que el Kinetoscopio de Edison sea un claro precedente de las pequeñas películas disponibles en la Web.

El segundo apartado del libro se centra en nociones temporales, históricas y memorísticas. Entre los escritos englobados en una sección identificada con el título Digital Time − Archive, cabe mencionar From sequence to stream: historiography and media art de Susan Lord. Aquí la autora argumenta la existencia de una imaginería historiográfica puesta a punto por artistas e intelectuales, gracias a procesos como el copyleft, las narrativas de bases de datos, el intercambio o el saqueo de archivos (archive plundering). Bajo experiencias de grupos políticamente comprometidos como Vision Machine o Walid Raad y The Atlas Group, Susan Lord disecciona el cambio de las relaciones temporales secuenciales, a la estética digital y las imágenes virtuales. Liquid Space − Mobility es la tercera y última sección de Fluid screens, expanded cinema. En ella se encuentra una serie de recomendaciones de Sean Cubbit en Precepts for digital work. Aquí el autor toma en consideración la traducción que se produce entre el trasvase de lo analógico a lo digital, afirmando que son los espacios vacíos que emergen de la fragmentación, lo verdaderamente relevante de la digitalización. La naturaleza efímera, el carácter procesual, el aspecto incompleto y el acabado imperfecto son algunas de las características que halla en unas artes digitales que acaba definiendo como cyborg. Para Sean Cubitt lo digital es antes un soporte comunicativo que uno representacional.

El apéndice Afterword: what we must do firmado por el propio Gene Youngblood se pregunta si existe la posibilidad de organizar un evento interactivo y participativo de alcance mundial, difundido a través de internet. Visibilizar una conciencia común del ser humano, ligada a unos desarrollos tecnológicos factibles, parece ser la razón de esta propuesta utópica que coge como ejemplo las manifestaciones contra la guerra de Irak sucedidas en febrero de 2003. Es una manera de plantear la importancia que puede llegar a adquirir lo digital respecto a la estética de los media y a las experiencias espacio-temporales ligadas al capitalismo.

Taller de animación experimental

Apropiación, montaje y collage sobre película de 35mm

La primera semana de julio se organiza en Circuit Torçat otro curso de cine experimental, reciclaje, desmontaje y cine de animación sin cámara. Si el último estuvo dedicado al soporte super 8, el de ahora se centra en el 35mm. Los días 1, 2, 3 y 8 de julio de 2011 Oriol Sánchez impartirá un taller teórico y práctico en el que se visionaran piezas de cineastas como Cécile Fontaine o Steven Woloshen.

Más información: http://www.circuittorcat.com/35mm

La Pêche Miraculeuse (1995) Cécile Fontaine

El efecto del cine. Ilusión, realidad e imagen en movimiento

You and I, Horizontal II (2006) Anthony McCall

El efecto del cine. Ilusión, realidad e imagen en movimiento es el título de una exposición producida en 2008 por el Hirshhorn Museum and Sculpture Garden de Washington, D.F. Presentando una conjunto de piezas fílmicas, videoinstalaciones y proyecciones de cineastas o artistas contemporáneos, la comisaria Kelly Gordon elabora un recorrido por instalaciones y piezas monocanal que dialogan alrededor de lo cinematográfico en el contexto artístico. Esta muestra sobre el arte de las imágenes en movimiento se divide en dos partes llamadas Realismo y Sueños. La primera se pudo ver recientemente en el Caixafòrum de Madrid, la segunda se inauguró la semana pasada en el mismo centro de arte de la ciudad de Barcelona. Del 25 de octubre de 2011 al 29 de enero de 2012 se podrá visitar la exposición completa en el de Palma de Mallorca.

La película Sleep de Andy Warhol inicia un itinerario sobre la representación del insomnio, la vigilia y el sueño, que continúa con piezas de found footage (dos filmes oníricos de Bruce Conner y una pesadilla angustiosa de Cristoph Giradet, a partir de un plano del clásico King Kong), películas paisajísticas (una documentación de los reflejos de un edificio por parte de Tacita Dean y una lluvia volcánica de efectos digitales a cargo de Kelly Richardson),  instalaciones post-minimalistas (la proyección sobre una cortina roja de Douglas Gordon y la confrontación entre aparatos añejos de Rodney Graham) y expanded cinema revisitado (ese Line Discriving a Cone de Antonhy McCall rebautizado como You and I, Horizontal II). Las demás aportaciones fluctúan entre documentaciones contemplativas ligeramente sugerentes y puestas en escena teatralizadas de escaso interés. Existe algo de impostado en esa acumulación de impactos visuales y sonoros en busca de un efecto post-producido que les de legitimidad (voz en off, gráficos digitales, loops ad infinitum). Como si el envoltorio estuviera por delante de cualquier posible discurso más o menos significativo.


Reihnmetall/Victoria 8 (2003) Rodney Graham

Cherry Kino – Programme of Super8 films

Nightlight (2009) Dagie Brundert

Cherry Kino es una plataforma ubicada en Leeds (Inglaterra), dedicada a la causa del cine experimental. Tal y como indican en su página web Cherry Kino Maker es un "lover and shower of wondermental film". Entre las actividades que organizan se encuentran talleres, análisis escritos y proyecciones dedicados al cine de artistas, al cine amateur y la experimentación en celuloide. El último fin de semana de mayo presentan un programa de películas realizadas originalmente en formato super 8 que se integrarán dentro del Leeds Internationl Film Festival. Las películas seleccionadas se mostrarán en el  Mobile Cinema del Saltaire Arts Trail de la ciudad de Bradford y el Cherry Kino Lab. Entre los realizadores de las piezas escogidas se hallan nombres reconocidos del experimental como el británico Ian Helliwell o el irlandés Maximilian Le Cain. Pero por encima de todo destaca una notable representación española, a cargo de cineastas singulares como Alberto Cabrera Bernal, Pere Ginard, Laura Ginès o un servidor.

Canción última – dir. Dan Hildred / UK / 2010 / 3 mins
Untitled [2] – dir. Nathan Cyprys / Canada / 2009 / 3 mins
Nightlight – dir. Dagie Brundert / Germany / 2009 / 2 mins
The Palm Tree Song Line – dir. Dagie Brundert / Germany / 2008 / 1 min
Radl (Bike) – dir. Viktoria Schmid / Austria / 3 mins
In the Streets – dir. Robert Harris / USA / 2009 / 5 mins
Monster – dir. Marta Daeuble / France / 2004 / 40 secs
Fishquay – dir. Matt Sutcliffe / UK / 2011 / 4 mins 53 secs
Preludio (Prelude) – dir. Albert Alcoz / Spain / 2010 / 3 mins
This is a test reel – dir. Matoula Eolou Gekko / Greece / 2010 / 3 mins
Solar Eyes – dir. Rosie Parsons / UK / 2011 /
Hotel La Mirage – dir. Maximilian Le Cain / Ireland & Greece / 2010 / 5 mins
You Can Never Hurt Me – dir. Jon Perez / USA / 3 mins
De Luce 1: Vegetare – dir. Janis Crystal Lipzin / USA / 2009 / 5 mins
Untitled– dir. Elina Street / UK / 2011 / 2 mins
Cada cuatro fotogramas (Every Four Frames) – dir. Alberto Cabrera Bernal / Spain / 2009 / 1 min
In My Dreams – dir. Stephanie Wuertz / 3 mins
Song Before Dying - dirs. Pere Ginard & Laura Ginès / Spain / 2011 / 4 mins
LOVE – dirs. Rasa / Lithuania / 2011 /
Red Road – dir. Arturo Almanza / Colombia /
Colour Stream – dir. Ian Helliwell / UK / 2002 / 4 mins

De Luce 1: Vegetare (2009) Janis Crystal Lipzin

Tejido Conectivo, Film Performance

El viernes 20 de mayo de 2011 se presenta en la sala Miscelanea de Barcelona una multi-proyección fílmica del proyecto Tejido Conectivo. Oriol Sánchez, Luis Macías y Adriana Vila son los tres responsables de una performance fílmica que recupera películas amateurs antiguas en formatos como el 8 mm, el super 8 y el 16 mm.  Como indican en la página web las diversas mutaciones practicadas mediante este metraje de filmaciones caseras permiten "re-visitar el pasado a través de lo que queda de registros personales". La documentación de un pasado ajeno se alía con la experimentación formal de un presente hecho de asociaciones visuales y contrastes sonoros.

WEIRD WAR

WEIRD WAR
Year: 2011
Duration: 9 minutes
Original format: super 8
Screening format: miniDV
Director: Albert Alcoz

Project description:
Weird War is a found footage film about a super 8 documentary of the World War II. Using cameraless techniques the film shows explosions in the sky backwards, soldiers wound and erased, damaged frames, perforations and abstract images painted. The soundtrack is made by a distorted voice over, analog music transformed into raw noises and takeoff airplanes. It is the nonsense of the war. 

Weird War es una película de found footage que recupera un documental en súper 8 de la Segunda Guerra Mundial. Utilizando técnicas del cine sin cámara el filme muestra explosiones en el cielo al revés, soldados heridos y borrados, perforaciones sobre el celuloide e imágenes abstractas pintadas. La banda sonora está construido a partir de una voz en off distorsionada, música transformada en ruidos incómodos y sonidos de aviones despegando. Todo ello conforma el sinsentido de la guerra.

LOOP Festival - Screen From Barcelona

Situació Color (1976) Antoni Miralda y Jaume Xifra

El pasado 10 de mayo se inauguró en el Arts Santa Mònica el festival de videoarte LOOP. Con expectativas renovadas, esta muestra llamada Screen From Barcelona estará presente del 11 al 21 de mayo en diversos museos, centros de arte, fundaciones, galerías, restaurantes y demás espacios públicos dedicados promover las manifestaciones artísticas. Entre las innumerables actividades ofertadas llama la atención el gran número de exposiciones y proyecciones programadas. El Efecto del Cine: Sueño es una exposición de recorrido internacional comisariada por Kerry Brougher, Anne Ellegood, Kelly Gordon y Kristen Hileman, que reflexiona sobre la relación entre el Arte y el medio cinematográfico con piezas de artistas actuales que trabajan con el celuloide (Tacita Dean), videoartistas consagrados (Douglas Gordon) y cineastas clásicos de la experimentación como Andy Warhol, Bruce Conner o Anthony McCall. La Fundació Suñol muestra dos creaciones audiovisuales realizadas por Antoni Miralda junto a Jaume Xifra, y Antoni Muntadas en 1976. Situació Color y Retrat de Pep Suñol son sus títulos. En Mobile art, experiencias móviles –organizado por Clara Puig, Adrián Soler para la Fundación Francisco Godia– se incluyen algunas de las prácticas audiovisuales actuales registradas con móviles; Antoni Abad, María Cañas y Andrés Duque son algunos de los participantes. Por lo que respecta a las proyecciones destacan las sesiones dedicadas a Valie Export, Isaac Julien, Robert Cahen y Allan Sekula (junto a Noël Burch), así como la presentación del proyecto inacabado eGolem, por parte de Eugeni Bonet. Entre las actividades programadas durante la Feria en el Hotel Catalonia Ramblas cabe remarcar la conferencia Video diffusion on Internet a cargo de Stuart Comer (TATE Modern), Bart Rutten (Stedelijk Museum) y el coleccionista Jean-Conrad Lemaître.

The Forgotten Space (2011) Allan Sekula

Imágenes en disputa: Emergencias y apropiaciones audiovisuales

Matar a Hitchcock (2008) Alberto Cabrera Bernal

Del 4 al 7 de julio de 2011 la Facultad de Bellas Artes de Altea y el Camon Alicante acogen el curso "Imágenes en disputa: Emergencias y apropiaciones audiovisuales", organizado por la Universidad Miguel Hernández en colaboración con Camon. Este seminario consta de cuatro módulos alrededor  del apropiacionismo, con especial atención a su presencia en el área audiovisual. La obra y la metodología de trabajo del cineasta Alberto Cabrera Bernal es uno de los ejes principales a partir del cual reflexionar sobre las experiencias audiovisuales alternativas que se están desarrollando en España. El profesorado del curso estará formado por Teresa Marín García, Xose Prieto Souto y Alberto Cabrera Bernal.

El programa del curso es el siguiente:
1. Prácticas creativas de reciclaje (Facultad de Bellas Artes de Altea, 4 de julio). 2. El soporte fílmico como campo de batalla (Camon Alicante, 5 de julio).
3. Creación y postproducción: Un debate sobre autoría y apropiación (Facultad de Bellas Artes de Altea, 6 de julio).
4. ¿Y qué pasa con lo nuevo? (Facultad de Bellas Artes de Altea, 7 de julio)

Más información: http://www.umh.es/fpo/fichaCursoFPO.asp?id_edicion=3517&caca=2010

Matar a Hitchcock (2008) Alberto Cabrera Bernal

No podemos prometer hacer más que un experimento

  Sretanja/Encounters (1963) Vladimir Petek

Del 18 de mayo al 6 de julio el Macba de Barcelona acoge un ciclo de películas experimentales realizadas en Yugoslavia durante las décadas de 1960 y 1970. Bajo el título No podemos prometer hacer más que un experimento se engloba una muestra cinematográfica que acompaña la exposición Museo de narrativas paralelas. En el marco de La Internacional. La selección de títulos, a cargo de la comisaria Ana Janevski, representa el cine de la antigua República Socialista Federativa de Yugoslavia: el anticine (Zagreb), el cine alternativo (Belgrado), la escuela de cine de Split y el grupo de artistas visuales de Novi Sad (Serbia). Las películas estructuralistas y el arte corporal de Tomislav Gotovac, la narraciones subversivas de Dušan Makavejev, al cine amateur de género de Želimir Žilnik, el oficio de Karpo Godina, las intervenciones performativas del colectivo KOD o las películas de artistas visuales como Vladimir Kristl, Neša Paripović, Zoran Popović o Mladen Stilinović, serán algunas de las piezas a proyectarse en esta singular muestra.

Programa:
Miércoles a las 19h.

18 de mayo
Presentación a cargo de Ana Janevski.
25 de mayo
El anticine y nosotros y más aún. La producción de cineclubs. Belgrado, Split, Zagreb
1 de junio
Želimir Žilnik – Cine negro
8 junio
Películas de artistas
22 de junio
En cuanto abro los ojos veo una película – Tomislav Gotovac
29 de junio
Karpo Godina – Alegría de vivir
6 julio
Dušan Makavejev y la guerra de guerrillas en el cine

Más información:
Macba

W. R. Los misterios del organismo (1971) Dušan Makavejev

Madchester approaches

por Blanca Viñas

Pre-cine revisitado, experimental media resituado

Reseña publicada en el número 67 de Archivos de la Filmoteca

"Film and Video Art"
STUART COMER (ED.)
Tate Publishing. Londres, 2009.

"Máquinas de Mirar"
NIKE BÄTZNER, WERNER NEKES Y EVA SCHMIDT (ED.)
Centro Andaluz de Arte Contemporáneo. Sevilla, 2009.

Hace años que la presencia del arte de las imágenes en movimiento ha dejado de ser exclusivo de la sala cinematográfica. El contexto del arte contemporáneo ha sido uno de los terrenos más propicios para el desarrollo de unas obras fílmicas alejadas, voluntariamente, del aparato industrial propio del cine comercial. Este camino de no retorno del arte fílmico hacia el espacio museístico –ocupado tradicionalmente por las artes plásticas–, demuestra la voluntad de los cineastas por ampliar el espectro de sus prácticas visuales. Desde el momento en que el dispositivo cinematográfico reclama su carácter expositivo en espacios como galerías o museos de arte, son muchos los estudios escritos que analizan detenidamente el fenómeno, reflexionando sobre los modos de actuación puestos en escena bajo esos nuevos enclaves. Un buen número de artistas fílmicos que participan de este desplazamiento cuestionan los límites de la especificidad del medio, mediante propuestas estéticas inusitadas, sustentadas en discursos críticos elaborados con mayor o menor entidad. Lo cierto es que algunas de estas estrategias esconden consideraciones relacionadas con la era de los artefactos sucedida a finales del siglo XIX. Muchos cineastas y artistas que trabajan la imagen en movimiento en la actualidad replantean la noción de arte cinematográfico, observando detenidamente sus inicios e investigando el devenir de esos primeros años para averiguar el porqué de la fascinación de la imagen en movimiento. A partir de esta exploración, sus procesos creativos ensanchan las posibilidades de la imagen, independientemente del carácter narrativo que de ella emana.

Si el desarrollo tecnológico de innumerables objetos pre-cinematográficos provoca la progresiva consecución del ilusionismo, resulta evidente que esta ilusión de realidad viene determinada por el alto grado de iconicidad de la imagen fotográfica. Visibilizar ese artificio, para desvelar su significación, es tarea, tanto de los cineastas y videoartistas mencionados en el libro colectivo Film and Video Art, como de los artistas contemporáneos presentes en el catálogo y la exposición Máquinas de Mirar. Los dos volúmenes parten de algunas de estas consideraciones para demostrar el discurso dialógico establecido entre el arte cinematográfico y al arte contemporáneo. Si el primer libro cartografía de modo compartimentado el panorama del pre-cine, el cine de vanguardia, el cine experimental, el expanded cinema, el videoarte, la televisión de artistas, el vídeo digital y el screen art; el segundo se decanta por un análisis minucioso de las invenciones pre-cinematográficas, relacionándolas directamente con una serie de obras de artistas visuales contemporáneos, no necesariamente cineastas.

Máquinas de mirar o cómo se originan las imágenes. El arte contemporáneo mira la Colección de Werner Nekes es el título de una exposición que pudo verse entre el 17 de septiembre de 2009 y el 10 de enero de 2010 en el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo de la ciudad de Sevilla. La muestra itinerante comisariada por Nike Bätzner también estuvo presente en el Mucsarnok Kunsthalle de Budapest y el Museum für Gegenwartskunst de Siegen. Como indica el subtítulo del catálogo, el planteamiento de la exposición resulta ser la correspondencia trazada entre la colección de objetos pre-cinematográficos del cineasta experimental alemán Werner Nekes y las obras de un conjunto selecto de artistas modernos y postmodernos. De este modo se recuperan 200 objetos, fotografías e ilustraciones sobre la prehistoria del cine que dialogan con esculturas, instalaciones, dibujos y una larga serie de obras plásticas heterogéneas de artistas de la segunda mitad del siglo XX. Entre los objetos pre-cinematográficos que protagonizan la génesis de la producción de imágenes se encuentran trampantojos, espejos deformantes, cámaras oscuras, linternas mágicas, estereoscopios, taumatropos, fenaquistiscopios, mutoscopios, folioscopios, caleidoscopio, teatros de sombras, philosophical toys, etc. Todos ellos mantienen consonancias, en la distribución del catálogo, con decenas de piezas artísticas de carácter ecléctico. Entre los artistas representados se hallan dibujantes como Guilio Paolini, Roland Stratmann o William Kentridge; videoartistas como Douglas Gordon o Pipilotti Rist; fotógrafos como Ed Ruscha o Thomas Ruff; y pintores como Sigmar Polke. Pero en su mayoría se encuentran artistas multidisciplinarios herederos de los debates sucedidos alrededor del arte conceptual y la desmaterialización del arte, como son los nombres de Julio Le Parc, Dore O., Hans-Peter Feldman, Rodney Graham, Olafur Eliasson o Eulàlia Valldosera; artistas que reflexionan sobre las condiciones de la producción de imágenes, el placer de la ilusión, la magia y el goce lúdico que la ilumina.

Como indica Nike Bätzner, “las máquinas de mirar lo mismo pueden ampliar la visión que limitar el ángulo desde el que se mira”. Esta contradicción puede observarse detenidamente en cada una de las obras incluidas en el catálogo, ya que los puntos de vista planteados por los teóricos encargados de analizarlas demuestran, permanentemente, la dualidad presente en la tesis de la exposición. Preguntarse cómo se originan las imágenes, qué tienen de específico, qué percibe la visión y qué captura la ilusión, son cuestiones que vienen a poner en duda aspectos como la perspectiva central y su estructuración jerárquica del mundo en imágenes. Lo que sí es cierto es que las máquinas de mirar pueden considerarse como un conjunto de prótesis para el ojo humano que, solventando sus limitaciones, lo instrumentaliza como sentido cognitivo. Y tras esta afirmación se amagan cuestiones epistemológicas y fenomenológicas que atañen a los modos como se percibe y se conoce aquello que nos rodea. En el texto Un cambio de perspectiva, Michael Mayer introduce una frase de Heidegger para elaborar un discurso sobre la representación: “la imagen del mundo no significa una imagen del mundo, sino el mundo entendido como imagen”. Son precisamente los artilugios y las imágenes del siglo XIX –los panópticos, las imágenes invertidas, las distorsiones anamórficas, las figuras volteables–, las que ponen en duda la rigidez de la axiomática perspectivista del Renacimiento italiano. Teorías de la percepción como ésta subyacen en los discursos planteados por unos estudiosos que, relacionando obras contemporáneas con objetos del pre-cine, vinculan constantemente la realidad con la ficción, evidenciando que el contenido de la visión depende de la percepción subjetiva del observador. Finalmente cabe destacar el texto de Heinz-Wernern Lawo centrado en desvelar las posibilidades fotográficas del gabinete de espejos, y el escrito de Jean-Christophe Royoux sobre el ciclo Media Magica de Werner Nekes, en el que disecciona la fascinación que supone visionar un clásico divulgativo de la producción de imágenes como es Film Before Film (1986).

El volumen Film and Video Art, editado por Stuart Comer, está formado por un conjunto de textos que realizan un amplio panorama por el desarrollo del cine y el vídeo en relación al arte, desde sus inicios hasta el día de hoy. Es por tanto otra referencia bibliográfica más del mundo anglosajón centrada en relacionar el cine de vanguardia, el videoarte y las prácticas audiovisuales más actuales. Si los textos del libro anterior servían para contrastar y comprender el papel de las obras expuestas –perfectamente ilustradas a todo color–, los aquí presentes sirven para resumir las prácticas más relevantes de la historia del cine experimental, independientemente de las épocas y los escenarios en los que se engloban. De modo que su punto de partida, interesado en cartografiar las vicisitudes de las prácticas fílmicas y videográficas más vanguardistas, ya ha sido expuesto previamente en multitud de ocasiones. Stuart Comer deja bien claro el propósito de la compilación en la introducción del mismo, al afirmar que, “el propósito de este volumen es introducir y examinar la importancia del cine y el vídeo de artistas en el amplio contexto de la historia del arte, y reconocer su relevancia en el cine, la performance, la galería, la televisión, internet y más allá, sin mencionar su crucial implicación en la disolución de los límites entre estas diversas áreas prácticas”. Esta perspectiva es la que determina todos y cada uno de los textos recopilados, ya que la voluntad final es la de demostrar la decisiva aportación de los cineastas y videastas vanguardistas, abstractos, libres, personales y/o independientes en la evolución de la imagen en movimiento y del arte visual.

Movements in Arts 1912-40 y 1941-79 de A. L. Rees, Moving image in the gallery since the 1990s de Michael Newman, TV against TV: video art on television de John Wyver y Expanding Cinema: the moving image in digital art de Christiane Paul son algunos de los discursos más clarividentes en este ímpetu por sintetizar el valor estético e ideológico de un buen número de películas, vídeos monocanales, videoinstalaciones, espectáculos multimedia y programas artísticos para la televisión. Entre las iniciativas transversalmente más insólitas se puede mencionar el repaso que hace Pip Laurenson sobre las vicisitudes de conservación y restauración de los materiales fílmicos y videográficos en Vulnerabilities and contingences in film and video art. Pero si hay algún texto que concentre su interés en el pre-cine, éste es Life itself! The “problem” of pre-cinema de Ian White; capítulo que sitúa históricamente la repercusión del inicio de la producción de imágenes y su proyección en espectáculos públicos; hecho que, indudablemente, subyace en muchas prácticas del arte del cine y del vídeo actual.

Aula Xcèntric. The Dancing Death

The Red and the Blue Gods (2005) Ben Russell

Del 23 de mayo al 3 de junio de 2011 el Aula Xcèntric propone un seminario para, reflexionar, debatir y descubrir películas inéditas acerca de los diferentes aspectos de la estética carnavalesca. A través de proyecciones, mesas redondas y encuentros con artistas, el curso Subversión carnavalesca y cine de no ficción se presenta como una invitación a la discusión teórica y la creación entorno al cine documental etnográfico y la experimentación cinematográfica. El programa elaborado por Loïc Diaz Ronda y Andrés Duque cuenta con la presencia de reputados cineastas, profesores y escritores como Mara Mattuschka, Ben Russell, Josetxo Cerdán, Elena Oroz, Juan Antonio Suárez y Miguel Fernández Labayen.

Más información:
Aula Xcèntric. The Dancing Death

Ajentes Culturales - Metrópolis

Kikol Grau ha realizado un documental para el programa cultural Metrópolis de La 2, centrado en los agentes culturales independientes de este país. Investigando una serie de activistas y francotiradores culturales directamente relacionados con las plataformas digitales o las muestras cinematográficas, Ajentes Culturales plantea una serie de cuestiones primordiales que atañen a la necesidad de divulgar, analizar y promover miradas críticas en relación al panorama audiovisual actual. Josetxo Cerdán del Festival Punto de Vista, Ángel Rueda de S8 Cinema Periférico, Felipe González de Zemos98, Elena Oroz de Blogs&Docs, Eli Lloveras de Hamaca, Natalia y Enrique Piñuel de Playtime Audiovisuales y Marc Prades de venuspluton!com, son las personas entrevistadas en un reportaje que ante todo demuestra que "existe una manera subterránea de hacer cultura".